Историята

Португалска керамична плочка в стил Арт Нуво



Португалска керамична плочка в стил ар нуво - история


„Azulejo“ е дума, използвана в Испания и Португалия за обозначаване на остъклена плочка: теракота, покрита с непрозрачно остъкляване. В тези две страни азулехос често се използва от 13 -ти век за покриване и декориране на стени, фонтани, настилки, тавани, сводове, бани или камини.

Тази дума идва от арабски الزليج "al zulaycha" това означава малко полиран камък, а не "azul" син, както често се казва. Вярно е, че има много сини азулежи и това може да обясни това объркване, но исторически първите остъклени плочки, които се появяват в Испания през 13 век. където основно зелено, кафяво и жълто.

Защо "малък полиран камък"? Защото идеята първо е била да се възпроизведат гръко-римските мозайки от Близкия изток или Северна Африка, не чрез сглобяване на малки парчета полиран мрамор („тесери“), а фрагменти от цветни остъклени плочки. Разбираемо е, че са необходими по -малко усилия за рязане на местна ръчно изработена плочка, отколкото за полиране на парчета мрамор, идващи от далечни места!

Запознатите с Мароко задължително са виждали зелиге, вид мозайка, направена с малки парчета цветни остъклени плочки. В тази страна "zellij" все още се произвеждат за покриване на подове, стени, басейни, бани и т.н. Този древен занаят все още е много жив в Мароко, повечето занаятчии са във Фес. Мароканското „zillij“ и испаноязычното „azulejos“ споделят една и съща етимология и един и същи произход с мозайката.

Източен произход

Първите известни остъклени плочки идват от Египет и Месопотамия. През 2620 г. пр. Н. Е. Фараон Джосер, основател на 3 -та династия, построен в Сакара от неговия архитект Имхотеп пирамида, чиито галерии, водещи към погребалната камера, са покрити със зелени остъклени плочки с жълти линии, имитиращи стъбла от папирус. Следователно глазурата, наричана понякога "емайл", която е тънко стъклено покритие, направено непрозрачно, е древно откритие. Въпреки това, в древността тази техника е била изключително ориенталска и всъщност впоследствие е била изгубена: гръко-римският свят не я е познавал. За да украсят повърхности, гърци и римляни са разработили няколко техники, като рисуване върху мокра мазилка ("фреска"), или мазилка, или мозайка.

Преоткриването на непрозрачна глазура

През 9 -ти век персите от Сасаниди преоткриват използването на калай като непрозрачно стъкло и започват да произвеждат за пореден път остъклени плочки с непрозрачно остъкляване. Техните съседи от Абасиди - Багдад беше тяхната столица - също започнаха да овладяват тази техника, която по -късно се разпространява в арабско -мюсюлманския свят, от портите на Константинопол до Испания. При Фатимидите египетските грънчари украсяват с плочки много стени на дворци, гробници или джамии в Кайро.

Европа през Испания

Следователно арабите донесоха това изкуство в Европа от Близкия изток. Първото използване на остъклени плочки се състои от геометрични сглобки от парчета нарязани плочки ("alicatado"). Красиви примери все още могат да се възхищават на място в Алхамбра в Гранада. Използваните модели са сложни и отразяват вкуса към геометрията в ислямския свят. Въпреки това, alicatado е процес, който остава скъп, защото изисква много ръчна работа за рязане на плочки. А процесът на рязане генерира значителна загуба на плочки. За да преодолеят тези недостатъци, майсторите в крайна сметка си представиха нанасянето на цветни глазури директно върху глинени плочки, но разделяне на зоните, за да се избегне смесването на цветовете.

Тези разделения се извършват чрез изчертаване на контурите с мастно вещество, смесено с черен пигмент (манганов оксид). Тази смес се превръща в черна тънка линия след печене. Този процес се нарича в Испания „cuerda seca“. Плочките, произведени по този метод, имат предимно мавритански шарки, подобни на композициите, направени с alicatado. Моделите често имат красив радиален стил, понякога имат това, което сега бихме нарекли кубистичен ефект.

Около 1500 г. процесът на cuerda seca е заменен от две подобни техники. С arista плочки преградата е направена от фини глинени хребети. С куенка плочки, това се прави с бразди. И в двата случая дървена форма, издълбана с шарка, се използва за щамповане на меката глинена плочка. Следователно няма повече черна линия между елементите с различни цветове. Тези две техники са предназначени да създадат ниска цена аликатадос. Основните производствени центрове на испански бяха Малага, Севиля, Валенсия (Манисес и Патерна) и Талавера де ла Рейна.


Влиянието на италианската майолика

През 1492 г. Гранада, последната ислямска държава на полуострова, попада в ръцете на християнските крале, което е краят на Реконкиста. Това и влиянието на Ренесанса, идващо от Италия, доведе до фундаментални промени в еволюцията на изкуството и архитектурата и по -специално в азулехо. В Италия техниката на майолика бяха се появили ястия и вази, произведени със сложна и цветна декорация: свитъци, зеленина, персонажи, гротеска и др. Град Фаенца, в централна Италия, се превърна във важен производствен център. Дотолкова, че името на града даде думата „faïence“ на френски. Там плочките започнаха да се украсяват със сложна декорация.

През 1498 г. италиански художник на майолика се заселва в Севиля, Франческо Никулозо, наречен Никулозо Пизано, защото е от Пиза. Той въвежда в Испания техниката на майоликата и я прилага блестящо към азулехос. Дотогава монохроматичните плочки бяха изрязани и сглобени, цветовете бяха ярки и нанесени с еднакъв интензитет. С новия италиански майоликов стил плочките са боядисани като дървен панел или платно. Използват се различни цветове: син, светложълт, тъмножълт, зелен, кафяв, бял, черен, лилав. Особено революционното е използването на светодиод, използване на контрасти на цветовете за постигане на усещане за обем. От почти индустриално повторение на модели, преминаваме към художествено творение. Аликатадо или cuerda seca плочки са направени от майстори azulejo панели сега са боядисани от художници. Стилът на azulejos се трансформира напълно: големите декорирани пана представляват образни и разказвателни сцени. Създаден в Севиля, влиянието на Пизано е огромно по целия полуостров: той е имитиран в Толедо, Валенсия, Талавера де ла Рейна, а също и в Португалия. И именно в Португалия това изкуство ще просперира най -много до степен да се превърне в една от най -характерните форми на изкуство в страната.

Друг италиански майолик майолик има значително влияние върху изкуството на плочките и архитектурата: Гуидо ди Савино напуска Венеция и се установява около 1500 г. в Антверпен, Фландрия, тогава испанска провинция. Благодарение на Гуидо ди Савино, известен още като Гуидо Андрис, Антверпен се превръща във важен център на производство, а майоликовата техника в крайна сметка се разпространява в Северна Европа (вж. Www.delft.fr). Първият френски производител на майолики е Masséot Abaquesne в Руан. В Холандия грънчари и художници с майолики хвърлят в Амстердам, Ротердам, Харлем, Макум и, разбира се, в Делфт.

Стилове след тяхното време

Стилове на изкуството от 16 -ти век, изразени с голямо разнообразие от теми: религия, лов, война, митология и др. Художниците на азулехос са свободно вдъхновени от декоративни отпечатъци от цяла Европа, особено гротескното: светски мотиви на древен Рим, преразгледани от Рафаел за украса на Ватиканския дворец. Тези гротески са „фантастични“ в буквалния смисъл и тази тема ще бъде широко възпроизвеждана и смесена по -специално с религиозни теми. Това е времето на търговия с вдъхновение от Далечния Изток, идващо също от Индия и Китай. Екзотичните тъкани вдъхновяват бояджиите да рисуват плочки за предната част на олтарите в много португалски църкви.

В края на 17 -ти век холандските художници на плочки боядисват синьо -бели плочки и панели под влиянието на китайски порцелан. Китайският софтуер е много скъп, но много ценен в цяла Европа. Грънчарите се опитват да се състезават и това произвежда фаянсова "порцелан", особено в Делфт. Португалските аристократи поръчват сини и бели холандски панели за своите дворци и църкви. Някои холандски производители на плочки в крайна сметка ще се установят в Португалия: по -специално Вилем ван дер Клоет и Ян ван Оорт. Този вид синьо -бяло азулехо ще има голям успех в Португалия и скоро през 18 -ти век тези панели ще бъдат имитирани от португалските бояджии до степен, че синьо -белите плочки ще покрият цялата страна. Това изкуство тогава беше на върха си, майсторството на художниците на azulejos е такова, че те често подписват своите панели. През 18 век рамките стават все по -засегнати от бароковия стил и заплитането на фестони, ангели и архитектурни елементи. Тогава се появява рококо стил, с отново сложна орнаментика. Декорите често са вдъхновени от Вато и неговите гравюри, представящи галантни, пасторални и буколически сцени и крайбрежни алеи на аристократични двойки.

След тези лекомислия 19 -ти век насърчава завръщането към добродетелите и простотата на античния свят. Стилът е известен като "неокласически". Панелите за плочки са вдъхновени от отпечатъците на Робърт Адам и брат му Джеймс. Рамките на панелите са опростени. Този стил бележи особено завръщането към богата полихромия.


Арт Нуво във Франция

В края на 19-ти век Арт Нуво се появява във Франция и дава тласък на архитектурната керамика, с използването на устойчива на замръзване фаянс. Представените субекти обикновено са растителни, с вълнообразни и женствени движения. Влиянието на плакатите на Алфонс Муха и Юджийн Грас е очевидно. Изложбата Universelle, проведена в Париж през 1900 г., отпразнува тази архитектурна керамика. Процесът на cloisonné се завърна след няколко века на изоставяне. Фасадите на къщите, магазините и ресторантите са украсени с декоративни плочки, или по -просто с фризове, често цветни, понякога релефни.


В днешно време няма повече хомогенност на стила в творенията на плочки. Те са предимно дело на един художник, рядко керамик, който се изразява от време на време с това изкуство. Станциите на метрото в Лисабон или Casa da Mùsica в Порто (архитект Рем Колхаас) показват, че днес в Португалия използването на керамика в архитектурата е особено живо.


Плочки в стил Арт Нуво

Базираното в Париж студио за плочки Almaviva предлага копия на керамични плочки и стенописи в стил Арт Нуво.
Тези панели са направени с помощта на традиционни керамични техники, използвани около 1900: cloisonné техника, наричана още “cuerda seca “, или тръбен релеф.
Можете да видите примери за такива фризове в стил Арт Нуво и керамични панели в нашия шоурум на Монпарнас в центъра на Париж.

Арт Нуво е арт движение, което процъфтява в Европа между 1892 и 1914 г. Характеризира се с използването на арабески и криви, вдъхновени от растителния свят.
В зависимост от държавата, Арт Нуво получава няколко купюри. Във Франция понякога го наричат ​​„стил юфка“ или „стил на метрото“ по отношение на входовете на парижкото метро, ​​направени през 1900 г. от Ектор Гимар.
Френският термин “Art Nouveau ” се използва и в Англия. В Германия това художествено движение се нарича Югендстил, в Австрия Sezessionstil, в Италия Стайл Свобода, и в Испания Модернизъм.
Около 1920 г. Арт Нуво отстъпва пред Арт Деко, а правите линии заменят извитите линии.
Арт Нуво е отразено във всички регистри на създаване: живопис, плакати, предмети, мебели, бижута, архитектура и др. В архитектурата керамиката е много присъства, както на фасадите, така и в интериора.

Фасадите често са украсени с остъклени керемиди. Керамичните панели Art Nouveau също украсяват интериора на ресторанти или кръчми или фоайета на сгради.

На Световното изложение през 1900 г., проведено в Париж, голям акцент се поставя върху керамиката в стил Арт Нуво. На входа на моста Александър III, на Esplanade des Invalides, огромен дворец от циментова замазка, наречен Френски павилион за производство, представя изобилие от керамични скулптури и фризове по пътека, която вървеше от Сена към Инвалидите. На Midway е построена Porte de Sèvres, монументална порта, покрита с барелефи в керамика. Тази порта е запазена и сега е на булевард Сен Жермен, точно зад църквата Сен Жермен де Пре. В центъра на вратата е скулптура на жена в стил ар нуво, представяща изкуството на керамиката. Фриз в барелеф изобразява керамичното изкуство.

Английското и американското движение Arts & amp занаяти също често използва керамични плочки за фасади и интериори. Това обикновено са керемидени плочки с релеф и тъмни цветове


Слънчеви антики

Solar Antiques е едно от най -добрите места в Лисабон за закупуване на антични плочки. Те имат огромна колекция от ретро плочки от 16 -ти до 18 -ти век. Те също имат красиви стенописи, въпреки че са малко скъпи.
Адрес: R. Dom Pedro V 70.

Фабрика Сант’Анна

Ако искате да закупите съвременни плочки в Лисабон, тогава Fabrica Sant’Anna е може би най -добрият магазин за плочки, който да си купи. Красивата колекция от ръчно рисувани плочки е възпроизведена по точните методи от 18 век. Те също имат хубава колекция от декоративни керамични произведения.
Адрес: Calçada Boa Hora 96.

Loja dos Descobrimentos

Loja dos Descobrimentos е страхотен магазин в квартал Алфама с много качествени ръчно рисувани плочки. Те имат както традиционни, така и класически плочки с жив и елегантен дизайн. Можете дори да направите една поръчка за вас. Те също имат богата колекция от керамични произведения от цяла Португалия.
Адрес: Rua dos Bacalhoeiros 12.

Пазарувате сувенири в Лисабон? Разберете кои са най -автентичните португалски сувенири.

Цехове за производство и боядисване на плочки в Лисабон

Ако се интересувате да направите свои собствени плочки в Лисабон, можете да резервирате целодневна работилница и обиколка на Националния музей на плочките тук.

Можете също да посетите Loja Dos Descobrimentos, за които споменахме по -рано, тъй като те също имат работилници за боядисване на плочки. Вижте уебсайта им тук. Всичко, което трябва да направите, е да им изпратите имейл с дата и час, на които бихте искали да проведете семинара, и те ще се свържат с вас.

Хареса ли ви да научите за плочки в Лисабон? Кои бяха любимите ви места? Кажете ни в коментарите по -долу.


Арт Нуво

Нашите редактори ще прегледат изпратеното от вас и ще решат дали да преразгледат статията.

Арт Нуво, декоративен стил на изкуството, който процъфтява между около 1890 и 1910 г. в цяла Европа и САЩ. Арт Нуво се характеризира с използването на дълга, извита органична линия и е използвана най -често в архитектурата, интериорния дизайн, бижута и стъклен дизайн, плакати и илюстрации. Това беше умишлен опит за създаване на нов стил, свободен от подражателния историзъм, който доминираше в голяма част от изкуството и дизайна от 19-ти век. Приблизително по това време терминът Арт Нуво е въведен в Белгия от периодичното издание L’Art Moderne за да опише работата на групата художници Les Vingt и в Париж от С. Бинг, който нарече галерията си L’Art Nouveau. Стилът се нарича Jugendstil в Германия, Sezessionstil в Австрия, Stile Floreale (или Stile Liberty) в Италия и Modernismo (или Modernista) в Испания.

В Англия непосредствените предшественици на стила са естетиката на илюстратора Обри Биърдсли, който силно зависи от изразителното качество на органичната линия, и движението „Изкуства и занаяти“ на Уилям Морис, който установява значението на жизненоважен стил в приложните изкуства. На европейския континент Арт Нуво е повлиян от експерименти с изразителна линия от художниците Пол Гоген и Анри де Тулуза-Лотрек. Движението също беше частично вдъхновено от модата за линейните модели на японските отпечатъци (ukiyo-e).

Отличителната декоративна характеристика на Art Nouveau е неговата вълнообразна асиметрична линия, често приемаща формата на цветни дръжки и пъпки, лозови струни, крила на насекоми и други деликатни и извити естествени предмети, линията може да бъде елегантна и грациозна или да се влива с мощно ритмично и сила, подобна на камшик. В графичното изкуство линията подчинява всички други изобразителни елементи - форма, текстура, пространство и цвят - на свой собствен декоративен ефект. В архитектурата и другите пластични изкуства цялата триизмерна форма се поглъща от органичния, линеен ритъм, създавайки сливане между структура и орнамент. Архитектурата показва по -специално този синтез на орнамент и структура, либерална комбинация от материали - железария, стъкло, керамика и тухлена зидария - беше използвана например при създаването на единни интериори, в които колоните и гредите станаха дебели лози с разперени нишки и прозорци станаха както отвори за светлина и въздух, така и мембранни израстъци на органичното цяло. Този подход е пряко противоположен на традиционните архитектурни ценности на разума и яснотата на структурата.

Имаше голям брой художници и дизайнери, работещи в стил ар нуво. Някои от по -известните са шотландският архитект и дизайнер Чарлз Рени Макинтош, който се е специализирал в предимно геометрична линия и е повлиял особено на австрийския Sezessionstil на белгийските архитекти Анри ван де Велде и Виктор Орта, чиито изключително извити и деликатни структури са повлияли на френския архитект Хектор Гимард, друга важна фигура, американският производител на стъкла Луис Комфорт Тифани, френският дизайнер на мебели и железа Луи Мажорел, чехословашкият графичен дизайнер-художник Алфонс Муха, френският дизайнер на стъкла и бижута Рене Лалик, американският архитект Луи Хенри Съливан, който използваше подобна на растения железария в стил Арт Нуво за украса неговите традиционно структурирани сгради и испанският архитект и скулптор Антонио Гауди, може би най -оригиналният художник на движението, който надхвърли зависимостта от линията, за да превърне сградите в извити, луковични, ярко оцветени, органични конструкции.

След 1910 г. Арт Нуво изглежда старомоден и ограничен и като цяло е изоставен като отделен декоративен стил.През 60-те години обаче стилът е реабилитиран, отчасти, чрез големи изложби, организирани в Музея за модерно изкуство в Ню Йорк (1959) и в Музея на националната художествена модерност (1960), както и от голям мащабна ретроспекция за Бърдсли, проведена в Музея на Виктория и Амп Алберт в Лондон през 1966 г. Изложбите издигнаха статута на движението, което често се разглеждаше от критиците като преминаваща тенденция, до нивото на други основни движения на модерното изкуство от края на 19 -ти век. След това теченията на движението бяха съживени в поп и оп арт. В популярната област цветните органични линии на Арт Нуво бяха възродени като нов психеделичен стил в модата и в типографията, използвана за кориците на рок и поп албуми и в търговската реклама.


Съвременна интерпретация

Далеч от азулехос, Рита също произвежда широка гама керамика. Ротон и причудливи бикове седят един до друг с големи купи, чаши и дори висулки с огърлици.

Керамика от местна глина в) Джулиана Барнаби

Обикаляйки нейната работилница, важната роля, която местният пейзаж и обстановка играят в нейната работа, е ясна. От тъмно сивата керамика, цветът, вдъхновен от назъбените скални скали, които доминират по крайбрежието, до свещите, направени с пчелен восък от местна кооперация, няма нищо, което да не отразява обстановката и културата на Alentejo.

Рядко се получава такова пълно усещане за място –, но тогава Alentejo е такъв, пълноценно сензорно изживяване, което нямате търпение да разгледате.


Декорации на стари плочки

Фиг. 4 Три от най -често срещаните начини за декориране на стари плочки. А.) ръчно рисувани показващи очевидни щрихи с четка Б.) Трансфер украсен цветове и линии, определени като твърди тела В.) Ръчно завършени трансфери очертания, нанесени чрез прехвърляне, попълнени с ръчно четкане.

Фиг. 5 Пълноцветният дизайн на всички нови плочки в тази статия е направен чрез модерен цветен печат. Съвременният цветен печат може да бъде идентифициран чрез кръгла розетка, показана по -горе.

Нови плочки с подпис Mucha. Проекти, копирани от оригинални произведения: Nocturnal Slember, 1899, Fig. 6 Evening Reverie, 1899, Fig. 7.

Фиг. 8 Единична нова плочка с подпис Mucha 6 × 6 ″. От оригиналната творба Le Lierre (Ivy) 1901 г.

Фиг. 9-12 Нови плочки, директни копия на оригинални плочки, проектирани от Уилям Де Морган. (Фиг. 9), две плочки, щъркел и риби (фиг. 10), птици и риби (фиг. 11), галерия Тюдор, (фиг. 12) египетска галера.
Уилям Де Морган е един от най -известните английски дизайнери на плочки от края на 19 век, ок. 1870-1907. Той беше и експерт по химия на керамиката и глазурите. Възпроизведени са над 16 от оригиналните дизайни на De Morgan, включително няколко дизайна, първоначално предназначени за чинии.

Фиг. 13-15 Репродукционни каминни комплекти, изработени от пет плочки. Много викториански плочки са специално проектирани за камини в пет комплекта плочки. Три от новите комплекти са показани по -горе.

Фиг. 16 Предлагат се и нови единични плочки в широка гама от геометрични и флорални шарки.

Фиг. 17-18 Повечето нови плочки са копирани от дизайни от 19 -ти век, но те са копирани от плочки от 18 -ти век.

Real Or Repro е индустриален ресурс, задвижван от

проверен пазар на дилъри и победител в многобройни
Награди за избор на продавачи на байтове за електронна търговия
за качество, използваемост, обслужване на клиенти, комуникации и най -препоръчителното място за продажба Така че сега,
Нашите собственици на магазини в Ruby Lane


Съдържание

Терминът Арт Нуво е използван за първи път през 1880 -те години в белгийското списание L'Art Moderne да опише работата на Les Vingt, двадесет художници и скулптори, търсещи реформа чрез изкуството. Името е популяризирано от Maison de l'Art Nouveau („Къща на новото изкуство“), художествена галерия, открита в Париж през 1895 г. от френско-германския търговец на изкуство Зигфрид Бинг. Във Великобритания френският термин Арт Нуво се използва често, докато във Франция често се нарича с термина Модерен стил (подобно на британския термин Модерен стил), или Стил 1900. [9] Във Франция понякога също го наричат Стил Жул Верн (по романист Жул Верн), Стил Метро (след железните и стъклени входове на метрото на Хектор Гимард), Art Belle Époque, или Art fin de siècle. [10]

Арт Нуво е свързано, но не идентично със стиловете, които се появяват в много страни в Европа приблизително по едно и също време. Местните им имена често се използват в съответните им страни, за да опишат цялото движение.

  • В Белгия понякога го наричат Стил coup de fouet („Whiplash стил“), Paling Stijl („Стил змиорка“), или Style nouille („Стил юфка“) от неговите противници. [10]
  • Във Великобритания, освен Арт Нуво, той е известен и като Модерен стил, или поради произведенията на училището в Глазгоу, като Стил Глазгоу. Терминът Модерни се използва също в Азербайджан, Казахстан, Русия и Украйна, и Модерни в Литва.
  • В Германия и Скандинавия се наричаше Reformstil („Реформен стил“), или Югендстил („Младежки стил“), след популярното немско списание за изкуство с това име, [10] както и Wellenstil („Wave style“), или Лилиенстил („Лили стил“). [9] Сега се нарича Jugend във Финландия, Швеция и Норвегия, Juugend в Естония, и Югендстилс в Латвия.
  • В Дания е известен като Skønvirke („Работа на красотата“).
  • В Австрия и съседните страни, тогава част от Австро-Унгарската империя, Винер Югендстил, или Отделяне все още („Стил на сецесион“), след артистите на Виенската сецесия (унгарски: szecesszió, Чешки: отделя се, Словашки: сецезия, Полски: secesja).
  • В Италия често го наричат ​​Liberty style, след Артър Ласенби Liberty, основателят на лондонския Liberty & amp Co, чийто текстилен дизайн е популярен. Понякога също се наричаше Stile floreale („Флорален стил“), или Arte nuova („Ново изкуство“). [10]
  • В Съединените щати, поради асоциацията си с Louis Comfort Tiffany, понякога е наричан „стил на Тифани“. [3] [11] [9] [12]
  • В Холандия се наричаше Нюве Кунст („Ново изкуство“), или Nieuwe Stijl ("Нов стил"). [11] [9]
  • В Португалия, Arte nova.
  • В Испания, Модернизъм, Модернизъм (на каталунски) и Arte joven („Младо изкуство“).
  • В Швейцария Style Sapin ("стил на бор"). [9]
  • Във Финландия, Калевала стил.
  • В Русия Модерн („Модерен“) или, за рисуване, Мир Искусства (Мир Искусства, „Светът на изкуството“).
  • В Япония, Широ-Ума. [13]
  • В Румъния, Арта Нуа („Ново изкуство“) или Noul Stil ("Нов стил"). [14]

Редактиране на произхода

Японски печат на дърворезба от Утагава Кунисада (1850 -те)

Уилям Морис отпечатан текстилен дизайн (1883)

Дизайн на тапети „Лебед, бързане и ирис“ от Уолтър Крейн (1883)

Стол, проектиран от Arthur Mackmurdo (1882-1883)

Новото движение на изкуството има своите корени във Великобритания, в флоралните дизайни на Уилям Морис и в движението „Изкуства и занаяти“, основано от учениците на Морис. Ранните прототипи на стила включват Червената къща с интериор от Морис и архитектура от Филип Уеб (1859) и пищната стая на Пауна от Джеймс Абът Макнийл Уислър. Новото движение също е силно повлияно от прерафаелитските художници, включително Данте Габриел Росети и Едуард Бърн-Джоунс, и особено от британските графики от 1880-те, включително Селвин Имидж, Хейууд Съмнър, Уолтър Крейн, Алфред Гилбърт и особено Обри Beardsley. [15] Столът, проектиран от Артър Макмурдо, е признат за предшественик на дизайна в стил Арт Нуво. [16]

Във Франция е повлиян от архитектурния теоретик и историк Eugène Viollet-le-Duc, обявен за враг на историческия архитектурен стил Beaux-Arts. В книгата си от 1872 г. Entretiens sur l'architecture, той пише: "Използвайте средствата и знанията, дадени ни от нашето време, без да се намесват традициите, които вече не са жизнеспособни и по този начин можем да открием нова архитектура. За всяка функция нейният материал за всеки материал нейната форма и неговото украшение. " [17] Тази книга повлия на поколение архитекти, включително Луи Съливан, Виктор Орта, Ектор Гимар и Антони Гауди. [18]

Френските художници Морис Дени, Пиер Бонар и Édouard Vuillard изиграха важна роля в интегрирането на изобразителното изкуство в декорацията. "Вярвам, че преди всичко една картина трябва да украсява", пише Денис през 1891 г. "Изборът на сюжети или сцени не е нищо. Именно чрез стойността на тоновете, цветната повърхност и хармонията на линиите мога да достигна духа и събудете емоциите. " [19] Всички тези художници са рисували както традиционна живопис, така и декоративна живопис на екрани, в стъкло и в други медии. [20]

Друго важно влияние върху новия стил е японизмът. Това беше вълна от ентусиазъм за японското дървопечатване, по -специално произведенията на Хирошиге, Хокусай и Утагава Кунисада, които бяха внесени в Европа през 1870 -те години. Предприемчивият Зигфрид Бинг основава месечно списание, Le Japon artistique през 1888 г. и издава тридесет и шест броя, преди да приключи през 1891 г. Той повлиява както на колекционери, така и на художници, включително Густав Климт. Стилизираните черти на японските отпечатъци се появяват в графиката в стил Арт Нуво, порцелан, бижута и мебели. От началото на 1860 г. внезапно се проявява далекоизточно влияние. През 1862 г. любителите на изкуството от Лондон или Париж могат да купуват японски произведения на изкуството, тъй като през тази година Япония се появява за първи път като изложител на Международното изложение в Лондон. Също през 1862 г. в Париж, La Porte Chinoise магазин, на улица Риволи, беше отворен, където се продаваха японски укийо-е и други предмети от Далечния Изток. През 1867 г. Примери за китайски орнаменти от Оуен Джоунс се появява, а през 1870г Изкуството и индустриите в Япония от Р. Алкок, а две години по -късно О. Х. Мозер и Т. У. Кътлър издават книги за японското изкуство. Някои художници в стил Арт Нуво, като Виктор Орта, притежаваха колекция от далечноизточно изкуство, особено японско. [13]

Новите технологии в печата и издателството позволиха на Art Nouveau бързо да достигне до световна аудитория. Художествените списания, илюстрирани с фотографии и цветни литографии, изиграха съществена роля за популяризирането на новия стил. Студиото в Англия, Изкуства и иденти и Art et décoration във Франция и Jugend в Германия позволи на стила да се разпространи бързо във всички краища на Европа. Aubrey Beardsley в Англия и Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Loutrec и Félix Vallotton постигнаха международно признание като илюстратори. [21] С плакатите на Жул Шере за танцьорката Лой Фулър през 1893 г. и на Алфонс Муха за актрисата Сара Бернхардт през 1895 г. плакатът се превърна не просто в реклама, а в форма на изкуство. Сара Бернхард задели голям брой свои плакати за продажба на колекционери. [22]

Развитие - Брюксел (1893–1898) Редактиране

Фасада на хотел Tassel от Виктор Орта (1892–1893)

Стълбище на хотел Tassel

Стол Bloemenwerf, изработен от Ван де Велде за резиденцията му (1895)

Първите градски къщи в стил Арт Нуво, Hankar House от Paul Hankar (1893) и Hôtel Tassel от Victor Horta (1892–1893), [4] [5] са построени почти едновременно в Брюксел. Ханкар е особено вдъхновен от теориите на френския архитект Eugène Viollet-le-Duc. С цел да създаде синтез на изобразителното и декоративното изкуство, той доведе Адолф Креспин [fr] и Алберт Чамберлани [fr], за да украсят интериора и екстериора с сграфито, или стенописи. Ханкар украсява магазини, ресторанти и галерии в това, което местен критик нарича „истински делириум от оригиналност“. Той умира през 1901 г., точно когато движението започва да получава признание. [23]

Виктор Орта е сред най -влиятелните архитекти от ранния стил Арт Нуво, а неговият хотел „Тасел“ (1892–1893) е една от забележителностите на стила. [24] [25] Архитектурното обучение на Орта е било асистент на Алфонс Балат, архитект на Леополд II от Белгия, конструиращ монументалните оранжерии от желязо и стъкло на Лакен. [26] През 1892–1893 г. той използва този опит за много различна употреба. Той проектира резиденцията на виден белгийски химик Емил Тасел на много тясно и дълбоко място. Централният елемент на къщата беше стълбището, не заградено със стени, а отворено, украсено с навита парапет от ковано желязо и поставено под висок таван. Подовете бяха поддържани от тънки железни колони като стволове на дървета. Мозаечните подове и стени бяха украсени с деликатни арабески във флорални и растителни форми, които станаха най -популярният подпис на стила. [27] [28] За кратък период Хорта построи още три градски къщи, всички с отворен интериор и всички с тавански прозорци за максимална вътрешна светлина: Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde и Maison & amp Atelier Horta. И четирите сега са част от обекта на ЮНЕСКО за световно наследство.

Хенри ван де Велде, роден в Антверпен, е друга основателна фигура при раждането на Арт Нуво. Проектите на Ван де Велде включват интериора на резиденцията му, Bloemenwerf (1895). [29] [30] Екстериорът на къщата е вдъхновен от Червената къща, резиденцията на писателя и теоретик Уилям Морис, основател на движението Изкуства и занаяти. Обучен като художник, Ван де Велде се насочва към илюстрацията, след това към дизайна на мебели и накрая към архитектурата. За Bloemenwerf той създава текстил, тапети, сребърни изделия, бижута и дори дрехи, които съответстват на стила на резиденцията. [31] Ван де Велде отива в Париж, където проектира мебели и декорация за Самуел Бинг, чиято парижка галерия дава името на стила. Той също е ранен теоретик на Арт Нуво, изискващ използването на динамични, често противоположни линии. Ван де Велде пише: "Линията е сила като всички останали елементарни сили. Няколко линии, събрани заедно, но противопоставени, имат присъствие толкова силно, колкото няколко сили". През 1906 г. той напуска Белгия за Ваймар (Германия), където основава Великокняжеската школа по изкуства и занаяти, където преподаването на исторически стилове е забранено. Той играе важна роля в германския Werkbund, преди да се върне в Белгия. [32]

Дебютът на архитектурата в стил Арт Нуво в Брюксел беше придружен от вълна от декоративно изкуство в новия стил. Важни художници бяха Гюстав Щраувен, който използваше ковано желязо, за да постигне барокови ефекти върху фасадите в Брюксел, дизайнерът на мебели Гюстав Серурие-Бови, известен със своите изключително оригинални столове и метални мебели от съчленени изделия и дизайнерът на бижута Филип Волфърс, който изработва бижута под формата на водни кончета , пеперуди, лебеди и змии. [33]

Международната изложба в Брюксел, проведена през 1897 г., привлече международно внимание към стила Орта, Ханкар, Ван де Велде и Серрурие-Бови, наред с други, участваха в дизайна на панаира, а Анри Приват-Ливмонт създаде плаката за изложбата.

Париж - Maison de l'Art Nouveau (1895) и Castel Beranger (1895–1898) Edit

Зигфрид Бинг покани художници да покажат съвременни произведения в новия си Maison de l'Art Nouveau (1895).

Maison de l'Art Nouveau галерия на Зигфрид Бинг (1895)

Плакат от Феликс Валотън за новия Maison de l'Art Nouveau (1896)

Френско-германският търговец на изкуство и издател Зигфрид Бинг изигра ключова роля в популяризирането на стила. През 1891 г. той основава списание, посветено на японското изкуство, което помага за популяризирането на японизма в Европа. През 1892 г. той организира изложба от седем художници, сред които Пиер Бонар, Феликс Валоттон, Едуар Вуяр, Тулуза-Лотрек и Ежен Грас, която включва както модерна живопис, така и декоративни работи. Тази изложба беше показана в Société nationale des beaux-arts през 1895 г. През същата година Bing откри нова галерия на 22 rue de Provence в Париж, Maison de l'Art Nouveau, посветена на нови произведения както в глоба, така и в декоративни изкуства. Интериорът и обзавеждането на галерията са проектирани от белгийския архитект Анри ван де Велде, един от пионерите на архитектурата в стил Арт Нуво. The Maison de l'Art Nouveau показа картини на Жорж Сера, Пол Сигнак и Тулуза-Лотрек, стъкло от Louis Comfort Tiffany и Émile Gallé, бижута от René Lalique и плакати от Aubrey Beardsley. Показаните там произведения изобщо не бяха еднакви по стил. Бинг пише през 1902 г. „Арт Нуво, по времето на създаването си, по никакъв начин не се стреми да има честта да се превърне в общ термин. Това беше просто името на къща, отворена като сборно място за всички млади и пламенни художници, нетърпеливи да покажат модерността на своите тенденции. " [34]

Стилът бързо беше забелязан в съседна Франция. След посещението на хотел „Тасел“ в Хорта, Ектор Гимар построява Кастел Беранжер, сред първите парижки сгради в новия стил, между 1895 и 1898 г. [nb 1] Парижани се оплакват от монотонността на архитектурата на булевардите, построени при Наполеон III от Жорж-Ожен Хасман. Castel Beranger беше любопитно съчетание от нео-готика и арт нуво, с извити линии на бич и естествени форми. Гимард, опитен публицист в работата си, заяви: "Това, което трябва да се избягва на всяка цена, е. Паралелът и симетрията. Природата е най -големият строител от всички и природата не прави нищо паралелно и нищо, което е симетрично." [36]

Парижани приветстваха оригиналния и живописен стил на Гимар, Кастел Беранже беше избран за една от най -добрите нови фасади в Париж, с което стартира кариерата на Гимар. На Гимард беше възложено да проектира входовете за новата система Paris Métro, която привлече стила към вниманието на милионите посетители на града през 1900 г. Експозиция Universelle. [10]

Париж Експозиция Universelle (1900) Редактиране

Павилионът Bigot, представящ работата на художника по керамика Александър Бигот

Вход към австрийския павилион, с експонати, проектирани от Йозеф Хофман

Вход на метростанция Париж в Abbesses, проектиран от Hector Guimard за 1900 г. Експозиция Universelle

Армас Линдгрен и Елиел Сааринен спечелиха международно признание за дизайна на павилиона на Финландия

Меню, проектирано от Алфонс Муха за ресторанта на павилиона Босна

Портик на порцелановия павилион в Севр (1900), сега на площад Феликс-Деруел в Париж

Париж 1900 г. Експозиция Universelle бележи върха на Арт Нуво. Между април и ноември 1900 г. тя привлича близо петдесет милиона посетители от цял ​​свят и демонстрира архитектурата, дизайна, стъклените изделия, мебелите и декоративните предмети в този стил.Архитектурата на експозицията често е смесица от архитектура в стил Арт Нуво и Бо-Арт: основната изложбена зала, Grand Palais имаше фасада от Beaux-Arts, напълно несвързана с грандиозното стълбище и изложбена зала в интериора.

Всички френски дизайнери са направили специални произведения за изложбата: бижута от кристал и бижута от Лалик от Анри Вевер и Жорж Фуке Даум стъкло Националното производство de Sèvres в порцеланова керамика от Александър Бигот изваяни стъклени лампи и вази от мебели Емил Гале от Едуард Колона и Луи Мажорел и много други известни фирми за изкуства и занаяти. На изложението в Париж през 1900 г. Зигфрид Бинг представи павилион, наречен Арт Нуво Бинг, който включваше шест различни интериора, изцяло декорирани в стил. [37] [38]

Експозицията беше първата международна витрина за дизайнери и художници в стил Арт Нуво от цяла Европа и извън нея. Носителите на наградите и участниците бяха Алфонс Муха, който направи стенописи за павилиона на Босна и Херцеговина и проектира менюто за ресторанта на павилиона декораторите и дизайнерите Бруно Пол и Бруно Мьоринг от Берлин Карло Бугати от Торино Бернхард Панкок от Бавария Руският архитект -дизайнер Fyodor Schechtel и Louis Comfort Tiffany and Company от САЩ. [39] Виенският архитект Ото Вагнер беше член на журито и представи модел на банята в стил Арт Нуво на собствения си градски апартамент във Виена, със стъклена вана. [40] Йозеф Хофман проектира виенската експозиция на изложението в Париж, подчертавайки дизайна на Виенската сецесия. [41] Елиел Сааринен за първи път спечели международно признание за въображаемия си дизайн на павилиона на Финландия. [42]

Докато Парижкото изложение беше най -голямото, други експозиции направиха много за популяризирането на стила. Универсалното изложение в Барселона от 1888 г. бележи началото на модерния стил в Испания, с някои сгради на Lluís Domènech i Montaner. The Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna от 1902 г. в Торино, Италия, представиха дизайнери от цяла Европа, включително Виктор Орта от Белгия и Джоузеф Мария Олбрих от Виена, заедно с местни художници като Карло Бугати, Галилео Чини и Еугенио Куарти. [43]

Арт Нуво във Франция Редактиране

Плакат за танцьорката Loie Fuller от Jules Chéret (1893)

Афиш от Алфонс Муха за Gismonda с участието на Сара Бернхард (1894)

Стълбище на Пети Пале, Париж (1900)

Входна врата на сградата на Лавирот от Жул Лавирот, 29, авеню Рап, Париж (1901)

Магазинът за бижута на Жорж Фуке на 6, rue Royale, Париж, проектиран от Алфонс Муха, сега в музея Карнавалет (1901)

Гребен от рог, злато и диаманти от Рене Лалик (около 1902 г.) (Musée d'Orsay)

Вила Мажорел в Нанси за дизайнер на мебели Луи Мажорел от архитект Анри Соваж (1901–02)

Мебели за спалня на Вила Мажорел (1901–02), сега в Музея за изящни изкуства на Нанси

Решетка от стъкло и ковано желязо на входната врата на Villa Majorelle (1901)

След изложението през 1900 г. столицата на Арт Нуво е Париж. Най -екстравагантните резиденции в този стил са построени от Жул Лавирот, който изцяло покрива фасадите с керамична скулптурна декорация. Най -яркият пример е сградата Lavirotte, на 29, авеню Рап (1901). Офис сгради и универсални магазини се отличаваха с високи вътрешни дворове, покрити с витражи и керамични декорации. Стилът е особено популярен в ресторанти и кафенета, включително На Максим в 3, rue Royale, и Le Train bleu на Gare de Lyon (1900). [44]

Статутът на Париж привлича чуждестранни художници в града. Роденият в Швейцария художник Eugène Grasset е един от първите създатели на френски плакати в стил Арт Нуво. Той помогна за декорирането на известното кабаре Le Chat Noir през 1885 г., направи първите си плакати за Fêtes de Paris и прочут плакат на Сара Бернхард през 1890 г. В Париж той преподава в художественото училище в Герен (École normale d'enseignement du dessin), където неговите ученици бяха Аугусто Джакомети и Пол Бертън. [45] [46] Роденият в Швейцария Теофил-Александър Щайнлен създава известния плакат за парижкото кабаре Le Chat noir през 1896 г. Чешкият художник Алфонс Муха (1860–1939) пристига в Париж през 1888 г., а през 1895 г. прави плакат за актрисата Сара Бернхард в пиесата Gismonda от Victorien Sardou в Théâtre de la Renaissance. Успехът на този плакат доведе до договор за производство на плакати за още шест пиеси на Бернхард.

Градът Нанси в Лотарингия се превърна в другата френска столица на новия стил. През 1901 г. Alliance provinciale des industries d'art, известен също като École de Nancy, е основана, посветена на нарушаване на йерархията, която поставя живописта и скулптурата над декоративните изкуства. Основните художници, работещи там, включват създателите на стъклени вази и лампи Émile Gallé, братята Daum в стъклен дизайн и дизайнерът Louis Majorelle, който създава мебели с изящни флорални и растителни форми. Архитектът Анри Совадж донася новия архитектурен стил в Нанси със своята Вила Мажорел през 1902 г.

Френският стил беше широко разпространен от нови списания, включително Студиото, Arts et Idées и Art et Décoration, чиито фотографии и цветни литографии направиха стила известен на дизайнерите и богатите клиенти по целия свят.

Във Франция стилът достигна върха си през 1900 г., а след това бързо се измъкна от модата, на практика изчезна от Франция до 1905 г. Арт Нуво беше луксозен стил, който изискваше експерти и високоплатени майстори и не можеше да бъде лесно или евтино масово -произведени. Един от малкото продукти в стил Арт Нуво, които биха могли да се произвеждат масово, е парфюмната бутилка, която и до днес се произвежда в този стил.

Арт Нуво в Белгия Редактиране

Детайл от зимната градина на хотел van Eetvelde

Бивш универсален магазин на Стара Англия от Пол Сентеной, Брюксел (1898–1899)

Къща Сен Сир от Гюстав Щравен, Брюксел (1901–1903)

Къща на архитекта Пол Кочи с участието на сграфито, Брюксел (1905)

Легло и огледало от Gustave Serrurier-Bovy (1898–1899), сега в Музея на Орсе, Париж

Филип Волфърс, Plume de Paon, (Колекция Фондация „Крал Бодуен“, депо: KMKG-MRAH)

Белгия е ранен център на Арт Нуво, благодарение до голяма степен на архитектурата на Виктор Орта, който е проектирал една от първите къщи в стил Арт Нуво, Hôtel Tassel през 1893 г. и три други градски къщи във вариации на същия стил. Сега те са обекти на ЮНЕСКО за световно наследство. Орта имаше силно влияние върху работата на младия Хектор Гимар, който дойде да види строящия се хотел Hôtel Tassel, а по -късно обяви, че Орта е „изобретателят“ на Арт Нуво. [47] Иновацията на Horta не беше фасадата, а интериорът, използващ изобилие от желязо и стъкло, за да отвори пространството и да залее стаите със светлина, и да ги украси с колони и парапети от ковано желязо в извити растителни форми, които отекнаха върху подовете и стените, както и мебелите и килимите, проектирани от Horta. [48]

Пол Ханкар е друг пионер на брюкселския арт нуво. Къщата му е завършена през 1903 г., същата година като хотел Tassel в Horta, и изобразява стенописи с графити по фасадата. Hankar е повлиян както от Viollet-le-Duc, така и от идеите на английското движение за изкуства и занаяти. Идеята му е да събере декоративно и изобразително изкуство в едно цяло. Той възложи на скулптора Алфред Крик и художника Адолф Креспин [fr] да украсят фасадите на къщите с техните произведения. Най -яркият пример беше къщата и ателието, построени за художника Алберт Чамберлани на 48, rue Defacqz/Defacqzstraat в Брюксел, за което той създава пищна фасада, покрита със стенописи със сграфито с рисувани фигури и орнамент, пресъздаваща декоративната архитектура на Куатроченто или Италия от 15-ти век. [26] Ханкар умира през 1901 г., когато работата му едва получава признание. [49]

Гюстав Щраувен е бил асистент на Орта, преди да започне собствената си практика на 21 години. Най -известната му творба е Maison Saint Cyr на площад Ambiorix в Брюксел. Широк само четири метра, той е декориран отгоре надолу с извита украса, в практически стил Арт Нуво-Барок.

Други важни художници в стил Арт Нуво от Белгия включват архитекта и дизайнер Хенри ван де Велде, въпреки че най -важната част от кариерата му е прекарана в Германия, той оказва силно влияние върху декорацията на Jugendstil. Други бяха декораторът Гюстав Серрурие-Бови и графикът Фернан Хнопф. [5] [50] [51] Белгийските дизайнери се възползваха от изобилието от слонова кост, внесена от белгийското Конго, смесени скулптури, съчетаващи камък, метал и слонова кост, от такива художници като Филип Волфърс, бяха популярни. [52]

Нюве Кунст в Холандия Edit

Амстердамската стокова борса, от Хендрик Петрус Берлаж (1896-1903)

Шкаф/бюро от Berlage (1898)

Плакат за салтово масло Delft от Jan Toorop (1893)

Ваза с абстрактен флорален дизайн от Тео Коленбрандер (1898)

Порцеланова ваза, проектирана от J. Jurriaaan Kok и украсена от W.R. Sterken (1901)

В Холандия стилът е известен като Nieuwe Stijl („Нов стил“), или Нюве Кунст („Ново изкуство“), и той пое различна посока от по -флоралния и извит стил в Белгия. Той е повлиян от по -геометричните и стилизирани форми на германския Jugendstil и австрийския Виенски сецесион. [52] Той също е повлиян от изкуството и вносни дървета от Индонезия, след това от Холандската Източна Индия, по -специално дизайните на текстил и батик от Ява.

Най -важният архитект и дизайнер на мебели в стила е Хендрик Петрус Берлаге, който изобличава историческите стилове и се застъпва за чисто функционална архитектура. Той пише: "Необходимо е да се борим срещу изкуството на илюзията, да разпознаваме и разпознаваме лъжата, за да открием същността, а не илюзията." [53] Подобно на Виктор Орта и Гауди, той е почитател на архитектурните теории на Виолет-ле-Дюк. [53] Мебелите му са проектирани да бъдат строго функционални и да зачитат естествените форми на дървото, вместо да го огъват или усукват, сякаш са метални. Той посочи примера с египетските мебели и предпочете столове с прав ъгъл. Първата му и най -известна архитектурна творба е Beurs van Berlage (1896-1903), Амстердамската стокова борса, която той изгражда, следвайки принципите на конструктивизма. Всичко беше функционално, включително линиите на нитове, които украсяваха стените на основната стая. Той често включваше много високи кули към своите сгради, за да ги направи по -забележими, практика, използвана от други архитекти в стил Арт Нуво от този период, включително Йозеф Мария Олбрих във Виена и Елиел Сааринен във Финландия. [54]

Други сгради в този стил включват American Hotel (1898–1900), също от Berlage и Astoria (1904–1905) от Herman Hendrik Baanders и Gerrit van Arkel в Амстердам, гарата в Харлем (1906–1908) и бившия офис сграда на Holland America Lines (1917) в Ротердам, сега хотел Ню Йорк.

Известни графични художници и илюстратори в този стил включват Ян Тоороп, чиято работа е склонна към мистика и символика, дори в плакатите си за салатно масло. В своите цветове и дизайн те също понякога показват влиянието на изкуството на Java. [54]

Важни фигури в холандската керамика и порцелан включват Джуриан Кок и Тео Коленбрандер. Те използваха пъстър флорален модел и по -традиционни мотиви в стил Арт Нуво, съчетани с необичайни форми на керамика и контрастни тъмни и светли цветове, заимствани от украсата от батик на Ява. [55]

Модерен стил и Глазгоу училище във Великобритания Edit

Сграда на кръчмата (1899-1900) от Джеймс Хоуи Крейги (1870-1930). 59 Dumbarton Road, Глазгоу

Дизайн на корица от Артър Макмърдо за книга за Кристофър Рен (1883)

Сградата "The Hatrack" от Джеймс Салмон, 142а, ул. Сейнт Винсент 144, Глазгоу (1899-1902)

Бившата печатница на Everard, Broad Street, Бристол, от Хенри Уилямс (1900)

Арт Нуво има своите корени във Великобритания, в движението за изкуства и занаяти, което започва през 1860 -те и достига международно признание до 1880 -те. Той призова за по -добро отношение към декоративните изкуства и се вдъхнови в средновековното майсторство и дизайн и природата. [56] Един забележителен ранен пример за модерния стил е дизайнът на Артър Макмурдо за корицата на неговото есе за градските църкви на сър Кристофър Рен, публикувано през 1883 г., както и неговият стол от махагон от същата година. [57]

Други важни новатори във Великобритания включват графичните дизайнери Обри Биърдсли, чиито рисунки показват извити линии, които се превръщат в най -разпознаваемата черта на стила. Могат да бъдат добавени и свободно течащи ковани изделия от 1880-те години или някои плоски флорални текстилни дизайни, повечето от които дължат известен тласък на моделите от дизайна на 19-ти век. Други британски графични художници, които заемат важно място в стила, включват Уолтър Крейн и Чарлз Ашби. [58]

Универсалният магазин Liberty в Лондон изигра важна роля чрез своите цветни стилизирани флорални дизайни за текстил и сребърните, олавените и бижутерийните дизайни на Манксман (от шотландски произход) Арчибалд Нокс. Неговите дизайни на бижута в материали и форми се откъснаха изцяло от историческите традиции на дизайна на бижута.

За архитектурата и дизайна на мебели в стил Арт Нуво, най -важният център във Великобритания е Глазгоу с творенията на Чарлз Рени Макинтош и училището в Глазгоу, чиято работа е вдъхновена от шотландската баронска архитектура и японския дизайн. [59] Започвайки през 1895 г., Макинтош показва своите дизайни на международни изложения в Лондон, Виена и Торино, неговите дизайни влияят особено върху стила на сецесион във Виена. Неговите архитектурни творения включват сградата на Глазгоу Хералд (1894) и библиотеката на училището по изкуствата в Глазгоу (1897). Той също така създава голяма репутация като дизайнер и декоратор на мебели, като работи в тясно сътрудничество със съпругата си Маргарет Макдоналд Макинтош, виден художник и дизайнер. Заедно те създадоха поразителни дизайни, които комбинираха геометрични прави линии с леко извита флорална декорация, особено известен символ на стила, розата Глазгоу ". [60]

Леон-Виктор Солон, направи важен принос за керамиката в стил Арт Нуво като художествен директор в Mintons. Специализирал е в плаки и вази, облицовани с тръби, предлагани на пазара като „сепаратистки изделия“ (обикновено се описва като кръстен на виенското художествено движение). [61] Освен за керамика, той проектира текстил за копринената промишленост на праз [62] и удвоява за книговезка (Г.Т. Баггули от Нюкасъл при Лайм), който патентова Съдърланд обвързване през 1895 г.

Джордж Скипър е може би най -активният архитект в стил Арт Нуво в Англия. Сградата на Едуард Еверард в Бристол, построена през 1900-01 г. за помещение на печатниците на Едуард Еверард, разполага с фасада в стил Арт Нуво. Изобразените фигури са на Йоханес Гутенберг и Уилям Морис, и двамата видни в областта на печата. Крилата фигура символизира "Духа на светлината", докато фигура, държаща лампа и огледало, символизира светлината и истината.

Югендстил в Германия Редактиране

Корица на Пан списание от Джоузеф Сатлер (1895)

Корица на Jugend от Ото Екман (1896)

Гоблен Петте лебеда от Ото Екман (1896–97)

Дръжка за врата Jugendstil в Берлин (около 1900 г.)

Комплект за трапезария Jugendstil и ястия от Питър Беренс (1900–1901)

Оловен съд Jugendstil от WMF Design no.232. c.1906

Немският арт нуво е широко известен с немското си име, Югендстил, или „Младежки стил“. Името е взето от художественото списание, Die Jugend, или Младост, който беше публикуван в Мюнхен. Списанието е основано през 1896 г. от Георг Хирт, който остава редактор до смъртта си през 1916 г. Списанието оцелява до 1940 г. В началото на 20 век, Югендстил се прилага само за графичните изкуства. [63] Той се отнасяше по -специално до формите на типография и графичен дизайн, открити в немски списания, като напр Jugend, Пан, и Simplicissimus. Югендстил по -късно е приложен към други версии на Арт Нуво в Германия, Холандия. Терминът е заимстван от немски от няколко езика на балтийските държави и скандинавските страни, за да се опише Арт Нуво (вж. Раздел за имена). [11] [64]

През 1892 г. Георг Хирт избира името Мюнхенска сецесия за Асоциацията на визуалните художници на Мюнхен. Виенската сецесия, основана през 1897 г. [65], и Берлинската сецесия също взеха имената си от групата в Мюнхен.

Списанията Jugend и Simplicissimus, публикуван в Мюнхен, и Пан, публикувани в Берлин, бяха важни поддръжници на Югендстил. Югендстил изкуството комбинира извити криви и повече геометрични линии и се използва за корици на романи, реклами и изложбени плакати. Дизайнерите често създават оригинални стилове на шрифт, които работят хармонично с изображението, напр. Шрифт на Арнолд Бьоклин през 1904 г.

Ото Екман е един от най -изявените немски художници, свързани с двамата Die Jugend и Пан. Любимото му животно беше лебедът и влиянието му беше толкова голямо, че лебедът дойде да служи като символ на цялото движение. Друг виден дизайнер в този стил е Ричард Римершмид, който изработва мебели, керамика и други декоративни предмети в трезвен, геометричен стил, който сочи напред към арт деко. [66] Швейцарският художник Херман Обрист, живеещ в Мюнхен, илюстрира преврат или камшичен мотив, силно стилизирана двойна крива, предполагаща движение, взето от стъблото на цикламеното цвете.

Къщата на Ернст Лудвиг от Джоузеф Мария Олбрих (1900), в която сега се помещава Музей на колонията в Дармщат

Спа комплекс Sprudelhof в Бад Наухайм (1905–1911)

Врата в стил Арт Нуво с декоративен слънчогледов мотив (Rybnik Silesia)

Художествената колония в Дармщат е основана през 1899 г. от Ърнест Лудвиг, велик херцог на Хесен. Архитектът, който е построил къщата на Великия херцог, както и най -голямата структура на колонията (Сватбената кула), е Йосиф Мария Олбрих, един от основателите на Виенската сецесия. Други забележителни художници на колонията са Питър Беренс и Ханс Кристиансен. Ърнест Лудвиг също възложи да възстанови спа центъра в Бад Наухайм в началото на века.Изцяло нов комплекс Sprudelhof [de] е построен през 1905-1911 г. под ръководството на Wilhelm Jost [de] и постига една от основните цели на Jugendstil: синтез на всички изкуства. [67] Друг член на управляващото семейство, поръчал структура в стил Арт Нуво, е принцеса Елизабет от Хесен и от Рейн. Тя основава манастира Марфо-Мариински в Москва през 1908 г. и неговият католикон е признат за шедьовър в стил Арт Нуво. [68]

Друг забележителен съюз в Германската империя е Deutscher Werkbund, основан през 1907 г. в Мюнхен по инициатива на Херман Мутезиус от художници от колонията в Дармщат Йозеф Мария Олбрих, Петер Беренс от друг основател на сецесионната Виена Йозеф Хофман, както и от Wiener Werkstätte (основан от Хофман), от Ричард Римершмид, Бруно Пол и други художници и компании. [69] По -късно белгиецът Хенри ван де Велде се присъединява към движението [nb 2]. Основаното от него във Ваймар Велико-херцогско училище за изкуства и занаяти [de] е предшественик на Баухаус, едно от най-влиятелните течения в модернистичната архитектура. [71]

В Берлин Jugendstil е избран за изграждането на няколко жп гари. Най -забележителният [72] е Bülowstraße от Bruno Möhring (1900–1902), други примери са Mexikoplatz (1902–1904), Botanischer Garten (1908–1909), Frohnau (1908–1910), Wittenbergplatz (1911–1913) и Pankow (1912–1914) станции. Друга забележителна структура на Берлин е Hackesche Höfe (1906), която използва полихромна остъклена тухла за фасадата на двора.

Арт Нуво в Страсбург (тогава част от Германската империя като столица на Райхсланд Елсас-Лотринген) е специфична марка, тъй като съчетава влияния от Нанси и Брюксел, с влияния от Дармщат и Виена, за да оперира местен синтез, който отразява историята на града между германските и френските сфери.

Сецесия в Австро -Унгария Редактиране

Вице сецесион Редактиране

Вампир във Ver Sacrum #12 (1899) стр. 8 от Ернст Щор

Жена в жълта рокля от Макс Курцвайл (1907)

Виена става център на отделен вариант на Арт Нуво, който става известен като Виенския сецесион. Движението е получило името си от Мюнхенската сецесия, създадена през 1892 г. Виенската сецесия е основана през април 1897 г. от група художници, включваща Густав Климт, Коломан Мозер, Йозеф Хофман, Йосиф Мария Олбрих, Макс Курцвайл, Ернст Щор и др. [65] Художникът Климт става президент на групата. Те възразяват срещу консервативната ориентация към историзма, изразена от Виена Кюнстлерхаус, официалния съюз на художниците. Сецесионът основава списание, Ver Sacrum, да популяризират своите произведения във всички медии. [73] Архитектът Джоузеф Олбрих проектира куполната сграда на Сецесион в новия стил, която се превръща в витрина за картините на Густав Климт и други художници на Сецесион.

Климт се превръща в най-известния от сецесионните художници, като често изтрива границата между изобразителното изкуство и декоративната живопис. Коломан Мозер е изключително гъвкав художник в стила, в който работата му включва илюстрации на списания, архитектура, сребърни прибори, керамика, порцелан, текстил, витражи и мебели.

Флорален дизайн от Алоис Лудвиг на фасадата на Maiolica House от Ото Вагнер (1898)

Най -видният архитект на Виенския сецесион беше Ото Вагнер [74], той се присъедини към движението скоро след неговото създаване, за да последва своите ученици Хофман и Олбрих. Основните му проекти включват няколко станции от градската железопътна мрежа (Stadtbahn), сградите Linke Wienzeile (състоящи се от Majolica House, House of Medallions и къщата в Köstlergasse). Сега гара Karlsplatz е изложбена зала на Виенския музей. Kirche am Steinhof от психиатричната болница Steinhof (1904–1907) е уникален и фино изработен образец на религиозна архитектура на Сецесион, с традиционен куполообразен екстериор, но елегантен, модерен златен и бял интериор, осветен от изобилие от модерни витражи.

През 1899 г. Йозеф Мария Олбрих се премества в Дармщатската художествена колония, през 1903 г. Коломан Мозер и Йозеф Хофман основават Wiener Werkstätte, училище за обучение и работилница за дизайнери и майстори на мебели, килими, текстил и декоративни предмети. [75] През 1905 г. Коломан Мозер и Густав Климт се отделят от Виенския сецесион, по -късно през 1907 г. Коломан Мозер напуска и Винер Верксщат, докато другият му основател Йозеф Хофман се присъединява към Deutscher Werkbund. [69] Густав Климт и Йозеф Хофман продължават да си сътрудничат, организират изложба Кунстшау [де] през 1908 г. във Виена и построяват двореца Стоклет в Брюксел (1905–1911), който обявява идването на модернистичната архитектура. [76] [77] Обявен е за обект на световното наследство от ЮНЕСКО през юни 2009 г. [78]

Унгарски Szecesszió редактиране

Дворецът Груф в Сегед от Ференц Райхле (1913)

Пионер и пророк на Szecesszió (Сецесия на унгарски), архитектът Ödön Lechner, създава сгради, които бележат преход от историзъм към модернизъм за унгарската архитектура. [79] Идеята му за унгарски архитектурен стил е използването на архитектурна керамика и ориенталски мотиви. В своите произведения той използва пигорганит, пуснат в производство до 1886 г. от фабриката за порцелан Zsolnay. [79] Този материал е използван при строителството на забележителни унгарски сгради от други стилове, напр. сградата на унгарския парламент и църквата Матиас.

Творбите на Ödön Lechner [80] включват Музея на приложните изкуства (1893–1896), други сгради с подобни отличителни черти са Геологически музей (1896–1899) и сградата на Пощенската спестовна каса (1899–1902), всички в Будапеща. Въпреки това, поради противопоставянето на унгарското архитектурно заведение на успеха на Лехнер, той скоро не успя да получи нови комисионни, сравними с по -ранните му сгради. [79] Но Лехнер беше вдъхновение и майстор на следващото поколение архитекти, които изиграха главната роля в популяризирането на новия стил. [79] В рамките на процеса на маджаризация многобройни сгради са възложени на неговите ученици в покрайнините на кралството: напр. Marcell Komor [hu] и Dezső Jakab са възложени да построят синагогата (1901–1903) и кметството (1908–1910) в Сабадка (сега Суботица, Сърбия), окръг Префектура (1905–1907) и Двореца на културата (1911– 1913 г.) в Маросвасархели (сега Търгу Муреш, Румъния). По-късно самият Лехнер построява Синята църква в Посони (днешна Братислава, Словакия) през 1909–1913 г.

Друг важен архитект е Кароли Кос, който е последовател на Джон Ръскин и Уилям Морис. Kós взе движението на финландския национален романтизъм като модел и трансилванския народен език като вдъхновение. [81] Най -забележителните му сгради включват Римокатолическата църква в Зебегени (1908–09), павилиони за общинския зоопарк в Будапеща (1909–1912) и Националния музей Секели в Сепсисенджиорг (днес Сфанту Георге, Румъния, 1911–12).

Мозайка от Микса Рот в сградата на Török Bank [fr] в Будапеща (1906)

Релеф на фасадата на двореца Грешам от Геза Мароти в Будапеща (1906 г.)

Кабинет от Ödön Faragó, Будапеща (1901)

Движението, което популяризира Szecesszió в изкуството, е Gödöllő Art Colony, основано от Aladár Körösfői-Kriesch, също последовател Джон Ръскин и Уилям Морис и професор в Кралското училище за приложни изкуства в Будапеща през 1901 г. [82] Неговите художници участват в много проекти, включително Музикалната академия на Франц Лист в Будапеща. [83]

Сътрудник на Художествената колония в Гьодльо [84] Микса Рот също участва в няколко десетки проекта на Сецецио, включително сгради в Будапеща, включително двореца Грешам (витражи, 1906) и банка Török [fr] (мозайки, 1906), а също така създава мозайки и оцветени стъкло за Двореца на културата (1911–1913) в Маросвасархели.

Забележителен дизайнер на мебели е Ödön Faragó [hu], който съчетава традиционна популярна архитектура, ориенталска архитектура и международен арт нуво в изключително живописен стил. Pál Horti [hu], друг унгарски дизайнер, имаше много по -трезвен и функционален стил, изработен от дъб с деликатни нюанси на абанос и месинг.

Други варианти Редактиране

Витраж от Алфонс Муха в катедралата Свети Вит от Прага

Керамичен релеф на театър „Виола“ в Прага от Ладислав Шалоун

Новата кметство от Прага (1908-1911)

Най -плодовитите Словенски Архитект в стил Арт Нуво е Кирил Метод Кох. [85] Учи в класовете на Ото Вагнер във Виена и работи в градския съвет на Laybach (сега Любляна, Словения) от 1894 до 1923 г. След земетресението в Laybach през 1895 г. той проектира много светски сгради в стил сецесион, които той приема от 1900 г. до 1910 г .: [85] Къща на Погачник (1901), Сграда Чуден (1901), Банката на заема на фермерите (1906–07), ремонтирана сграда Хауптман в стил сецесион през 1904 г. Акцентът в кариерата му е Кредитната банка в Радмансдорф (сега Радовлица) през 1906 г. [85]

Най -забележителните сецесионни сгради в Прага са примери за цялостно изкуство с отличителна архитектура, скулптура и живопис. [86] Главната жп гара (1901–1909) е проектирана от Йозеф Фанта и включва картини на Вацлав Янша и скулптури на Ладислав Шалун и Станислав Сучарда заедно с други художници. Общинската къща (1904–1912) е проектирана от Освалд Поливка и Антонин Балшанек, рисувана от известния чешки художник Алфонс Муха и включва скулптури на Йозеф Маржатка и Ладислав Шалун. Поливка, Маржатка и Шалун сътрудничат едновременно при изграждането на Нова кметство (1908–1911) заедно със Станислав Сучарда, а по -късно Муха рисува витражите на катедралата Свети Вит в неговия отличителен стил.

Стилът на съчетаване на унгарската Сецеция и националните архитектурни елементи беше характерен за словашки архитект Душан Юркович. Неговите най -оригинални произведения са Културният дом в Szakolca (сега Skalica в Словакия, 1905), сградите на спа в Luhačovice (дн. Чехия) през 1901–1903 г. и 35 военни гробища близо до Nowy Żmigród в Galicia (дн. Полша), повечето от те са силно повлияни от местното Лемко (Русин) народно изкуство и дърводелство (1915–1917).

Арт Нуво в Румъния Редактиране

Казино „Констанца“ от Даниел Ренар и Петре Антонеску (1905-1910)

Център на печка от градска къща в района на площад Розети (Букурещ)

Врата на площад „Михаил Когълничану“, Букурещ

Релеф на фасадата на малък блок, в района зад болница Colțea, Букурещ

Къщата на колоездачите Mița от Букурещ (1900), комбинация между Възраждането на барока и Арт Нуво

Къща на улица Димитрие Раковича, Букурещ

Къщата на Диану от Крайова (1900-1905)

Къщата на Дину Липати от Букурещ от Петре Антонеску (1902), [87] комбинация от бароково Възраждане и Арт Нуво

Къщата на Romulus Porescu от Букурещ от Думитру Маймаролу (1905), [88] Арт Нуво с влияния на бароковото Възраждане

Върхът на керемидена печка от музея Джордж Севереану, Букурещ

Детайл върху ограда на булевард Lascăr Catargiu, Букурещ

Фрески на тавана на портика на манастирската църква Антим от Букурещ

Трилобатна аркова врата от Букурещ на румънското Възраждане, показваща елементи в стил Арт Нуво

Казиното Constanța е може би най -известният пример за арт нуво в Румъния. The Казино, Курхаус или Курсаал темата е специфична за Belle Époque. Авторът на казиното, започнато през 1905 г. и завършено през 1910 г., е архитектът Даниел Ренар, който е учил в Париж между и 1894 и 1900 г. Той подписа както архитектурните, така и декоративните планове на казиното. Специфично за Арт Нуво е релефната украса на фасадите, или с натуралистични флорални мотиви, като тези на училището в Нанси, или с мотиви, вдъхновени от морската фауна, като черупки и делфини. Една от къщите в стил Арт Нуво в Букурещ е Къщата на Дину Липати (№ 12, булевард Lascăr Catargiu), от Петре Антонеску, чийто централен мотив е входната арка, над която има женски маскарон с висок релеф. Сред примерите за архитектура в стил Арт Нуво в Букурещ са градски къщи, които понякога имат само прозорци под формата на подкова или други форми или орнаменти, характерни за Арт Нуво. Пример за това е къщата Romulus Porescu (№ 12, ул. Доктор Палеолог), която също има витражи от египетско Възраждане на ъглови прозорци. Някои от възрожденските барокови сгради в Букурещ имат влияние в стил Арт Нуво или неорокайл, сред тях Обсерваторията в Букурещ (№ 21, булевард Lascăr Catargiu), къща № 58 на улица Sfinții Voievozi, къщата на колоездачите Mița (№ 9, улица Biserica Amzei или № 11, улица Christian Tell) и двореца Cantacuzino (№ 141, Avenue Avenue Victory). [89] Румънският възрожденски стил, присъстващ в архитектурата, обзавеждането и графичния дизайн, включва елементи от Арт Нуво. [90]

Пролет, декоративен панел от Ștefan Luchian (1901)

Млада жена от Ștefan Luchian, чертеж за корицата на списание Ileana

Корицата на малка стихосбирка от 1908 г.

Заглавната страница на малка стихосбирка от 1908 г.

Корицата на малко списание за поезия от поредицата Biblioteca Societății (1912)

Един от най -забележителните художници в стил Арт Нуво от Румъния беше Стефан Лучиан, който бързо пое новаторските и декоративни направления на Арт Нуво за кратък период от време. Моментът е синхронизиран с основаването на Обществото „Илеана“ през 1897 г., на което той е учредител, компания, която организира изложба (1898 г.) в хотел „Съюз“, озаглавена „Изложбата на независимите художници“ и издава списание - списание „Илеана“. [91]

Трансилвания има примери както за сгради в стил Арт Нуво, така и за румънско Възраждане, като първите са от епохата на Австро-Унгария. Повечето от тях могат да бъдат намерени в Орадя, наречена „столицата на Румъния в стил Арт Нуво“ [92], но също така и в Тимишоара, Търгу Муреш и Сибиу. [93] [94] [95]

Стайл Свобода в Италия Редактиране

Плакат за експозицията в Торино през 1902 г.

Вилино Флорио в Палермо от Ернесто Базиле (1899–1902)

Вход на Casa Guazzoni (1904–05) в Милано от Джовани Батиста Боси (1904–06)

Арт Нуво в Италия е известен като arte nuova, stile floreale, стил модерно и особено стил Свобода. Стилът Liberty носи името си от Arthur Lasenby Liberty и магазина, който той основава през 1874 г. в Лондон, универсален магазин Liberty, който е специализиран в вноса на орнаменти, текстил и предмети на изкуството от Япония и Далечния Изток и чийто цветен текстил, който е особено популярен в Италия . Известни италиански дизайнери в този стил включват Галилео Чини, чиято керамика често е вдъхновена както от модели на майолика. По -късно е известен като художник и дизайнер на театрални декорации, той проектира декорите за две известни опери Пучини Джани Скичи и Турандот. [96] [97] [11]

Архитектурата на стила на свободата варира значително и често следва историческите стилове, особено барока. Фасадите често бяха напоени с декорации и скулптури. Примерите за стила на свободата включват Villino Florio (1899-1902) от Ernesto Basile в Палермо Palazzo Castiglioni в Милано от Giuseppe Sommaruga (1901-1903) Milan, и Casa Guazzoni (1904-05) в Милано от Джовани Батиста Боси ( 1904–06). [98]

Цветни стенописи, рисувани или в керамика, и скулптура, както в интериора, така и в екстериора, бяха популярна черта на стила Liberty. Те се възползваха както от класически, така и от флорални теми. както в баните на Acque della Salute, така и в Casa Guazzoni в Милано.

Най -важната фигура в дизайна в стил Liberty е Карло Бугати, син на архитект и декоратор, баща на Рембранд Бугати, скулптор на Liberty, и на Еторе Бугати, известен автомобилен дизайнер. Учи в Миланската академия на Брера, а по-късно в Академията за изящни изкуства в Париж. Работата му се отличава със своята екзотика и ексцентричност, включва сребърни прибори, текстил, керамика и музикални инструменти, но той е най -добре запомнен с иновативния си дизайн на мебели, показан за първи път на панаира за изящни изкуства в Милано през 1888 г. Мебелите му често се отличават с дизайн на ключалка и имат необичайни покрития, включително пергамент и коприна, и инкрустации от кост и слонова кост. Също така понякога имаше изненадващи органични форми, копирани след охлюви и кобри. [99]

Модернизъм в Каталуния и Испания Edit

Базиликата Саграда Фамилия в Барселона от Антони Гауди (1883–)

Изключително оригинален вариант на стила се появи в Барселона, Каталуния, приблизително по същото време, когато стилът на Арт Нуво се появи в Белгия и Франция. Беше наречено Модернизъм на каталунски и Модернизъм на Испански. Най -известният му създател е Антони Гауди. Гауди използва флорални и органични форми по много нов начин Палау Гюел (1886–1890). Според ЮНЕСКО „архитектурата на парка съчетава елементи от движението„ Изкуства и занаяти “, символизма, експресионизма и рационализма и е предрекла и повлияла на много форми и техники на модернизма на 20-ти век.” [101] [102] [103] Той интегрира занаяти като керамика, витражи, коване от ковано желязо и дърводелство в своята архитектура. В своите павилиони Гюел (1884–1887) и след това Парк Гюел (1900–1914) той също използва нова техника, наречена trencadís, който използва отпадъчни керамични парчета. Неговите дизайни от около 1903 г. Casa Batlló (1904–1906) и Каса Мила (1906–1912), [100] са най -тясно свързани със стилистичните елементи на Арт Нуво. [104] По -късни структури като Саграда Фамилия комбинирани елементи в стил Арт Нуво с възрожденска неоготика. [104] Casa Batlló, Casa Milà, Güell Pavilions и Parc Güell са резултат от сътрудничеството му с Josep Maria Jujol, който сам създава къщи в Sant Joan Despí (1913–1926), няколко църкви близо до Тарагона (1918 и 1926) и извита Casa Planells (1924) в Барселона.

Освен доминиращото присъствие на Гауди, Lluís Domènech i Montaner също използва Art Nouveau в Барселона в сгради като Castell dels Tres Dragons (1888), Casa Lleó Morera, Palau de la Música Catalana (1905) и Hospital de Sant Pau (1901– 1930). [104] Последните две сгради са включени в списъка на ЮНЕСКО за световно културно наследство. [105]

Друг голям модернист е Хосеп Пуиг и Кадафалч, който проектира Каза Марти и кафенето му Els Quatre Gats, текстилната фабрика Казимир Казарамона (сега музей на изкуството CaixaFòrum), Каза Макая, Каса Аматлер, Палау дел Баро де Куадрас (жилище Каса Асия) за 10 години до 2013 г.) и Casa de les Punxes („Къщата на шиповете“).

Отличително движение в стил Арт Нуво имаше и във Валенсианската общност.Някои от забележителните архитекти бяха Деметрио Рибес Марко, Висенте Паскуал Пастор, Тимотео Бриет Монто и Хосе Мария Мануел Кортина Перес. Определящите характеристики на валенсийския ар нуво са забележително използване на керамика в декорацията, както във фасадата, така и в орнамента, както и използването на валенсиански регионални мотиви.

Друг забележителен вариант е мадриленското Арт Нуво или „Modernismo madrileño“, с такива забележителни сгради като двореца Лонгория, Казино де Мадрид или Cementerio de la Almudena, между другото. Известни модернисти от Мадрид бяха архитектите Хосе Лопес Салабери, Фернандо Арбос и Треманти и Франсиско Андрес Октавио.

Скулптура от полихромна теракота от Ламберт Ескалер [ca]

Витражен таван на Palau de la Música Catalana от Антони Ригалт (1905-1908)

The Модернизъм движението остави широко художествено наследство, включително рисунки, картини, скулптури, стъкларски и метални работи, мозайки, керамика и мебели. Част от него може да се намери в Националния музей на изкуството на Каталуния.

Вдъхновен от парижко кафене, наречено Le Chat Noir, където преди това е работил, Pere Romeu i Borràs [ca] решава да отвори кафене в Барселона, което носи името Els Quatre Gats (Четири котки на каталонски). [106] Кафенето се превърна в централна среща за най -видните личности на Барселона Модернизъм, като Пабло Пикасо и Рамон Касас и Карбо, които помогнаха за популяризирането на движението чрез своите плакати и пощенски картички. За кафенето той създава картина, наречена Ramon Casas и Pere Romeu в тандем, която е заменена с другата му композиция, озаглавена Ramon Casas и Pere Romeu в автомобил през 1901 г., символизираща новия век.

Антони Гауди е проектирал мебели за много от къщите, които е построил един пример е фотьойл, наречен the for Battle House. Той повлия на друг забележителен каталунски дизайнер на мебели, Gaspar Homar [ca] (1870–1953), който често съчетаваше интериор и мозайки с обзавеждането си. [107]

Арте Нова в Португалия Edit

Фасада на резиденция Major Pessoa в Авейро (1907–1909) [108]

Атриум на резиденция Майор Песоа

Книжарница Livraria Lello в Порто, Португалия (1906)

Подробности за Алмиранте Рейс, 2-2K сграда в Лисабон (1908)

Керамични плочки на Cooperativa Agrícola в Авейро (1913)

Нарича се вариантът в стил Арт Нуво в Авейро (Португалия) Арте Нова, а основната му характерна черта беше показността: стилът беше използван от буржоазията, която искаше да изрази богатството си по фасадите, като същевременно остави интериора консервативен. [109] Друга отличителна черта на Arte Nova е използването на плочки местно производство с мотиви в стил Арт Нуво. [109]

Най -влиятелният художник на Arte Nova беше Франсиско Аугусто да Силва Роша. [109] Въпреки че не е обучаван като архитект, той проектира много сгради в Авейро и в други градове в Португалия. [110] [109] Една от тях, резиденцията на Майор Песоа, има както фасада, така и интериор в стил Арт Нуво, и сега е домакин на Музея на Арте Нова. [109]

Има и други примери за Arte Nova в други градове на Португалия. [111] [112] Някои от тях са Музеят-резиденция д-р Анастасио Гонсалвес от Мануел Хоаким Норте Жуниор [pt] (1904–1905) в Лисабон, Café Majestic от João Queiroz [pt] (1921) и книжарница Livraria Lello от Xavier Esteves [pt] (1906), и двамата в Порто.

Югендстил в скандинавските страни Edit

Финландия Edit

Главен вход на застрахователната сграда Pohjola (1899–1901), скулптури от Хилда Флодин

Край река Туонела (1903) във финландския национален романтичен стил от Аксели Гален-Калела

Статуи на централната жп гара в Хелзинки от Емил Викстрьом

Арт Нуво е популярен в скандинавските страни, където обикновено е известен като Jugendstil и често се комбинира с националния романтичен стил на всяка страна. Скандинавската държава с най -голям брой сгради на Jugendstil е Великото херцогство Финландия, тогава част от Руската империя. [113] Периодът Jugendstil съвпада със Златния век на финландското изкуство и националното пробуждане. След изложението в Париж през 1900 г. водещият финландски художник е Аксели Гален-Калела. [114] Той е известен със своите илюстрации на Калевала, финландската национална епопея, както и с рисуването на множество сгради на Judendstil в херцогството.

Архитектите на финландския павилион на изложението бяха Херман Геселиус, Армас Линдгрен и Елиел Сааринен. Те са работили заедно от 1896 до 1905 г. и са създали много забележителни сгради в Хелзинки, включително застрахователната сграда Pohjola (1899–1901) и Националния музей на Финландия (1905–1910) [115], както и съвместната им резиденция Hvitträsk в Kirkkonummi (1902). Архитектите бяха вдъхновени от скандинавските легенди и природата, така грубата гранитна фасада се превърна в символ за принадлежност към финландската нация. [116] След като фирмата се разпада, Сааринен проектира жп гара в Хелзинки (1905–1914) в по -ясни форми, повлияни от американската архитектура. [116] Скулпторът, който е работил със Сааринен при изграждането на Националния музей на Финландия и жп гара в Хелзинки, е Емил Викстрьом.

Друг архитект, създал няколко забележителни произведения във Финландия, беше Ларс Зонк. Основните му творби в Jugendstil включват Катедралата Тампере (1902-1907), Айнола, домът на Жан Сибелиус (1903), централата на Хелзинкската телефонна асоциация (1903-1907) и Църквата Калио в Хелзинки (1908-1912). Също така, Magnus Schjerfbeck, брат на Helene Schjerfbeck, направи санаториум за туберкулоза, известен като Nummela Sanatorium през 1903 г., използвайки стила Jugendstil. [117] [118] [119]

Норвегия Редактиране

Стол Viking-Art Nouveau от норвежкия дизайнер Ларс Кинсарвик (1900)

Интериор на центъра в стил Арт Нуво в Олесунн

Орнаменти на врата в центъра в стил Арт Нуво в Олесунн

Норвегия също се стреми към независимост (от Швеция), а местното Арт Нуво е свързано с възраждане, вдъхновено от народното изкуство и занаятите на викингите. Известни дизайнери включват Ларс Кисарвик, който проектира столове с традиционни викингски и келтски шарки, и Герхард Мунте, който проектира стол със стилизирана емблема с драконова глава от древни кораби на викингите, както и голямо разнообразие от плакати, картини и графики. [120]

Норвежкият град Олесунн се счита за основен център на Арт Нуво в Скандинавия, тъй като е напълно реконструиран след пожар от 23 януари 1904 г. [121] Около 350 сгради са построени между 1904 и 1907 г. по градоустройствен план, разработен от инженера Фредерик Несер. Сливането на единство и разнообразие роди стил, известен като Ål Stil. Сградите в стила имат линеен декор и ехо както на Jugendstil, така и на народни елементи, напр. кули от стръмни църкви или гребени покриви. [121] Една от сградите, аптека „Лебед“, сега е център на Арт Нуво.

Швеция и Дания Edit

Ваза с къпина, картина от Пер Алгот Ериксон и сребро от Е. Лефевр, в музея Брьохан (Берлин)

Чаша и чинийка от услугата „ирис“ (1897), в Музея на изкуствата в окръг Лос Анджелис

Мастилница и кутия за печати, от Йенс Дал-Йенсен (около 1900 г.), в Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Дармщат, Германия)

Голямата зала на градската библиотека в Орхус от Карл Хансен Райструп

Шедьоврите на Jugendstil на други скандинавски страни включват Engelbrektskyrkan (1914) и Кралския драматичен театър (1901-1908) в Стокхолм, Швеция [122] и бившата Градска библиотека (сега Датски национален бизнес архив) в Орхус, Дания (1898-1901). [123] Архитектът на последния е Хак Кампман, тогава привърженик на националния романтичен стил, който също създава Къща по поръчка, театър и Вила Кампен в Орхус. Най -забележителният дизайнер на Дания в стил Арт Нуво беше сребърникът Георг Йенсен. Балтийското изложение в Малмьо 1914 може да се разглежда като последната голяма проява на Jugendstil в Швеция. [124]

Модерни в Русия Редактиране

Илюстрация на Жар -птица от Иван Билибин (1899)

Сцена за балета на Николай Римски-Корсаков Шехерезада от Леон Бакст (1910)

Програмен дизайн за "Следобед на фауна" от Леон Бакст за Балети Руси, (1912)

Столове от Сергей Малютин, Художествена колония Талашкино

Керамична камина на руска фолклорна тема от Михаил Врубел (1908)

Модерн („Модерен“) е много колоритен руски вариант на Арт Нуво, който се появява в Москва и Санкт Петербург през 1898 г. с публикуването на ново списание за изкуство „Мир изкуства“ (транслитерация: Мир Искусства) („Светът на изкуството“), от руските художници Александър Беноа и Леон Бакст и главния редактор Сергей Дягилев. Списанието организира изложби на водещи руски художници, включително Михаил Врубел, Константин Сомов, Исак Левитан и илюстратора на книги Иван Билибин. Стилът „Светът на изкуството“ използва по -малко растителните и флорални форми на френския арт нуво, като се възползва силно от ярките цветове и екзотичния дизайн на руския фолклор и приказки. Най -влиятелният принос на "Света на изкуството" беше създаването на нова балетна компания, Балети Руси, начело с Дягилев, с костюми и декори, проектирани от Бакст и Беноа. Премиерата на новата балетна компания е в Париж през 1909 г. и се представя там всяка година през 1913 г. Екзотичните и цветни декори, проектирани от Беноа и Бакст, оказват голямо влияние върху френското изкуство и дизайн. Костюмите и сценографиите са възпроизведени във водещите парижки списания, Илюстрация, La Vie parisienne и Gazette du bon ton, а руският стил става известен в Париж като а ла Бакст. Компанията е заседнала в Париж първо от избухването на Първата световна война, а след това от Руската революция през 1917 г., и по ирония на съдбата никога не е изпълнявана в Русия. [125]

От руските архитекти най -изявеният в чист стил Арт Нуво беше Фьодор Шехтел. Най -известният пример е Рябушинската къща в Москва. Той е построен от руски бизнесмен и собственик на вестник, а след това, след Руската революция, става резиденция на писателя Максим Горки, а сега е музей на Горки. Главното му стълбище, направено от полиран материал от бетон, мрамор и гранит, има плавни, къдрави линии като вълните на морето и е осветено от лампа под формата на плаваща медуза. В интериора има и врати, прозорци и таван, украсени с цветни фрески от мозайка. [126] Шехтел, който също се счита за основна фигура в руския символизъм, проектира няколко други забележителни сгради в Москва, включително възстановяването на московската жп гара Ярославски, в по -традиционен възрожденски стил на Москва. [126]

Главно стълбище на Ryabushinsky House Москва от Фьодор Шехтел (1900)

Къща Теремок в Талашкино - едно руско възрожденско произведение от Сергей Малютин (1901–1902)

Картуш с маскарон, на фасадата на Къщата на певицата, от Павел Сузор (1904)

Къща Перцова от Сергей Малютин в Москва (1905-1907)

Фасада на хотел Метропол в Москва с мозайки от Михаил Врубел (1899–1907)

Църквата „Свети Дух“ в Талашкино, от Сергей Малютин

Други руски архитекти от този период създават руска възрожденска архитектура, която черпи от историческата руска архитектура. Тези сгради са създадени предимно от дърво и се отнасят до Архитектурата на Киевска Рус. Един пример е къщата Теремок в Талашкино (1901-1902) от Сергей Малютин и Перцовата къща (известна още като Къща Перцов) в Москва (1905-1907). Той също беше член на движението Мир изкуства. Архитектът от Санкт Петербург Николай Василиев е построен в редица стилове, преди да емигрира през 1923 г. Тази сграда е най-забележителна с каменни резби, направени от Сергей Вашков, вдъхновени от резбите на катедралата Свети Димитър във Владимир и катедралата Свети Георги в Юриев-Полски от XII и XIII век. Марфо-Мариинският манастир (1908–1912) от Алексей Щусев е актуализирана версия на класическа Руска православна църква. По -късно Щусев проектира мавзолея на Ленин (1924) в Москва.

Няколко художествени колонии в Русия през този период са построени в руски възрожденски стил. Двете най-известни колонии се намират в Абрамцево, финансирано от Сава Мамонтов, и Талашкино, Смоленска губерния, финансирана от княгиня Мария Тенишева. Един пример за тази руска възрожденска архитектура е Марфо-Мариинският манастир (1908–1912), актуализирана Руска православна църква от Алексей Щусев, който по-късно по ирония на съдбата проектира мавзолея на Ленин в Москва.

Югендстилс (Арт Нуво в Рига) Редактиране

Фасада на къща на Елизабет иела, 10б, от Михаил Айзенщайн (1903)

Стълбище в Пекшенска къща от Константинс Пексенс (1903 г.), в което сега се помещава музеят Рига Югендстилс

Национална романтична украса на къща, построена от Константин Пекшенс (1908)

Министерство на образованието, построено от Едгар Фризендорф (1911 г.)

Рига, днешната столица на Латвия, по онова време беше един от големите градове на Руската империя. Архитектурата в стил Арт Нуво в Рига все пак се развива според собствената си динамика и стилът става изключително популярен в града. Скоро след латвийската етнографска изложба през 1896 г. и изложението за промишлени и занаятчийски произведения през 1901 г., ар нуво се превръща в доминиращ стил в града. [127] Така архитектурата в стил Арт Нуво представлява една трета от всички сгради в центъра на Рига, което го прави градът с най-високата концентрация на такива сгради навсякъде по света. Количеството и качеството на архитектурата в стил Арт Нуво беше сред критериите за включване на Рига в световното културно наследство на ЮНЕСКО. [128]

Имаше различни варианти на архитектурата в стил Арт Нуво в Рига:

  • в еклектичния арт нуво флоралните и други вдъхновени от природата елементи на декорация бяха най-популярни. Примери за това изменение са произведения на Михаил Айзенщайн,
  • в Перпендикулярно Арт Нуво, геометричните орнаменти бяха интегрирани във вертикалните композиции на фасадите. Няколко универсални магазина са построени в този стил и понякога се нарича още „стил на универсален магазин“ или Варенхаустил на немски,
  • Националният романтичен арт нуво е вдъхновен от местното народно изкуство, монументални обеми и използването на естествени строителни материали.

Някои по-късни неокласически сгради също съдържат детайли в стил Арт Нуво.

Стил Sapin в La Chaux-de-Fonds, Швейцария Edit

Вила Фалет с украса, вдъхновена от ела (1906) от Едуард Жанере (Льо Корбюзие) (1905)

Крематориум (1908–10), интериор, със стилизиран елхов дизайн на тавана. Символичните стенописи на L'Epplattenier са добавени по -късно.

Крематориум (1908–10), със стилизиран детайл „сапин“ или борова шишарка

Крематориум (1908–10), с детайл от борови шишарки.

Вариант, наречен Стил Sapin („Стил на боровото дърво“) се появи в La Chaux-de-Fonds в кантона Невшател в Швейцария. Стилът е лансиран от художника и художник Шарл l'Eplattenier и е вдъхновен особено от sapin, или бор, и други растения и диви животни от планината Юра. Едно от основните му произведения е крематориумът в града, който представя триъгълни дървесни форми, борови шишарки и други природни теми от региона. Стилът също се смесва с по -геометричните стилистични елементи на Jugendstil и Vienna Secession. [129]

Друга забележителна сграда в този стил е Вила Фалет La Chaux-de-Fonds, хижа, проектирана и построена през 1905 г. от ученик на L'Epplattenier, осемнадесетгодишната Charles-Édouard Jeanneret (1887–1965), която по-късно става по-известна като Le Corbusier, Формата на къщата е традиционна швейцарска хижа, но декорацията на фасадата включва триъгълни дървета и други природни дадености. Jeanneret построи още две хижи в района, включително Villa Stotzer, в по -традиционен стил на хижа. [130] [129] [131] [132]

Тифани стил и Луис Съливан в Съединените щати Edit

Параклис Тифани от Колумбийската експозиция на Word от 1893 г., сега в Музея на американското изкуство на Чарлз Хосмер Морс в Уинтър Парк, Флорида

Постер Век от Louis John Rhead (1894)

Лампа Wisteria от Louis Comfort Tiffany (около 1902), в Музея за изящни изкуства във Вирджиния

Прозорецът на Тифани в къщата му в Ойстър Бей, Ню Йорк

The Полет на душите Прозорец от Louis Comfort Tiffany спечели златен медал на изложението в Париж през 1900 г.

Детайл от сградата на Prudential (гаранция), Ню Йорк Луис Съливан (1896)

В Съединените щати фирмата на Louis Comfort Tiffany играе централна роля в американското Арт Нуво. Роден през 1848 г., той учи в Националната академия по дизайн в Ню Йорк, започва работа със стъкло на 24 -годишна възраст, влиза в семейния бизнес, започнат от баща му, а през 1885 г. създава свое собствено предприятие, посветено на финото стъкло, и развива нови техники за оцветяването му. През 1893 г. той започва да прави стъклени вази и купи, като отново разработва нови техники, които позволяват по -оригинални форми и оцветяване, и започва да експериментира с декоративно стъкло за прозорци. Стъклените слоеве бяха отпечатани, мраморни и наслагвани, придавайки изключително богатство и разнообразие от цветове през 1895 г. Новите му творби бяха представени в галерията в стил Арт Нуво на Зигфрид Бинг, давайки му нова европейска клиентела. След смъртта на баща си през 1902 г. той поема цялото предприятие на Тифани, но все пак посвещава голяма част от времето си на проектиране и производство на предмети от стъкло. По настояване на Томас Едисон той започва да произвежда електрически лампи с многоцветни стъклени сенници в конструкции от бронз и желязо или украсени с мозайки, произведени в множество серии и издания, всяка от които е изработена с грижа за бижу. Екип от дизайнери и занаятчии работи по всеки продукт. По -специално лампата Тифани се превърна в една от иконите на Арт Нуво, но занаятчиите на Тифани (и майсторките) проектираха и направиха необикновени прозорци, вази и друго стъкло. Чашата на Тифани също имаше голям успех 1900 Exposition Universelle в Париж неговият витраж, наречен Полет на душите спечели златен медал. [133] Колумбийската експозиция беше важно място за Тифани, а параклисът, който той проектира, беше показан в павилиона на изкуството и индустрията. Параклисът Тифани, заедно с един от прозорците на дома на Тифани в Ню Йорк, сега са изложени в Музея на американското изкуство на Чарлз Хосмер Морс в Уинтър Парк, Флорида.

Друга важна фигура в американския арт нуво е архитектът Луис Съливан. Съливан е водещ пионер на американската модерна архитектура. Той е основател на Чикагското училище, архитект на някои от първите небостъргачи и учител на Франк Лойд Райт. Най -известната му поговорка е „Формата следва функцията“. Докато формата на неговите сгради се оформяше от тяхната функция, неговата декорация беше пример за американски арт нуво.На световното колумбийско изложение в Чикаго през 1893 г., най -известното с неокласическата архитектура на известния си Бял град, той проектира грандиозен вход в стил Арт Нуво за много функционалната сграда за транспорт. [134] [135]

Докато архитектурата му Carson, Pirie, Scott и Company Building (1899) (сега Sullivan Center) беше поразително модерен и функционален, той обгради прозорците със стилизирана флорална декорация. Той е изобретил еднакво оригинална украса за Националната фермерска банка в Оуатона, Минестота (1907-1908) и Националната банка на търговците в Гринел, Айова. Той е изобретил специфично американско разнообразие в стил Арт Нуво, декларирайки, че декоративните форми трябва да се колебаят, да нарастват, да се смесват и да извличат без край. Той създава произведения с голяма прецизност, които понякога комбинират готика с теми в стил Арт Нуво. [136]

Art Nouveau в Аржентина Edit

Витражи и скулптури от Ерколе Пасина в Кализ Хаус в Буенос Айрес (1911)

Метални изделия, керамика и статуи на фасадата на сградата [и] на Club Español в Росарио (1912)

Керамичен комин на Confitería La Europea в Росарио (1916)

Наводнена с европейски имигранти, Аржентина приветства всички художествени и архитектурни европейски стилове, включително Арт Нуво. [137] Градове с най -забележителното наследство в стил Ар Нуво в Аржентина са Буенос Айрес, Росарио и Мар дел Плата. [138]

Париж е прототип на Буенос Айрес с изграждането на големи булеварди и булеварди през 19 век. [137] Местният стил наред с френското влияние също следва италианската свобода, тъй като много архитекти (Вирджинио Коломбо, Франсиско Джаноти, Марио Паланти) са италианци. В творбите на Хулиан Гарсия Нунес [es] може да се отбележи каталунско влияние, тъй като той завършва обучението си в Барселона през 1900 г. [137] Влиянието на Виенската сецесия може да бъде открито в сградата Paso y Viamonte. [137]

Въвеждането на Арт Нуво в Росарио е свързано с Франсиско Рока Симо, който е тренирал в Барселона. [139] Неговата сграда [es] на Club Español (1912) разполага с една от най -големите витражи в Латинска Америка, произведена (както и облицовка и керамика) от местната фирма Buxadera, Fornells y Cía. [140] Скулпторът на сградата е Диего Масана от Барселона. [140]

Белгийското влияние върху аржентинския ар нуво е представено от Вила Ортис Басуалдо, която сега е домакин на Общинския художествен музей Хуан Карлос Кастанино в Мар дел Плата, където мебелите, интериора и осветлението са от Гюстав Серрурие-Бови.

Арт Нуво в останалия свят Edit

Арт Нуво/неокласически Palacio de Bellas Artes в Мексико Сити (1904–1934)

Алегорична сватба: Скица за килим (Триптих отдясно наляво): Изгнание, Брак, Изкупление от Ефрем Моисей Лилиен (1906)

Бистро в Sofitel Legend Metropole Hanoi (1902) с арт нуво и колониален дизайн

Както в Аржентина, Арт Нуво в други страни е повлияно най -вече от чуждестранни художници:

  • Испанците стояха зад проектите в стил Арт Нуво в Хавана, Куба, дори не бяха достатъчно квалифицирани да се наричат ​​архитекти. [141] Испанците не са участвали пряко в работи в Понсе, Пуерто Рико, но са били вдъхновение и обект на проучване за местни архитекти в Понсе, Пуерто Рико, [142]
  • Французите стоят зад Арт Нуво в Тунис (тогава това беше френски протекторат),
  • Германците стоят зад наследството на Югендстил в Людериц, Намибия [143] Циндао, Китай,
  • Италианците бяха зад Арт Нуво във Валпараисо, Чили [144] Монтевидео, Уругвай Рио де Жанейро, Бразилия, [145]
  • Руснаците стоят зад наследството в стил ар нуво в Харбин, Китай [146]
  • Арт Нуво наследството в Лима се състои от дело на италианските братя Маспери, френския архитект Клод Сахут и британските майстори на витражи [147] в Мексико Сити е резултат от сътрудничеството на италианци (архитект Адамо Боари и скулптор Леонардо Бистолфи), местен архитект Федерико Mariscal [es], унгарските художници Aladár Körösfői-Kriesch, Géza Maróti и Miksa Róth, каталунският скулптор Agustí Querol Subirats и френският майстор Edgar Brandt. [148]

Мотивите в стил Арт Нуво могат да бъдат намерени и във френската колониална художествена архитектура в целия френски Индокитай.

Забележително художествено движение, наречено училище Безалел, се появява в региона на Палестина през периода на късния османски и британски мандат. Описван е като „сливане на ориенталско изкуство и Jugendstil“. [149] Няколко художници, свързани с училището Безалел, бяха известни със стила си в стил Арт Нуво, включително Зеев Рабан, Ефрем Моисей Лилиен и Абел Пан. [150]

Пуч де Фует или камшичен мотив, изобразяващ стъблата на цикламени цветя, от Херман Обрист (1895)

Стилизирани растителни форми Вход на метростанция Anvers в Париж от Ектор Гимар (1900)

Флорални шарки. Лампа с дизайн на Wisteria от Louis Comfort Tiffany (1899-1900)

Екзотични материали и декорация. Дървен шкаф от махагон и амурет с декорация от водни лилии от позлатен бронз от Louis Majorelle (1905–08)

Силно стилизиран флорален дизайн на балкони и парапети. Стълбището на Ото Вагнер в Majolica House, Виена (1898)

Ранният арт нуво, особено в Белгия и Франция, се характеризира с вълнообразни, извити форми, вдъхновени от лилии, лози, цветни стъбла и други естествени форми, използвани по -специално в интериора на Виктор Орта и декорацията на Луи Мажорел и Емил Гале. [151] Той също така черпи модели, базирани на пеперуди и водни кончета, заимствани от японското изкуство, които бяха популярни в Европа по онова време. [151]

Ранният арт нуво също често представя по -стилизирани форми, изразяващи движение, като например преврат или линия „камшик“, изобразена в цикламените растения, нарисувани от дизайнера Херман Обрист през 1894 г. Описание, публикувано в Пан списание за окачване на стената на Херман Обрист Цикламен (1894), в сравнение с „внезапните насилствени криви, породени от пукнатината на камшик“ [152] Терминът „камшик“, въпреки че първоначално е бил използван за осмиване на стила, често се прилага към характерните криви, използвани от чл. Художници в стил Нуво. [152] Подобни декоративни вълнообразни и плавни линии в синхронизиран ритъм и асиметрична форма, често се срещат в архитектурата, живописта, скулптурата и други форми на дизайна в стил Арт Нуво. [152]

Други флорални форми бяха популярни, вдъхновени от лилии, глициния и други цветя, особено в лампите на Louis Comfort Tiffany и стъклените предмети, изработени от художниците от училището в Нанси и Емил Гале. Други извити и вълнообразни форми, заимствани от природата, включват пеперуди, пауни, лебеди и водни лилии. Много дизайни изобразяват женската коса, преплетена със стъбла от лилии, ириси и други цветя. [153] Стилизирани флорални форми бяха особено използвани от Виктор Орта в килими, балюстради, прозорци и мебели. Те също бяха широко използвани от Ектор Гимар за балюстради и най -известното за лампите и парапетите на входовете на парижкото метро. Гимар обяснява: "Това, което трябва да се избягва във всичко, което е непрекъснато, е паралелът и симетрията. Природата е най -големият строител и природата не прави нищо паралелно и нищо, което е симетрично." [154]

По -ранните мебели в стил Арт Нуво, като тези, направени от Луи Мажорел и Хенри ван де Велде, се характеризираха с използването на екзотични и скъпи материали, включително махагон с инкрустации от скъпоценни дървета и облицовки, и извити форми без прави ъгли. Даваше усещане за лекота.

Във втората фаза на Арт Нуво, след 1900 г., декорацията става по -чиста и линиите са по -стилизирани. Извитите линии и форми се превърнаха в многоъгълници, а след това в кубчета и други геометрични форми. Тези геометрични форми бяха използвани с особен ефект в архитектурата и обзавеждането на Йосиф Мария Олбрих, Ото Вагнер, Коломан Мозер и Йозеф Хофман, особено в Palais Stoclet в Брюксел, който обяви пристигането на Арт Деко и модернизма. [76] [77] [78]

Друга характеристика на архитектурата в стил Арт Нуво е използването на светлина чрез отваряне на интериорни пространства, чрез премахване на стени и широкото използване на прозорци за внасяне на максимално количество светлина в интериора. Студиото на Виктор Хорта и други къщи, построени от него, са имали обширни прозорци, поддържани върху извити железни рамки. В хотел Tassel той премахна традиционните стени около стълбището, така че стълбите се превърнаха в централен елемент на интериорния дизайн.

Като стил на изкуството, Арт Нуво има афинитет към стиловете на прерафаелитите и символистите, а художници като Обри Бърдсли, Алфонс Муха, Едуард Бърн-Джоунс, Густав Климт и Ян Туроп могат да бъдат класифицирани в повече от един от тези стилове. За разлика от символистката живопис обаче, Арт Нуво има отличителен външен вид и, за разлика от ориентираното към занаятите движение за изкуства и занаяти, художниците в стил Арт Нуво охотно използват нови материали, обработени повърхности и абстракция в услуга на чист дизайн.

Арт Нуво не избягва използването на машини, както направи движението „Изкуства и занаяти“. За скулптурата основните материали, използвани са стъкло и ковано желязо, което води до скулптурни качества дори в архитектурата. Керамиката е използвана и при създаването на издания на скулптури от художници като Огюст Роден. [155] въпреки че скулптурата му не се счита за Арт Нуво.

Архитектурата в стил Арт Нуво използва много технологични иновации от края на 19 век, особено използването на открито желязо и големи парчета стъкло с неправилна форма за архитектура.

Тенденциите в стил Арт Нуво също бяха погълнати от местните стилове. В Дания например това беше един от аспектите на Skønvirke („естетическа работа“), която сама по -тясно се отнася до стила на изкуствата и занаятите. [156] [157] По същия начин, художниците възприемат много от флоралните и органични мотиви на Арт Нуво в Młoda Polska („Млада Полша“) стил в Полша. [158] Młoda Polskaобаче включва и други художествени стилове и обхваща по -широк подход към изкуството, литературата и начина на живот. [159]

Арт Нуво е представено в живописта и скулптурата, но е най -видно в архитектурата и декоративните изкуства. Той беше подходящ за графичните изкуства, особено за плаката, интериорния дизайн, металното и стъклено изкуство, бижутата, дизайна на мебели, керамиката и текстила.

Редактиране на плакати и графики

Първият брой на Студиото, с корица от Aubrey Beardsley (1893)

Плакат за галериите Графтън от Eugène Grasset (1893)

Вътрешният принтер корица на списанието от Уил Х. Брадли (1894)

Плакат за Книгата на Чапата от Уил Х. Брадли (1895)

Бисквити Lefèvre-Utile от Алфонс Муха (1896)

Зодиакален календар от Алфонс Муха (1896)

Ver Sacrum илюстрация от Коломан Мозер (1899)

илюстрация от Ver Sacrum от Коломан Мозер (1900)

Графичните изкуства процъфтяват в периода на Арт Нуво, благодарение на новите технологии на печат, по -специално цветната литография, които позволяват масовото производство на цветни плакати. Изкуството вече не се ограничава до галерии, музеи и салони, може да се намери по стените на Париж и в илюстровани списания за изкуство, които се разпространяваха в цяла Европа и в Съединените щати. Най -популярната тема на плакатите в стил Арт Нуво бяха жени жени, символизиращи блясък, модерност и красота, често заобиколени от цветя.

Във Великобритания водещ графичен художник в стила на Арт Нуво е Обри Биърдсли (1872–1898). Той започна с гравирани книжни илюстрации за Le Morte d'Arthur, след това черно -бели илюстрации за Саломея от Оскар Уайлд (1893), което му носи слава. През същата година той започва да гравира илюстрации и плакати за списанието за изкуство Студиото, което помогна за популяризирането на европейски художници като Фернан Кноп във Великобритания. Извитите линии и сложните флорални шарки привлякоха толкова внимание, колкото и текстът. [160]

Швейцарско-френският художник Eugène Grasset (1845–1917) е един от първите създатели на френски плакати в стил Арт Нуво. Той помогна за декорирането на известното кабаре Le Chat noir през 1885 г. и направи първите си плакати за Fêtes de Paris. Той направи прочут плакат на Сара Бернхард през 1890 г. и голямо разнообразие от илюстрации на книги. Художниците-дизайнери Жул Шере, Жорж дьо Фьор и художникът Анри де Тулуз-Лотрек са изработили плакати за парижки театри, кафенета, кабарета за танцови зали. Чешкият художник Алфонс Муха (1860–1939) пристига в Париж през 1888 г. и през 1895 г. прави плакат за актрисата Сара Бернхардт в пиесата Gismonda от Victorien Sardou. Успехът на този плакат доведе до договор за производство на плакати за още шест пиеси на Бернхард. През следващите четири години той също проектира декори, костюми и дори бижута за актрисата. [161] [162] Въз основа на успеха на своите театрални афиши, Муха прави плакати за различни продукти, вариращи от цигари и сапун до бирени бисквити, всички с идеализирана женска фигура с фигура от пясъчен часовник. Той продължи да проектира продукти, от бижута до кутии за бисквити, в своя отличителен стил. [163]

Във Виена най -плодовитият дизайнер на графики и плакати беше Коломан Мозер (1868–1918), който участва активно в движението за отделяне заедно с Густав Климт и Йозеф Хофман и прави илюстрации и корици за списанието на движението, Ver Sacrum, както и картини, мебели и декорации. [164]

Картина Редактиране

Пиер Бонар, Жени в градината (1890–91), рисувани екрани на японски камемоно стил

Le Corsage rayé от Édouard Vuillard (1895), Национална художествена галерия

Пол Серузие, Жени на извора, Музей д'Орсе (1898)

Бетовен Фриз в Sezessionshaus във Виена от Густав Климт (1902)

Картина с акварел и мастило на Loïe Fuller Dancing, от Коломан Мозер (1902)

Sgraffito от Paul Cauchie в резиденцията и студиото му, Брюксел (1905)

Детайл от фриза на Густав Климт в Palais Stoclet, Брюксел (1905–1911)

Живописът е друга област на Арт Нуво, въпреки че повечето художници, свързани с Арт Нуво, се описват предимно като членове на други движения, по-специално пост-импресионизъм и символизъм. Алфонс Муха беше известен със своите плакати в стил Арт Нуво, които го разочароваха. Според неговия син и биограф, Йиржи Муха, той не мисли много за Арт Нуво. "Какво е, Арт Нуво? попита той. ". Изкуството никога не може да бъде ново." [165] Той се гордееше най -много с работата си като художник по история. Неговата единствена картина, вдъхновена от Арт Нуво, "Слава", е портрет на дъщерята на неговия покровител в славянски костюм, който е моделиран по неговите театрални плакати. [165]

Художниците, които са най-тясно свързани с Арт Нуво, са Les Nabis, пост-импресионисти, художници, които са действали в Париж от 1888 до 1900 г. Една от декларираните им цели е била да разрушат бариерата между изобразителното и декоративното изкуство. Те рисуваха не само платна, но и декоративни екрани и панели. Много от техните произведения са повлияни от естетиката на японските щампи. Сред членовете бяха Пиер Бонар, Морис Денис, Пол Рансън, Едуар Вулард, Кер-Ксавие Русел, Феликс Валотън и Пол Серузие. [166]

В Белгия Фернан Хнопф ​​работи както в живописта, така и в графичния дизайн. Стенописи от Густав Климт са интегрирани в декоративна схема на Йозеф Хофман за Palais Stoclet. Стенописът „Климт“ за трапезарията в Palais Stoclet (1905–1911) се счита за шедьовър на късния ар нуво.

Една тема наистина се появява както в традиционната живопис, така и в Арт Нуво, американската танцьорка Лой Фулър, е изобразявана от френски и австрийски художници и художници на плакати. [167]

Един особен стил, който става популярен през периода на Арт Нуво, особено в Брюксел, е сграфито, техника, изобретена през Възраждането, за нанасяне на слоеве от тонирана мазилка за стенописи по фасадите на къщи. Това беше използвано по -специално от белгийския архитект Пол Ханкар за къщите, които той построи за двама приятели художници, Пол Кочи и Алберт Чамберлани.

Стъклено изкуство Редактиране

Купа Par une telle nuit от Émile Gallé, Франция, (1894)

Lampe aux ombelles от Émile Gallé, Франция, (около 1902 г.)

Роза де Франс чаша от Émile Gallé, (1901)

Оцветени стъкла за прозорци Веранда де ла Сале от Жак Грюбер в Нанси, Франция (1904)

Духано стъкло с цветен дизайн от Karl Koepping, Германия, (1896)

Стъклото е проектирано от Otto Prutscher (Австрия) (1909)

Прозорец за къщата на любител на изкуството, от Маргарет Макдоналд Макинтош (1901)

Ваза с джак в амвона, Louis Comfort Tiffany, САЩ (1910) [168]

Оцветени стъкла за прозорци Архитектура от Джон Ла Фардж САЩ (1903)

Витражи от Коломан Мозер за църквата „Свети Леополд“, Виена (1902–07)

Стъкленото изкуство е среда, в която Арт Нуво намира нови и разнообразни начини на изразяване. Продължиха интензивни експерименти, особено във Франция, за да се открият нови ефекти на прозрачността и непрозрачността: в гравирането печелете камео, двойните слоеве и киселинното гравиране, техника, която позволяваше серийно производство. Град Нанси се превръща във важен център за френската стъклена индустрия и там се намират работилниците на Émile Gallé и студио Daum, ръководени от Auguste и Antonin Daum. Те са работили с много известни дизайнери, включително Ернест Бусиер [fr], Анри Берже (илюстратор) [fr] и Амалрик Уолтър. Те разработиха нов метод за вливане на стъкло чрез натискане на фрагменти от различно оцветено стъкло в недовършеното парче. Те често си сътрудничат с дизайнера на мебели Луи Мажорел, чийто дом и работилници са в Нанси. Друга особеност на Арт Нуво беше използването на витражи с този стил на флорални теми в жилищни салони, особено в къщите в стил Арт Нуво в Нанси. Много от тях са дело на Жак Грюбер, който прави прозорци за Вила Мажорел и други къщи. [169]

В Белгия водещата фирма беше стъклената фабрика на Val Saint Lambert, която създаде вази в органични и флорални форми, много от които проектирани от Филип Волфърс. Волфърс е отбелязан особено за създаването на произведения от символично стъкло, често с прикрепена метална декорация. В Бохемия, тогава регион на Австро-Унгарската империя, известен с производството на кристали, компаниите J. & amp L. Lobmeyr и Joh. Loetz Witwe също експериментира с нови техники за оцветяване, произвеждайки по -живи и богати цветове. В Германия експериментите бяха водени от Карл Кьопинг, който използва духано стъкло, за да създаде изключително деликатни чаши под формата на толкова нежни цветя, че малцина оцеляват днес. [170]

Във Виена стъклените дизайни на движението Secession бяха много по -геометрични от тези на Франция или Белгия Ото Прушер беше най -строгият дизайнер на стъкло на движението. [170] Във Великобритания редица флорални витражи са създадени от Маргарет Макдоналд Макинтош за архитектурната експозиция, наречена „Къщата на един любител на изкуството“.

В Съединените щати Луис Комфорт Тифани и неговите дизайнери станаха особено известни със своите лампи, чиито стъклени нюанси използваха общи цветни теми, сложно събрани заедно. Лампите на Тифани придобиват популярност след Световното колумбийско изложение в Чикаго през 1893 г., където Тифани показва лампите си във византийски параклис. Тифани експериментира широко с процесите на оцветяване на стъкло, патентовайки през 1894 г. процеса Favrile glass, който използва метални оксиди за оцветяване на вътрешността на разтопеното стъкло, придавайки му преливащ ефект. Неговите работилници произвеждат няколко различни серии от лампата Tiffany в различни флорални дизайни, заедно с витражи, паравани, вази и редица декоративни предмети. Неговите творби първо са внесени в Германия, след това във Франция от Зигфрид Бинг, а след това се превръщат в едно от декоративните усещания на експозицията през 1900 г. Американски съперник на Тифани, Steuben Glass, е основан през 1903 г. в Корнинг, Ню Йорк, от Фредерик Кардер, който, подобно на Тифани, използва процеса на Феврил за създаване на повърхности с преливащи се цветове. Друг забележителен американски художник на стъкло беше Джон Ла Фардж, който създаде сложни и цветни витражи на религиозни и чисто декоративни теми. [170]

Примери за витражи в църкви можете да намерите в статията за религиозни сгради в стил Арт Нуво.

Редактиране на метално изкуство

Балкон на Кастел Беранже в Париж, от Ектор Гимар (1897–98)

Парапети от Louis Majorelle за Bank Renauld в Нанси

Свещ от лалета от Фернан Дюбоа (1899)

Настолна лампа от François-Raoul Larche в позлатен бронз, с танцьорката Loïe Fuller като модел (1901)

Входна скара на Вила Мажорел в Нанси (1901–02)

Чугунен балюстрад от Джордж Грант Елмсли (1899-1904)

Лампа на германския архитект Фридрих Адлер (1903–04)

Лампа на Ернст Ригел от сребро и малахит (1905 г.)

Портата на Двореца Стоклет от Йозеф Хофман, Брюксел (1905-1911)

Порта на Вила Нопф в Страсбург (1905)

Архитектурният теоретик от 19-ти век Виолет-ле-Дюк се застъпва за показването, а не за прикриването на железните рамки на съвременните сгради, но архитектите в стил Арт Нуво Виктор Орта и Хектор Гимар отиват крачка напред: те добавят желязна украса в извивки, вдъхновени от флорални и растителни форми както в интериора, така и в екстериора на техните сгради. Те бяха под формата на стълбищни парапети в интериора, осветителни тела и други детайли в интериора, както и балкони и други орнаменти отвън. Това станаха някои от най -отличителните черти на архитектурата в стил Арт Нуво. Използването на метална декорация в растителни форми скоро се появява и в сребърни прибори, лампи и други декоративни предмети. [171]

В Съединените щати дизайнерът Джордж Грант Елмсли е направил изключително сложен дизайн от чугун за балюстрадите и друга интериорна декорация на сградите на чикагския архитект Луис Съливан.

Докато френските и американските дизайнери са използвали флорални и растителни форми, Джоузеф Мария Олбрих и другите художници от Сецесион проектират чайници и други метални предмети в по -геометричен и трезвен стил. [172]

Редактиране на бижута

Издълбан рог, украсен с перли, от Louis Aucoc (около 1900 г.)

Прозрачни емайлирани цветя с малки диаманти във вените, от Louis Aucoc (около 1900 г.)

Брошка "Флора" от Луи Аукок (около 1900 г.)

Корсажен орнамент от Луи Тифани (1900)

Брошка Lady Dragonfly Lady от René Lalique, изработена от злато, емайл, хризопраз, лунен камък и диаманти (1897–98)

Брошка с жена от Рене Лалик

Брошка от рог с емайл, злато и аквамарин от Пол Фоло (1904–09)

Характеристиките на бижутата в стил Арт Нуво включват фините извивки и линии. Дизайнът му често включва естествени обекти, включително цветя, животни или птици. Женското тяло също е популярно, често се появява на камеи. Често включваше дълги огърлици, изработени от перли или сребърни вериги, прекъснати със стъклени мъниста или завършващи със сребърна или златна висулка, която често е проектирана като украшение, за да побере единично, фасетирано бижу от аметист, перидот или цитрин. [173]

Периодът в стил Арт Нуво донесе забележителна стилистична революция в бижутерската индустрия, водена до голяма степен от големите фирми в Париж. През предходните два века акцентът в изящните бижута създаваше драматични настройки за диаманти. По време на управлението на Арт Нуво диамантите обикновено играеха поддържаща роля. Бижутерите експериментираха с голямо разнообразие от други камъни, включително ахат, гранат, опал, лунен камък, аквамарин и други полускъпоценни камъни, както и с голямо разнообразие от нови техники, наред с други емайлиране, и нови материали, включително рог, формовано стъкло, и слонова кост.

Ранните забележителни бижутери в Париж в стил Арт Нуво включват Луи Аукок, чиято фамилна бижутерска фирма датира от 1821 г. Най -известният дизайнер от периода на Арт Нуво, Рене Лалик, служи в чиракуването си в студиото Aucoc от 1874 до 1876 г. Лалик става централен фигура на бижута и стъкло в стил Арт Нуво, като използва своите модели от природата, от водни кончета до треви. Художници извън традиционния свят на бижута, като Пол Фоло, известен най -вече като дизайнер на мебели, експериментираха с бижута. Други забележителни френски дизайнери на бижута в стил Арт Нуво бяха Жул Брато и Жорж Анри. В Съединените щати най -известният дизайнер беше Луис Комфорт Тифани, чиято работа беше показана в магазина на Зигфрид Бинг, а също и на изложението в Париж през 1900 г.

Във Великобритания най -изявената фигура беше дизайнерът Liberty & amp Co. & amp Cymric Арчибалд Нокс, който изработи разнообразни произведения в стил Арт Нуво, включително катарами от сребърен колан. C. R. Ashbee проектира висулки във формата на пауни. Универсалният дизайнер от Глазгоу Чарлз Рени Макинтош също изработва бижута, използвайки традиционни келтски символи. В Германия центърът за Югендстил бижутерията е град Пфорцхайм, където се намират повечето германски фирми, включително Теодор Фарнер. Те бързо произвеждат произведения, за да задоволят търсенето на новия стил. [173]

Архитектура и орнаменти Редактиране

Вход на хотел Solvay в Брюксел от Виктор Орта (1898)

Детайл от фасадата на Вила Мажорел от Анри Соваж в Нанси (1901–02)

Бодил и маскарони, облицовани с криви в декорация на сградата Les Chardons от Чарлз Клайн в Париж (1903)

Мотиви на биче на жп гара Витебски от Сима Михаш и Станислав Бжозовски, Санкт Петербург (1904)

Един от маскароните, направени от Адамо Боари във фасадата на Palacio de Bellas Artes в Мексико Сити, Мексико (1904–1934)

Асиметрична фасада с извити линии на сградата на Де Бек от Гюстав Щраувен в Брюксел (1905 г.)

Ириси и маскарон на фасадата на сградата на Schichtel от Aloys Walter в Страсбург, Франция (1905–06)

Архитектурата в стил Арт Нуво е реакция срещу еклектичните стилове, доминиращи в европейската архитектура през втората половина на 19 век. Тя беше изразена чрез декорация: или декоративна (на базата на цветя и растения, например бодил, [174] ириси, [175] цикламени, орхидеи, водни лилии и др.) Или скулптурна (вижте съответния раздел по -долу). Докато лицата на хора (или маскарони) се наричат ​​украшение, използването на хора в различни форми на скулптура (статуи и релефи: вижте съответния раздел по -долу) също е често срещано в някои форми на Арт Нуво. Преди Вице сецесията, Jugendstil и различните форми на фасадите на националния романтичен стил бяха асиметрични и често декорирани с полихромни керамични плочки. Декорацията обикновено предполагаше движение, нямаше разлика между структурата и орнамента. [176] Мотив за къдрене или "камшик", основан на формите на растения и цветя, е широко използван в ранния Арт Нуво, но декорацията става по -абстрактна и симетрична във Виенската сецесия и други по -късни версии на стила, както в Palais Stoclet в Брюксел (1905–1911). [177]

Стилът се появява за първи път в брюкселската къща Hankar от Paul Hankar (1893) и Hôtel Tassel (1892–93) на Victor Horta. Hôtel Tassel е посетен от Hector Guimard, който използва същия стил в първата си голяма работа, Castel Béranger (1897–98). Хорта и Гимард също проектираха мебелите и интериорната декорация, чак до дръжките на вратите и килимите. През 1899 г., въз основа на славата на Castel Béranger, Guimard получава поръчка да проектира входовете на гарите на новия Paris Métro, който отваря врати през 1900 г. Въпреки че малко от оригиналите са оцелели, те стават символ на движението в стил Арт Нуво в Париж.

В Париж архитектурният стил също е реакция на строгите правила, наложени върху фасадите на сградите от Жорж-Ожен Хаусман, префект на Париж при Наполеон III. Най -накрая прозорците бяха разрешени през 1903 г. и архитектите в стил Арт Нуво отидоха в обратната крайност, най -вече в къщите на Жул Лавирот, които по същество бяха големи скулптурни произведения, изцяло покрити с декорации. Важен квартал на къщи в стил Арт Нуво се появи във френския град Нанси, около Вила Мажорел (1901–02), резиденция на дизайнера на мебели Луи Мажорел. Проектиран е от Henri Sauvage като витрина за мебелния дизайн на Majorelle. [176]

Входни сгради в Parc Güell от Антони Гауди в Барселона (1900–1914)

Много сгради в стил Арт Нуво бяха включени в списъка на ЮНЕСКО за световно културно наследство като част от техните градски центрове (в Берн, Будапеща, Лвов, Париж, Порто, Прага, Рига, Санкт Петербург, Страсбург (Нойщат), Виена). Заедно с тях имаше сгради, които бяха включени в списъка като отделни обекти:

  • Белгия: творбите на Виктор Орта (Hôtel Tassel, Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde, Maison и Atelier Horta) [5] и двореца Stoclet от Йозеф Хофман в Брюксел
  • Испания: произведенията на Lluís Domènech i Montaner [105] (Palau de la Música Catalana и Hospital de Sant Pau в Барселона) и произведенията на Антони Гауди [178] (Park Güell, Palau Güell, Sagrada Família, Casa Batlló, Casa Мила, Casa Vicens в Барселона Colònia Güell в Санта Колома де Сервело).

Редактиране на скулптура

Танцьор с шал от Агатон Леонард, направен за Националната фабрика за производство в Севр, Франция (1898 г.)

Статуя от полихромна теракота от Ламберт Ескалер [ca] в Барселона (1901)

Релеф на лебеди и статуи във вътрешността на Орхуския театър от Карл Хансен Райструп в Орхус, Дания (1897–1900)

Релеф на бухали в Катаянокка от Георг Ващатхерна, Хелзинки (1903)

Скулптура от Ърнест Бусиер в Нанси, Франция

Барелеф в Sprudelhof от Хайнрих Йобст в Бад Наухайм, Германия (1905–1911)

Керамичен релеф и статуя от Станислав Сучарда в Градец Кралове, Чехия (1909–1912)

Гаргойл от Хосеп Плантада и Артига в Тортоса, Каталуния, Испания (1915)

Атланти, кариатиди в Санкт-Манг-Брунен от Георг Врба в Кемптен, Германия (1905 г.)

Керамични шпакловки в Музикалната консерватория на Барселона от Еусеби Арнау (1916–28)

Скулптурата е друга форма на изразяване за художници в стил Арт Нуво, понякога се пресича с керамика. Порцелановата фигурка Танцьорка с шал от Агатон Леонард спечели признание както в керамиката, така и в скулптурата на Парижката изложба през 1900 г. Скулпторите от други страни също създадоха керамични скулптури: Бохем Станислав Сучарда и Ладислав Шалун, белгиецът Чарлз ван дер Стапен и каталунецът Ламберт Ескалер [ca], които създадоха статуи от полихромна теракота. Друг забележителен скулптор от онова време е Агусти Керол Субирац от Каталуния, който създава статуи в Испания, Мексико, Аржентина и Куба. [179]

В архитектурната скулптура са използвани не само статуи, но и релефи. Архитектите и скулпторите в стил Арт Нуво намериха вдъхновение в животински мотиви (пеперуди, [180] пауни, [181] лебеди, [182] сови, [183] ​​прилепи, [184] дракони, [185] мечки [186]). Използват се също атланти, [187] кариатиди, [188] пути, [189] и гаргулии [190].

Редактиране на мебели

Гардероб от Ричард Римершмид, Германия (1902)

Трапезария от Eugène Vallin, Франция (1903)

Мебели, поставени от Виктор Орта в хотел Aubeque от Брюксел (1902-1904)

"Стол за охлюви" и други мебели от Карло Бугати, Италия (1902 г.)

Председател на Гаспар Хомар, Испания (1903 г.)

Легло „Зора и здрач“ от Емил Гале, Франция (1904 г.)

Регулируемо кресло Модел 670 "Седяща машина", проектирано от Йозеф Хофман, Австрия (1904-1906)

Виктор Орта, мебели от Торино (1902), в колекцията на Фондация „Крал Бодуен“.

Дизайнът на мебели в периода Арт Нуво е бил тясно свързан с архитектурата на сградите, архитектите често проектирали мебелите, килимите, осветителните тела, дръжките на вратите и други декоративни детайли. Мебелите често бяха сложни и скъпи, финото покритие, обикновено полирано или лакирано, се считаше за съществено, а континенталният дизайн обикновено беше много сложен, с извити форми, които бяха скъпи за изработка. Той също така има недостатък, че собственикът на дома не може да промени мебелите или да добави парчета в различен стил, без да наруши целия ефект на стаята. Поради тази причина, когато архитектурата в стил Арт Нуво излезе от мода, стилът на обзавеждането също до голяма степен изчезна.

Във Франция центърът за дизайн и производство на мебели беше в Нанси, където двама големи дизайнери, Émile Gallé и Louis Majorelle имаха своите ателиета и работилници, и където Алианс на индустриите за изкуство (по -късно наречена School of Nancy) е основана през 1901 г. И двамата дизайнери се основават на тяхната структура и орнаменти на форми, взети от природата, включително цветя и насекоми, като водното конче, популярен мотив в дизайна в стил Арт Нуво. Гале е особено известен с използването на релефна маркетрия под формата на пейзажи или поетични теми. Мажорел е известен с използването на екзотични и скъпи дървета и с прикрепянето на бронзови, изваяни в растителни теми мебели. И двамата дизайнери използваха машини за първите фази на производство, но всички парчета бяха завършени на ръка. Други забележителни дизайнери на мебели от училището в Нанси включват Eugène Vallin и Émile André, и двамата са били архитекти по образование, и двамата са проектирани мебели, които приличат на мебелите от белгийски дизайнери като Horta и Van de Velde, които имат по -малко декорация и следват по -отблизо извитите растения и цветя. Други забележителни френски дизайнери включват Анри Белери-Дефонтен, който черпи вдъхновението си от нео-готическите стилове на Виолет-ле-Дюк и Жорж дьо Фьор, Ежен Гайар и Едуар Колона, които работят заедно с дилъра на изкуството Зигфрид Бинг за съживяване на французите мебелна индустрия с нови теми. Тяхната работа беше известна с "абстрактния натурализъм", единството на прави и извити линии и влиянието му в рококо. Мебелите на дьо Фьор в павилиона Бинг печелят златен медал на изложението в Париж през 1900 г. Най-необичайният и живописен френски дизайнер беше Франсоа-Рупърт Карабин, скулптор по образование, чиито мебели включваха изваяни голи женски форми и символични животни, особено котки, които съчетаваха елементи от ар нуво със символика. Други влиятелни дизайнери на мебели в Париж бяха Чарлз Плумет и Александър Шарпентие. [191] В много отношения старият речник и техники на класическите френски мебели от рококо от 18-ти век бяха преинтерпретирани в нов стил. [10]

В Белгия пионерите архитекти на Движение в стил Арт Нуво, Виктор Орта и Хенри ван де Велде, проектираха мебели за своите къщи, използвайки енергични извити линии и минимум декорация. Белгийският дизайнер Gustave Serrurier-Bovy добави още декорация, прилагайки месингови ленти в извити форми. В Холандия, където се наричаше стилът Нюве Кунст или Новото изкуство, H. P. Berlag, Lion Cachet и Theodor Nieuwenhuis следват различен ход, този на движението за английски изкуства и занаяти, с по -геометрични рационални форми.

Във Великобритания мебелите на Чарлз Рени Макинтош бяха чисто изкуства и занаяти, строги и геометрични, с дълги прави линии и прави ъгли и минимум декорация. [192] Континенталните дизайни бяха много по -сложни, често използвайки извити форми както в основните форми на парчето, така и в приложените декоративни мотиви. В Германия мебелите на Петер Беренс и Югендстил бяха до голяма степен рационалистични, с геометрични прави линии и някаква украса, прикрепена към повърхността. Тяхната цел беше точно обратното на френския арт нуво, простотата на структурата и простотата на материалите, за мебели, които биха могли да бъдат евтини и лесно да се произвеждат масово. Същото важи и за обзавеждането на дизайнерите на Wiener Werkstätte във Виена, ръководени от Ото Вагнер, Йозеф Хофман, Йозеф Мария Олбрих и Коломан Мозер. Мебелите бяха геометрични и с минимална декорация, макар че по стил често следваха националния исторически прецедент, особено бидемайерския стил. [193]

Дизайнът на италиански и испански мебели тръгна в своя посока. Карло Бугати в Италия проектира изключителния стол за охлюви, покрит с боядисан пергамент и мед, за Ториновата международна експозиция от 1902 г. В Испания, следвайки примера на Антони Гауди и Модернизъм движение, дизайнерът на мебели Гаспар Хомар проектира произведения, вдъхновени от естествени форми с нотки на каталунски исторически стилове. [120]

В Съединените щати дизайнът на мебели е по -често вдъхновен от движението „Изкуства и занаяти“ или от исторически американски модели, отколкото от Арт Нуво. Един дизайнер, който въведе теми в стил Арт Нуво, беше Чарлз Ролфс в Бъфало, Ню Йорк, чийто дизайн на мебели от американски бял дъб беше повлиян от мотивите на келтското изкуство и готическото изкуство, с нотки на Арт Нуво в металните облицовки, нанесени върху парчетата. [120]


Плочки в Лисабон

Трябва само да се разхождате по улиците, за да осъзнаете, че с плочките в Лисабон се използват много повече нюанси, отколкото просто синьо и бяло. Толкова много от жилищните сгради през града са покрити с шарени плочки, пълни с цвят, стена на изкуството.

Използването на azulejo отвън на сградите е изключително популярно през 18 -ти и през 19 -ти век и производството на плочки в Португалия достига своя връх. Отчасти ставаше дума за изкуството –, естетиката със сигурност беше оценена от широката общественост –, но също така и за практичността.

Когато се строеха сгради, хората осъзнаха, че плочките отвън помагат за защита от влага, поддържат домовете по -хладни през лятото и дори намаляват шума, идващ от улицата.

Но, както често се случва, щом нещо стана обичайно, то загуби своята стойност. Елитите на Лисабон започнаха да се интересуват по -малко от изкуството за плочки, тъй като то се разглеждаше като по -нисък клас и вече не е нещо, което украсява църкви, но покрива домовете на бедни хора.

От гражданска гледна точка, азулехо беше изпаднал в немилост в началото на 20 -ти век.

През 50 -те години на миналия век се случи нещо, което се дължи на това, че португалските плочки в Лисабон отново се охлаждат. Нещо, което вече написах малко за – строителството на метрото в Лисабон.


Литература

Португалската литература е богата и разнообразна. През 15 -ти и 16 -ти век той се разпространява в останалата част на света в резултат на многото португалски морски откривателни пътешествия. Тези експедиции също доведоха до богата литература за пътувания и разшириха португалския език в други страни. Португалската литература съдържа всички жанрове - от лириката, ренесансовата драма и реалистичните романи до историческата писменост, документираща управниците и завоеванията на Португалия.

В наши дни португалската литература се характеризира с голям брой писателки и възраждане в поезията и романите. През 1998 г. един от най-известните автори в Португалия, Jos & eacute Saramago е удостоен с Нобелова награда за литература.


История на Арт Нуво в Америка

От 1890 до 1910 г. Арт Нуво процъфтява в цяла Европа. Той олицетворява широк спектър от стилове и има много имена (т.е. стил на Глазгоу в Шотландия и Jugendstil в Германия).

Докато то варираше стилистично от страна на страна, самото движение поддържаше същите основни убеждения. На първо място, тя се стреми да модернизира настоящите дизайнерски практики и да избягва традиционните дизайни.

Освен това, целта на Арт Нуво беше да култивира оценката на декоративните изкуства, базирани на занаяти, спрямо традиционните либерални изкуства.

Арт Нуво отразява чувствата на света, като примирява новите технологии и променя обществото със старите традиции и обичаи.

До избухването на Първата световна война това е преобладаващият стил на изкуство по целия свят. По време на войната и след нея нагласите на обществото се промениха и Арт Нуво излезе от стил.

Въпреки внезапния му край, сега мнозина признават Арт Нуво като критична връзка между неокласическия и модерния дизайн.

Първи впечатления в Америка

САЩ бяха въведени в стил Арт Нуво през 1890 г., когато копия на списанията на Harper пробиха път от Франция и Англия.

По това време периодичното издание беше наело Юджийн Грасет да проектира кориците за няколко броя. Неговите илюстрации често изобразяват жени в стил Арт Нуво с дълга коса сред естествени елементи.

Работата на Грасет резонира с американската публика и скоро вестникарските павилиони продават списания и плакати с илюстрации в стил Арт Нуво.

Картините на Грасет отварят вратата за развитието на стила в САЩ. Той вдъхновява Луис Рхед, който възприема стила на Грас и става известен търговски художник за множество публикации.

Характеристики на американския арт нуво

Естествените и геометрични шарки, сега характерни за този стил, вдъхновиха повечето дизайнери в стил Арт Нуво. Художниците умело балансират ъглови контури и полезност с течни, органични форми.

Отличителна черта на Арт Нуво са асиметричните, течни линии, често срещани в цветни стъбла, пъпки, лози, крила и подобни красиви, органични форми.

Линиите могат да бъдат или полирани и деликатни, или да проектират здрав и мощен външен вид. Линейните контури имат приоритет пред цвета, който се състои главно от заглушени зелени, кафяви, жълти и сини.

В почти всяка художествена област, но най -вече архитектура, структура и разкрасяване, смесени заедно.

Екзотичните теми от Азия, като японски щампи и керамични стъклопакети, бяха особено любими сред дизайнерите, по -специално Луи Тифани.

Природата във всичките й форми се превърна в доминиращи фигури в образите и орнаментите:

Също така женските герои с дълга коса станаха фокус на много илюстрации.

Мебели в стил Арт Нуво

За разлика от други страни, американските мебели в стил Арт Нуво бяха повлияни повече от движението „Изкуства и занаяти“ или исторически американски дизайн, отколкото от Арт Нуво.

Един от първите американски дизайнери, които правят мебели в стил Арт Нуво, е Чарлз Ролфс. Той също така включва келтски и готически мотиви в многото си дизайни на мебели от бял дъб.

Производителите на мебели и архитектите често използват същите материали, като стъкло, керамика, метал и дърво.

Орех, дъб, тик и други твърди дървесини бяха популярен избор за мебели. Дизайнерите смесиха махагон и клен с абанос или змийско дърво и завършиха с красив лак. Някои декорирани повърхности с инкрустация или добавен огънат, извит метал.

Американските мебели в стил Арт Нуво следват някои от принципите на продължаващите движения на занаятчиите и изкуствата и занаятите.

Например, докато машините наистина са изграждали някои парчета, много е било ръчно изработено. Високата степен на умение, необходима за създаването му, означаваше високи цени, което отчасти доведе до спада на популярността му около 1910 г.

Дизайнери и занаятчии

Луис Комфорт Тифани (1848 - 1933)

Луис Комфорт Тифани, майстор художник зад Tiffany & amp Co., беше ключова фигура в американския арт нуво.

Учи в Националната академия по дизайн в Ню Йорк и на 24 години започва работа със стъкло, скоро влиза в бизнеса на баща си.

До 1885 г. Тифани основава собствена компания за фино стъкло и разработва нови начини за оцветяване.

Тифани произвежда вази и купи през 1893 г., използвайки иновативни методи, давайки уникални форми и оцветяване.

През това време той също експериментира с декоративни прозорци от

отпечатване, мрамориране и наслагване на слоеве стъкло.

Тази техника придава на прозорците му отличителна дълбочина и богатство

разнообразно оцветяване. През 1895 г. галерията в стил Арт Нуво на Зигфрид Бинг излага творбите на Тифани, които привличат европейската клиентела.

През 1902 г. Тифани става ръководител на компанията след смъртта на баща си, но продължава да експериментира с декоративни техники за стъкло.

Томас Едисън препоръча на Тифани да произвежда електрически лампи и намери начин да ги продава. Дизайнът на Tiffany ’s иконизира американския стил Арт Нуво.

Абажурите включваха многоцветни стъклени мозайки, обрамчени с бронз или желязо - екип от дизайнери и художници проектираха всяка лампа, както и няколко серии и издания.

Не само лампата Тифани популяризира Арт Нуво. Изключителните занаятчии на компанията произвеждат прозорци, вази и други.

Тифани и неговата компания придобиха по -голяма известност по време на изложението в Париж през 1900 г., където неговото парче, Полетът на душите, спечели златен медал.

Друг критичен момент за Тифани е Колумбийското изложение в Чикаго, където дебютира в параклиса Тифани.

Луис Съливан (1856 - 1924)

Един от водещите архитекти в страната, Луис Съливан, е водещ в съвременната архитектура и изигра значителна роля за появата на Арт Нуво в Америка.

Съливан основава Чикагското училище, проектира някои от най -ранните небостъргачи и преподава Франк Лойд Райт. Той също така твърдо вярваше, че формата следва функцията.

Въпреки че функцията оформя формата на структурите на Съливан, той щедро ги декорира с елементи от Арт Нуво.

Съливан спечели допълнително признание на Колумбийската изложба през 1893 г. (домът на Белия град). Там той създаде сложен вход в стил Арт Нуво за изключително практичната сграда за транспорт.

През 1899 г. той проектира сградата на Carson, Pirie, Scott и Company, сега Sullivan Center. Структурата беше подчертано модерна и функционална, със стилизирани ботанически орнаменти около прозорците.

Съливан също разработва оригинални декорации за Националната фермерска банка Оуатона в Минесота (1907-1908 г.), както и за Националната банка на търговците в Гринел, Айова.

Неговата работа, която понякога съчетаваше готически и модернистични мотиви, даде на американския стил ясно изразено американско качество. Той също така твърди, че не трябва да има край на смесването на декоративни стилове.

Чарлз Ролфс (1853 - 1936)

Чарлз Ролфс никога не се е обучавал като производител на мебели, но все пак той е ранен американски дизайнер на мебели в стил Арт Нуво. Неговите творби са въплъщение на движението „Изкуства и занаяти“.

Ролфс започва да проектира мебели за семейството си през 1888 г. и започва професионалната си кариера през 1897 г. Той отваря магазин и прави оригинални парчета, които нарича „артистични мебели“ или „стил Ролфс“.

През 1899 г. Rohlfs сключи кратко и неуспешно партньорство с търговеца на дребно Marshall Field. След това през 1900 г. той излага работата си на изложението за изкуства и занаяти в Ню Йорк.

Скоро той придоби слава на следващата година на панамериканското изложение.

На Международното изложение за декоративно изкуство през 1902 г. в Торино, Ролфс получава значителна експозиция. Скоро след това той става член на Кралското общество на изкуствата в Лондон.

Стилът на ревящите двадесетте

Влиянието на Art Nouveau се издигна до световно ниво въпреки своята краткост и драстично повлия на няколко области на изкуството.

Той донесе първите примери на модернизма и го включи в традиционните дизайни. Известно време този стил беше очевиден в почти всички аспекти на живота.

В края на 19 век Арт Нуво има своя разцвет в архитектурата и графичното изкуство. Но той остава изключително модерен и със сигурност ще стане по -популярен през това десетилетие.

Стилен

Посетете Магазина за красиви и уникални антични мебели от цял ​​свят.

Не знаете какво да правите с този античен скрин или как да го освежите? Вижте блога за идеи за декориране, съвети за грижи и др.

Администратор
  • администратор на Art Deco Style: Блясъкът на един нов век
  • администратор на Art Deco Style: Блясъкът на един нов век
  • Ребека S Боди за стил Арт Деко: Блясъкът на един нов век
  • Рут Уолъс в стил Арт Деко: Блясъкът на един нов век
  • Филипс Адам на Елиана Лорена, Италия

Интересувате ли се да станете продавач партньор на Styylish? Ще се радваме да чуем от вас! Моля, свържете се с нас за допълнителна информация.

Wir sprechen deutsch. Parle francais.

Преглед на поверителността

Необходимите бисквитки са абсолютно необходими за правилното функциониране на уебсайта. Тези бисквитки осигуряват анонимно основни функционалности и функции за сигурност на уебсайта.

БисквиткаПродължителностОписание
cookielawinfo-checbox-analytics11 месецаТази бисквитка се задава от плъгина за съгласие за бисквитки GDPR. Бисквитката се използва за съхраняване на съгласието на потребителя за бисквитките в категорията „Анализ“.
cookielawinfo-checbox-функционален11 месецаБисквитката се задава от съгласието на „бисквитката“ на GDPR за записване на съгласието на потребителя за бисквитките в категорията „Функционални“.
cookielawinfo-checbox-други11 месецаТази бисквитка е зададена от плъгина за съгласие за бисквитки GDPR. Бисквитката се използва за съхраняване на съгласието на потребителя за бисквитките в категорията „Други.
cookielawinfo-checkbox-необходимо11 месецаТази бисквитка се задава от плъгина за съгласие за бисквитки GDPR. Бисквитките се използват за съхраняване на съгласието на потребителя за бисквитките в категорията „Необходими“.
cookielawinfo-checkbox-performance11 месецаТази бисквитка е зададена от плъгина за съгласие за бисквитки GDPR. Бисквитката се използва за съхраняване на съгласието на потребителя за бисквитките в категорията „Производителност“.
гледана_бисквитка_политика11 месецаБисквитката се задава от плъгина GDPR Cookie Consent и се използва за съхраняване на това дали потребителят е дал съгласие за използването на бисквитки. Той не съхранява никакви лични данни.

Функционалните „бисквитки“ помагат да се изпълняват определени функции като споделяне на съдържанието на уебсайта в платформи за социални медии, събиране на отзиви и други функции на трети страни.

Бисквитките за ефективност се използват за разбиране и анализ на ключовите показатели за ефективност на уебсайта, което помага за осигуряване на по -добро потребителско изживяване за посетителите.

Аналитичните бисквитки се използват, за да се разбере как посетителите взаимодействат с уебсайта. Тези бисквитки помагат да се предостави информация за показателите, броя на посетителите, степента на отпадане, източника на трафик и т.н.

Рекламните бисквитки се използват, за да предоставят на посетителите подходящи реклами и маркетингови кампании. Тези бисквитки проследяват посетителите в уебсайтове и събират информация, за да предоставят персонализирани реклами.

Други некатегоризирани бисквитки са тези, които се анализират и все още не са класифицирани в категория.


Гледай видеото: Лучшая колода Таро 2021. Golden Art Nouveau Tarot Золотое Таро Ар-нуво. Гадание онлайн (Ноември 2021).