Историята

Древна грузинска колонна столица

Древна грузинска колонна столица



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Древна грузинска колонна столица - история

Те се отличават с декоративна, камбанарна капители с волути, два реда листа от акант и сложен корниз. В много случаи колоната е набраздена. Колони в този стил могат да бъдат намерени вътре и извън сградите на Капитолийския хълм, включително Капитолия на САЩ, сградата на Върховния съд, офис сградата на Ръсел Сенат, офис сградата на Cannon House и Библиотеката на Конгреса.

Външността на сградата Capitol съдържа примери за модифициран коринтски колонен стил, включително централния портик на Източния фронт и Западния фронт. На първия етаж на крилото на Къщата на Капитолия се намира драматичната зала с високи тавани на колоните, която носи името си от 28 -те набраздени, бели мраморни колони, които очертават коридора.

Капителите на колоните са вариант на коринтския ред, включващ не само класически листа от акант, но също така и бодил и местни американски тютюневи растения. По-ранните употреби на американската растителност в столиците на сградата включват капителите на Бенджамин Хенри Латроуб във вестибюл на първия етаж и капителите му с тютюневи листа в Малката сенатска ротонда.

Сградата на Върховния съд е проектирана в класическия коринтски архитектурен стил, подбран да бъде в хармония с близките сгради на Конгреса. Неговият монументален вход, обърнат към сградата на Капитолия на САЩ, съдържа централен павилион, подобен на храм, с лице на монументален портик с 16 коринтски мраморни колони, които поддържат сложен антаблемент и фронтон.

В офис сградата на Cannon House и офис сградата на Ръсел сенат техните идентични ротонда съдържат 18 коринтски колони, които поддържат антаблемент и касетен купол, и чийто остъклен окулус залива ротондата с естествена светлина.


Местоположение и първа функция на стълба Кацхи

Стълбът Katskhi се намира в Имерети, който е регион в западната част на Грузия. Този стълб се издига на височина от около 40 метра (131,23 фута) и гледа към долината на реката Катхура. Тъй като Katskhi е толкова забележителна черта в пейзажа, не е изненадващо, че хората му придават специално значение. Преди идването на християнството например, стълбът Katskhi се е смятал, че е бил използван като свещено място от езичници, още преди 2000 години. Смятало се, че монолитът представлява местен бог на плодородието и затова там се провеждат ритуали за плодородие.

С идването на християнството обаче стълбът Кацхи придобива нова функция. Варовиковата колона вече не е свързана с плодовитостта. Вместо това се смяташе за начин да се откъснеш от света. Аскетската практика да се живее на стълб / монолит води началото си от фигурата на св. Симеон Стилитът, свети човек от IV / V век, решил да живее на върха на стълб. Свети Симеон направи това, за да може да се отдалечи от обществото и да посвети времето си на молитва.


Характеристики

Обикновено къщата във федерален стил е проста квадратна или правоъгълна кутия, на два или три етажа висока и две стаи дълбока. Някои домове във федерален стил са направени по -големи, модифицирани с изпъкнали крила, привързани зависимости или дори и двете. В някои федерални домове и сгради може да се намери сложен извит или многоъгълен етажен план, като например с Octagon House във Вашингтон, окръг Колумбия (1799), разположен на 18 -та улица и New York Avenue NW. В историческия квартал Роквил на 103 West Montgomery Avenue, къщата Beall-Dawson е отличен пример за федерален стил.

Много елементи на дизайна във федерален стил са значително занижени. Например, външната декорация във федерални стилове и дизайн обикновено се ограничава до веранда или входен елемент. В сравнение с грузинска къща, колоните и корнизите във федералната архитектура са тесни и доста прости.

Архитектурата на федералния стил често демонстрира геометрични концепции. Елипсовидни, кръгли и ветрилообразни мотиви, образувани от нагънати излъчващи линии, са често срещани декорации, намиращи се в домове и офис сгради във федерален стил. Един от най-старите американски примери за такъв разцвет е на тавана на трапезарията на връх Върнън. Изпълнен в гипс, федералният дизайн съдържа декоративна рамка от росо, украсена с царевични люспи и централна розетка.

Материали

Не е изненадващо, че строителните материали в архитектурата във федерален стил варират в зависимост от местоположението. Североизточните домове обикновено бяха направени от дъски, докато южните къщи често бяха тухлени, както и повечето от домовете във федерален стил в градския север, където противопожарната защита беше много желана.

Танцовите покриви, покрити с балюстрада и прости форми на фронтон (като тези на многобройни федерални градски къщи във Вашингтон, окръг Колумбия) и дори покриви с централен фронтон, увенчан с фронтон на фасаден фронтон, са сред най -популярните федерални стилове на покриви. Къщата на приятелството, разположена на авеню Южна Каролина SE на Капитолийския хълм (около 1795 г.), е пример за фронтон на предната фасада.

Капандурите често пробиват покрива, за да внесат светлина и пространство в таванско помещение. Къщата на Carberry (1803) на 421½ Шеста улица S.E. в района на Капитолийския хълм във Вашингтон е особено добър пример.

Windows

Прозорците никога не са групирани в къща във федерален стил, а са подредени поотделно в строга хоризонтална и вертикална симетрия. Обикновено предните прозорци в дом във федерален стил са пет класирани, въпреки че има примери за три и седем класирани прозорци. Прозорците в паладийски стил често се използват в фронтони като архитектурен разцвет. Прозорците почти винаги са съставени от двойно окачени дървени крила с горната част на крилото, закрепена на място с метални щифтове (тежестите за балансиране все още не са били изобретени). Тънки дървени мунтини разделят прозореца на малки светлини (стъкла). Преди войната за независимост стандартната светлина беше 6 ”x 8”, но с подобряването на технологиите за остъкляване размерът се увеличи до 8 ”x 13”. Като цяло прозорците разполагат с шест над шест светлини, въпреки че девет над девет и други конфигурации могат да бъдат намерени и в няколко домове във федерален стил.

Вход

Подходящо за неговото значение, особено когато е център на строго симетрична фасада, входната врата на федерален дом обикновено е най -украсената част от екстериора на дома. В този случай полукръгла или елипсовидна вентилаторна светлина над вратата със или без странични светлини е любимо устройство, използвано във федералната архитектура.

Оградата на вратата може също да включва богато украсена облицовка или малка входна веранда. Някои дизайнери във федерален стил често засилват драмата на предния вход с криволинейни линии, парапети на предните стълби, железни балкони и дори извити фронтове. Декоративни корнизи, като зъбни зъби, често се използват за подчертаване на корнизи във федералния дизайн.


Коринтският орден

Коринтска столица

Коринтският орден

За да се гарантира, че сградите отразяват сплотено чувство за стил, създават гърците три поръчки архитектура, групи дизайнерски елементи, предназначени да вървят заедно върху външна декорация на сграда. Всички поръчки включваха специфични видове колони, главни букви и декорации. Трите гръцки архитектурни ордена бяха дорийски, който беше най -простият йонийски, който беше малко по -декоративен и гръцки коринтски орден.


Коринтски колони върху сграда в неокласически стил (Пощенска служба на САЩ на Бродуей) в Ню Йорк

Пропорциите на ордените са формирани върху тези на човешкото тяло. The Коринтски, заедно с композитния, е най -украсеният от ордените. Този архитектурен стил се характеризира със стройни набраздени колони и сложни капитули, украсени с листа и свитъци от акант. Както при другите класически стилове, видът на сградата може да поиска модификации на канона на самия стил.

Храмът на Веста, Рим. Той има 20 външни коринтски колони, стоящи на 360-градусов подиум с 5 стъпала.

Характеристики на стила

The най -важните характеристики от коринтски ред са:

· Висящата столица, която е издълбана с два подредени реда от стилизирани листа от акант и четири свитъка.

· Валът има двадесет и четири остри флейти, докато колоната е десет диаметра високи. В своите пропорции коринтската колона е сравнима с Йонна колона, въпреки че е по -тънък и стои отделно от него отличителен резбован капитал.

· The Абак върху столицата има вдлъбнати страни които съответстват на ъглите на столицата и може да имат a розетка в средата на всяка страна.

Структура на коринтска колона

Тази поръчка винаги е била свързана с красотата. Като цяло той е разработен от римляните в израз на най -великото архитектурно шоу . Витрувий описва коринтската колона като имитация на стройността на девойка. Най -старата известна сграда, проектирана в съответствие с този ред, е Хорагическият паметник на лизикратите в Атина.

Репродукция на Хорагическия паметник на Лизикрат, Сидни

Значението на листата на акант

Листата на аканта също са били възприети в християнската архитектура, в гало-римските столици и в надгробните паметници, за да символизират Възкресението, очевидно в романското изкуство, тъй като коринтският орден е бил използван главно за капители в хор на църква. съхранявал мощите на светците, на които Възкресението е било и е обещано, често с номер, символизиращ листа или цветни пъпки.

Коринтска столична фигура на колона от вътрешната украса на килията на храма на Конкордия


Характеристики

Класическата архитектура цени цените като смелост, смирение и интелект. Тези стойности помагат да се дефинират отделни компоненти, които могат да бъдат намерени в няколко класически архитектурни стила. Някои от тези ключови елементи включват следното.

  • Симетрия и пропорции. Класическите сгради обикновено са симетрични и имат елементи като колони и прозорци, които са равномерно раздалечени.
  • Колони в определен стил (или ред). Тези класически поръчки могат да бъдат дорийски, йонийски или коринтски за гръцката архитектура. Римляните също са имали тоскански и композитни ордени.
  • Предна веранда, увенчана с фронтон. Много домове и сгради разполагат с предна веранда с пълна височина, разположена с класически фронтон в горната част. Вратата обикновено е разположена в центъра на къщата.
  • Издръжливи строителни материали. Класическата архитектура включва материали като мрамор, бетон и тухли.
  • Мотиви за класически дизайн. Домовете често имат зъболеене, средни скатни покриви, стрехи в кутия, декоративни рамки на врати и счупени фронтони над входната врата.
  • Правоъгълни прозорци. Прозорците често бяха окачени двойно и включваха различни симетрични конфигурации на прозорци.

История на архитектурата (3000 г. пр. Н. Е. - до днес) Еволюция на строителния дизайн


Базиликата Свети Петър, Рим, показва
Фасадата на Мадерно и адаптираната
Купол, първоначално проектиран от
Микеланджело. Ренесансов стил.


Тадж Махал, Индия (1632-54)
Прекрасен пример за Могол
(Mogul) архитектура.

РЕСУРСИ
За архитектурни термини вижте:
Речник на архитектурата.
За да видите как се вписва архитектурата
в еволюцията на изобразителното изкуство,
виж :: История на изкуството.

Връзка между архитектурата и изкуството

Още от Античността архитектурата - изкуството за проектиране и изграждане на сгради - винаги е била тясно преплетена с историята на изкуството, поне по три причини. Първо, много обществени произведения (особено религиозни сгради) са проектирани с оглед на естетиката, както и на функционалността. Те са създадени, за да вдъхновяват, както и да служат на обществена функция. В резултат на това те включиха услугите на широк кръг „художници“ и декоративни майстори, както и работници. Второ, в много от тези сгради екстериорът и интериорът са действали като витрини за изобразително изкуство (напр. Сикстинската капела), фриз и релефна скулптура (напр. Партенонът, европейските готически катедрали), витражи (напр. Катедралата в Шартр) , и други произведения на изкуството като мозайки и метални изделия. Трето, програмите за обществено строителство обикновено вървят ръка за ръка с развитието на визуалното изкуство, а повечето основни „изкуства“ движения (напр. Ренесанс, барок, рококо, неокласика) оказват влияние както върху архитектурата, така и върху изобразителното изкуство.

Ранната архитектура имаше две основни функции: (1) да консолидира сигурността и силата (2), за да угоди на боговете. Колкото по -богато беше обществото, толкова по -важни станаха тези функции. Вижте също: История на изкуството: Хронология.

Египетска архитектура

Първата голяма цивилизация, възникнала около средиземноморския басейн, е тази на Египет (около 3100-2040 г. пр.н.е.). В допълнение към собствения си писмен език, религия и династична управляваща класа, тя развива уникален стил на египетската архитектура, до голяма степен състояща се от масивни гробни камери под формата на пирамиди (в Гиза) и подземни гробници (в пустата Долина на царете, Луксор). Дизайнът беше монументален, но не архитектурно сложен и използваше постове и прегради, а не арки, въпреки че египетският опит в камъка имаше силно влияние върху по -късната гръцка архитектура. Известни примери за египетска пирамидална архитектура включват: Стъпаловата пирамида на Джосер (ок. 2630 г. пр. Н. Е.), Проектирана от Имхотеп - един от най -големите архитекти на древния свят - и Великата пирамида в Гиза (около 2550 г. пр. Н. Е.), Наричана още Пирамидата на Хуфу или „Хеопсова пирамида“ - най -старото от Седемте чудеса на света, съставено от Антипатър Сидонски (170-120 г. пр. н. е.). По-късно, по време на Средното и Късното царство (около 2040-300 г. сл. Н. Е.), Египтяните построили поредица от дворци в Карнак (напр. Храмът на Амон, 1530 г. пр. Н. Е.). Тези структури бяха украсени с разнообразна гама от произведения на изкуството - малко от които оцеляват - включително стенописи, пана, скулптури и метални изделия, изобразяващи различни богове, божества, владетели и символични животни в уникалния египетски йератичен стил на изкуството, заедно с йероглифични надписи . За по-конкретни подробности вижте: Ранна египетска архитектура (3100-2181) Египетска архитектура на Средното царство (2055-1650) Египетска архитектура на ново царство (1550-1069) Късна египетска архитектура (1069 г. пр.н.е.-200 г. сл. Н. Е.).

За сравнение с пирамидалната архитектура на ранната Америка вижте: Предколумбово изкуство (около 1200 г. пр. Н. Е. - 1535 г. сл. Н. Е.).

Шумерска архитектура

Междувременно в Месопотамия и Персия (ок. 32200-323 г. пр. Н. Е.) Шумерската цивилизация разработва своя уникална сграда - вид стъпаловидна пирамида, наречена зигура. Но за разлика от пирамидите на египетските фараони, зигуратите не са построени като гробници, а като изкуствени планини, за да доближат шумерските владетели и хората до техните богове, които се предполага, че са живели високо в планините на изток. Зигуратите са изградени от тухли, изпечени от глина, често завършени с цветни глазури. За повече подробности вижте: Шумерско изкуство (ок. 4500-2270 г. пр. Н. Е.). За други култури на древен Ирак вижте: асирийско изкуство (около 1500-612 г. пр. Н. Е.) И хетско изкуство (около 1600-1180 г. пр. Н. Е.). За цялостен изглед вижте: Месопотамско изкуство (c.4500-539). Вижте също: Праисторическа хронология на изкуството.

Ранна ирландска архитектура

Към края на каменната епоха церемониалните мегалити (конструкции, изградени от големи камъни), като мегалитната гробница Ноут (около 3300 г. пр. Н. Е.) И гробницата на прохода Нюгрендж, започнаха да се появяват в Северна Европа (Тази форма на мегалитно изкуство е илюстрирана от Стоунхендж каменен кръг.) Или подредени изправени на открито, или заровени и покрити, за да образуват „долмен“, тези тежки каменни конструкции се смятат от повечето археолози, че са имали религиозна или ритуална функция, а в някои случаи подравняването на техните камъни разкрива сложни познания по астрономия. Сложните гравюри, открити в Нюгрейндж, бележат началото на визуалните изкуства в Ирландия. За повече информация за антични и средновековни сгради, моля, вижте Архитектурни паметници на Ирландия. За по -стари типове исторически обекти вижте Археологически паметници на Ирландия.

Първото европейско изкуство на класическата античност е създадено от минойците, базирано на остров Крит. Минойската архитектура използва смес от камък, тухлени тухли и гипс за изграждане на сложни дворци (напр. Дворецът в Кносос около 1700-1400 г. пр. Н. Е.), Както и куполни гробни камери (толос), скрити в хълмовете. Много от тези сгради бяха украсени с цветни стенописи и стенописи, изобразяващи митологични животински символи (например бика) и събития. За съжаление повечето минойска архитектура е разрушена от земетресения около 1200 г. пр. Н. Е. След това Крит е превзет от микенците от континентална Гърция, откъдето няколко века по -късно се появява единна гръцка култура и цивилизация.

Историята на изкуството и архитектурата в Древна Гърция е разделена на три основни епохи: архаичния период (около 600-500 г. пр. Н. Е.), Класическият период (около 500-323 г. пр. Н. Е.) И елинистическият период (ок. 323-27 г. пр. Н. Е.) ). [Вижте също: Егейско изкуство.] Около 600 г. пр. Н. Е., Вдъхновени от теорията и практиката на по -ранните египетски каменоделци и строители, гърците се заеха да заменят дървените конструкции на своите обществени сгради с каменни конструкции - процес, известен като „вкаменяване“. Варовик и мрамор са били използвани за колони и стени, докато теракота е била използвана за керемиди и орнаменти. Декорацията беше направена от метал, като бронз.

Подобно на художници и скулптори, гръцките архитекти не се радват на подобрения статут, предоставен на техните наследници. Те не се възприемаха като художници, а като търговци. По този начин преди 5 век пр.н.е. не са известни имена на архитекти. Най -често срещаните видове обществени сгради бяха храмове, общински структури, театри и спортни стадиони.

Архитектурни методи на Древна Гърция

Гръцка архитектура използва прости прости техники за изграждане на стълбове. Едва през римската ера арката е разработена, за да обхване по -големи разстояния. В резултат на това гръцките архитекти бяха принудени да използват още много каменни колони, за да поддържат къси хоризонтални греди отгоре. Освен това те не биха могли да построят сгради с големи вътрешни пространства, без да имат редици вътрешни опорни колони. Стандартният строителен формат, използван в обществени сгради като Хефестеума в Атина, използва големи блокове варовик или лек порест камък, известен като туф. По -оскъдният и по -ценен мрамор беше запазен за скулптурна декорация, с изключение на най -величествените сгради, като Партенона на Акропола.

Гръцки сграден дизайн

Типичният правоъгълен дизайн на сградата често е бил заобиколен от колони от четирите страни (напр. Партенона) или по -рядко само отпред и отзад (например Храмът на Атина Нике). Покривите бяха положени с дървени греди, покрити с теракота, и не бяха куполни. Фронтоните (сплесканата триъгълна форма във всеки фронтонен край на сградата) обикновено бяха изпълнени със скулптурна украса или фризове, както и редицата прегради по върха на всяка странична стена, между покрива и върховете на колоните. В края на IV и V век пр. Н. Е. Гръцките архитекти започнаха да се отклоняват от строго правоъгълния план на традиционните храмове в полза на кръгла структура (толос), украсена с черен мрамор, за да подчертае някои архитектурни елементи и да осигури богати цветови контрасти.

Тези сгради са били украсени с огромна гама от гръцки скулптури - фронтони, фризове, релефи и различни видове свободно стоящи статуи - от образен характер, изобразяващи митологични герои и събития от гръцката история и култура.

Принципи на гръцката архитектура: Класически ордени

Теорията за гръцката архитектура - може би най -влиятелната форма на класическото гръцко изкуство - се основава на система от „класически поръчки“ - правила за проектиране на сгради въз основа на пропорции между и между отделните части. Това доведе до естетично консистенция на външния вид, независимо от размера или използваните материали. В ранната гръцка архитектура имаше три поръчки: Дорийски, Йонна и Коринтски. Дорическият стил е разпространен в континентална Гърция и по -късно се разпространява в гръцките колонии в Италия. Йонският стил е използван в градовете Йония по западното крайбрежие на Турция и други острови в Егейско море. Там, където дорийският стил беше официален и строг, йонийският беше по -малко сдържан и по -декоративен. Третият стил, коринтският, дойде по -късно и представлява по -богато развитие на йонийския ред. Разликите между тези стилове са най -ясно видими в съотношението между диаметъра на основата и височината на колоните им. Дорическата архитектура (илюстрирана от гръцките структури, като Партенона и Храма на Хефест в Атина) е била по-популярна през класическата епоха, докато йонийският стил е взел надмощие през по-спокойния период на елинистичното изкуство (ок. 233-30 г. пр.н.е. ).

Известни сгради на древна Гърция

Известни примери за древногръцка архитектура включват: комплексът на Акропола (550-404 г. пр. Н. Е.), Включително Партенона (447-422 г. пр. Н. Е.), Храмовете в Пестум (550 г. пр. Н. Е.), Храмът на Зевс в Олимпия (468-456 г. пр. Н. Е.), Храмът на Хефаист (около 449 г. пр. н. е.), Храмът на Атина Ника (427 г. пр. н. е.), Театърът в Делфи (около 400 г. пр. н. е.), Храмът Толос на Атина Проная (380-360 г. пр. н. е.) и Пергамският олтар на Зевс (около 166-156 г. пр.н.е.). Вижте също: Скулптура на Древна Гърция.

За разлика от по -креативните и интелектуални гърци, римляните бяха по същество практични хора с усет към инженерните, строителните и военните въпроси. В тяхната архитектура, както и в тяхното изкуство, те заемат много както от етруските (напр. В използването на хидравлика за разчистване на блата и при изграждането на арки), така и от гърците, които те смятат за свои началници във всички визуални елементи изкуства. Въпреки това, без римското изкуство - със своя гений за копиране и адаптиране на гръцки стилове - повечето от художествените постижения на гръцката античност биха били изгубени.

Архитектурни приоритети на Древен Рим

Римска архитектура обслужва нуждите на Римската държава, която се стреми да впечатли, забавлява и обслужва нарастващо население в относително ограничени градски райони. Отводняването беше често срещан проблем, както и сигурността. Това, заедно с нарастващото желание на Рим да увеличи силата и величието си в цяла Италия и извън нея, изискваше обществените сгради да бъдат внушителни, мащабни и изключително функционални. Това се илюстрира с римските архитектурни постижения в дренажните системи, акведуктите (напр. Акведукта в Сеговия, 100 г. сл. Хр. И над 11 акведукта в самия град Рим, като Аква Клаудия и Анио Новус), мостовете (напр. Pont du Gard) пътища, общински структури като обществени бани (напр. Баните на Каракала и баните на Диоклециан), спортни съоръжения и амфитеатри (напр. Колизеум 72-80 CE), дори системи за централно отопление. Построени са и множество храмове и театри. По-късно, с разпространението на империята им, римските архитекти се възползват от възможността да създават нови градове от нулата, проектирайки градоустройствени мрежови планове въз основа на две широки улици-ос север-юг (кардо) и ос изток-запад (декуманус) . Центърът на града се намираше на кръстовището на двата пътя. Те също така построиха нагоре, например, Остия, богат пристанищен град близо до Рим, се похвали с редица 5-етажни жилищни блокове.

Архитектурни постижения: Арки и усилващ бетон

Римската архитектура беше подпомогната от голям напредък както в дизайна, така и в новите материали. Дизайнът беше подобрен чрез архитектурни разработки в изграждането на арки и покривни куполи. Арките подобриха ефективността и възможностите на мостовете и акведуктите (бяха необходими по -малко опорни колони за поддържане на конструкцията), докато куполните покриви не само позволиха изграждането на по -големи открити площи под прикритие, но и придадоха на екстериора впечатляващ вид на величие и величие, както в няколко важни светски и християнски базилики, като Пантеона.

Развитието на материалите също е от решаващо значение, както е описано от римския архитект Витрувий (ок. 78-10 г. пр. Н. Е.) В неговата книга De Architectura. Това е илюстрирано от римското изобретение на бетон (opus cementicium), смес от варов разтвор, пясък, вода и камъни, през 3 век пр.н.е. Този изключително здрав и удобен заместител на камъка революционизира римското инженерство и архитектура. Тъй като бетонът, покрит с плочки, започна да замества мрамора като основен строителен материал, архитектите биха могли да бъдат по-смели. Сградите бяха освободени от правоъгълния гръцки дизайн-план (с неговите непокрити покриви и линии от колони, поддържащи плоски архитрави) и станаха по-малко геометрични и по-свободно течащи.

Подобно на своите египетски и гръцки предшественици, архитектите в древен Рим украсяват своите обществени сгради с широк спектър от произведения на изкуството, включително: римска скулптура (особено релефи, статуи и бюстове на императора), стенописи и мозайки.

Известни сгради на древен Рим

Две от най -големите структури на Древен Рим бяха Колизеумът (елипсовидният флавиев амфитеатър в центъра на Рим) и Траяновата колона (паметник на император Траян). Разположен на изток от Римския форум, Колизеумът се изгражда за 8 години и има места за 50 000 зрители. Историците и археолозите изчисляват, че зашеметяващите 500 000 души и над 1 милион диви животни са загинали в „игрите“ в Колизеума. Колоната на Траян, разположена близо до хълма Квиринал, северно от Римския форум, е завършена през 113 г. Той е известен със своята великолепна и много детайлна спирална барелефна скулптура, която кръжи около шахтата на паметника 23 пъти и разказва победата на Траян в Дакийските войни. Самият вал е направен от 20 огромни блока от карарски мрамор, всеки с тегло около 40 тона. Издига се на около 30 метра височина и 4 метра ширина. По -малък, но не по -малко важен римски паметник беше Ara Pacis Augustae (13-9 г. пр.н.е.)

Влияние на политиката и религията върху римската архитектура

През 330 г., приблизително по времето, когато базиликата Свети Петър е завършена, римският император Константин I обявява, че град Византия (по -късно преименуван на Константинопол, сега Истанбул в Турция), ще бъде столица на Римската империя. По -късно, през 395 г. сл. Н. Е., След смъртта на император Теодосий, империята е разделена на две части: западна половина, базирана първо в Рим, докато не бъде разграбена през V в. Н. Е., След това Равена (вж. Мозайки от Равена) и източна половина, базирана в по -сигурния град Константинопол. Освен това християнството (по -рано малцинствена секта) е обявено за единствената официална религия в цялата империя. Тези близнаци повлияха върху архитектурата по два начина: първо, преместването в Константинопол помогна за запазването и удължаването на римската култура, която иначе би могла да бъде унищожена от варварските нашественици в Италия, второ, появата на християнството даде това, което стана доминираща тема на архитектурата и визуалните изкуства през следващите 1200 години.

Византийска архитектура (330-554 г.)

Византийските архитекти - включително много италианци, които са се преместили в новата столица от Италия - продължават свободно течащата традиция на римската архитектура, изграждайки редица великолепни църкви и религиозни сгради, през епохата на ранното християнско изкуство, като: църквата "Хора" (c.333) Света Ирина (c.360) и църквата „Св. Сергий и Вакх“, всички в Истанбул Църквата „Света София“ в София, България (527-65), страхотната Света София (532-37 ), който замени опустошената Константинополска катедрала и църквата „Света София“ в Солун. Големите светски сгради включват: Големият дворец на Константинопол и Цистерната на базиликата.

Новите архитектурни техники включват използването на вдлъбнати триъгълни участъци от зидария, известни като висящи, за да се пренесе тежестта на купола на тавана до ъгловите стълбове. Това доведе до изграждането на по -големи и по -великолепни куполи и по -голямо открито пространство в сградата, както е илюстрирано в Света София. Новите декоративни методи включват въвеждането на ослепителни мозайки, направени от стъкло, а не от камък, използвани от римляните. Интериорът на църквите също е бил богато украсен с византийско изкуство, като позлата, стенописи и релефни скулптури - но не и статуи, тъй като те не са били почитани като икони.

Използване на икони във византийската религиозна архитектура

Във византийската или източноправославната традиция на християнското изкуство в религиозното изкуство са допустими само плоски изображения или скулптури с нисък релеф. Тази културна традиция приема, че триизмерните представи прославят човешкия аспект на плътта, а не божествената природа на духа, като по този начин се противопоставят на триизмерните религиозни образи. (Римските християни не са приели тези забрани, така че все още имаме религиозна скулптура в католическата и протестантската архитектура.) Както и да е, византийският стил на иконография се развива по силно стилизиран начин и има за цел да представи сложното богословие по много прост начин , което дава възможност да се образоват и вдъхновяват дори неграмотните. Например цветът беше много важен: златото представляваше сиянието на небето червено, божественият живот синият беше цветът на човешкия живот, бялото беше нетварната същност на Бог, използвана например в иконописта на Възкресение Христово. Обикновено Исус носи червено бельо със синя връхна дреха (означаваща Бог става Човек), докато Мария носи синьо бельо с червена връхна дреха (което означава, че хората всъщност могат да достигнат до Бог). За повече информация вижте: Християнско изкуство (Византийски период).

След ранния период на византийската архитектура (около 300-600 г.), който до голяма степен е продължение на римската архитектура, настъпва Среден период (около 600-1100 г.), забележителен само с популярността на типа кръстосан в квадрат архитектурен църковен дизайн (примерите включват манастира Хосиос Лукас в Гърция (около 1000 г.) и манастира Дафни близо до Атина (около 1050 г.) след това настъпват Комнинският и Палеоложкия период (около 1100-1450 г.), известни само с редки постижения като Елмали Килисе и други скални светилища на Кападокия, църквите на Пантократора и на Богородица Кириотиса в Константинопол.

Тъй като Източната Римска империя продължава, византийската архитектура постепенно става все по -повлияна от източните традиции на строителство и декорация. Геометричната сложност на сградите нараства, докато тухли и гипс се използват в допълнение към камък за декоративни цели, като външните зигзагообразни шарки. Предишните „класически поръчки“ или стилове се тълкуваха по -свободно, а прозорците филтрираха светлината през тънки листове от алабастър, за да създадат по -меко осветление. Двата основни проекта са базиликален или аксиален тип (напр. Базиликата при Гроба Господен, Йерусалим) и кръгъл или централен тип (напр. Голямата осмоъгълна църква в Антиохия).

Византийско архитектурно наследство

На Запад византийските дизайни повлияха на европейското художествено възраждане под формата на Каролингско изкуство (750-900) и Отонско изкуство (900-1050), което доведе до романска и готическа архитектура. На изток тя продължава да оказва значително влияние върху ранното ислямско изкуство и архитектура, както е илюстрирано от Великата джамия на Омаядите в Дамаск и Купола на скалата в Йерусалим, докато в България, Русия, Сърбия, Грузия, Украйна и други православни държави, той издържа още по -дълго.

The term Romanesque architecture is sometimes used to cover all immediate derivations of Roman architecture in the West, following the collapse of Rome until the flowering of the Gothic style in about 1200. More usually however, it denotes a distinctive style that emerged almost simultaneously in France, Germany, Italy and Spain (the latter also influenced by Moorish designs) in the 11th century. It is characterized most obviously by a new massiveness of scale, inspired by the greater economic and political stability that arrived after centuries of turmoil.

Charlemagne I and Otto I

The Romanesque revival of medieval Christian art began with Charlemagne I, King of the Franks, who was crowned Holy Roman Emperor in St. Peter's Rome, by Pope Leo III in 800. Famous for his Carolingian art, curiously, his major architectural achievement - the Palatine Chapel in Aachen (c.800) - was not inspired by St Peter's or other churches in Rome, but by the octagonal Byzantine-style Basilica of San Vitale in Ravenna. See also Medieval Sculpture.

Unfortunately, the Carolingian empire rapidly dissolved, but Charlemagne's patronage of architecture and the arts to promote Christianity, marked a vital first step in the re-emergence of a European-wide culture. Moreover, many of the Romanesque and Gothic churches and monasteries were built on the foundations of Carolingian architecture. Charlemagne's pre-Romanesque architectural efforts were later continued by Otto 1 (Holy Roman Emperor 936-73), in a style known as Ottonian Art, which gave way to the fully fledged 'Romanesque.' (Note: the Romanesque style in England and Ireland is commonly referred to as Norman architecture.)

Christianity continued to be the dominant driving force for most significant building works. The flowering of the Romanesque style in the 11th century coincided with the reassertiveness of Rome, as the capital of Christianity, and its influence upon secular authorities led to the Christian re-conquest of Spain (began 1031) and the Crusades to free the Holy Land from Islamic control. The acquisition of Holy Relics by the Crusaders, together with the fervour aroused by their campaigns, triggered the construction of a wave of new churches and cathedrals across Europe. In Italy, they include the Cathedral of Pisa with its famous leaning campanile (bell tower), Modena Cathedral and Parma Cathedral, as well as famous churches like the Santa Maria (Rome), the Baptistery (Florence), and San Zeno Maggiore (Verona). In France, they include Laon Cathedral (among others), and the abbeys of Cluny, Aux Dames (Caen) and Les Hommes (Mont Saint-Michel). In England, they include 26 out of 27 ancient Cathedrals, such as Winchester, Ely and Durham. In Germany, they include Augsburg and Worms Cathedrals (among others) and the abbeys of Mainz, Worms, Speyer and Bamberg. (See German Medieval Art.) In addition to its influence over international politics, the Roman Church also exercised growing power through its network of Bishops and its close association with Monastic orders such as the Benedictines, the Cistercians, Carthusians and Augustinian Canons. From these monasteries, Bishops and Abbots exercised a growing administrative power over the local population, and devoted huge resources to religious works, including illuminated gospel manuscripts, cultural scholarship, metalwork, sculpture and church building. This is exemplified by the powerful Benedictine monastery at Cluny in Burgundy, whose abbey church typified the Romanesque style of architecture and became the largest building in Europe until the Renaissance.

Features of Romanesque Architecture

Although they relied on several design features from Greek and Roman Antiquity, Romanesque architects had neither the imagination of the Greeks, nor the engineering ability of the Romans. For example, Roman building techniques in brick and stone were largely lost in most parts of Europe. In general, the style employed thick walls, round arches, piers, columnsgroin vaults, narrow slit-windows, large towers and decorative arcading. The basic load of the building was carried not its arches or columns but by its massive walls. And its roofs, vaults and buttresses were relatively primitive in comparison with later styles. Interiors were heavy with stone, had dim lighting and - compared with later Gothic styles - simple unadorned lines. Romanesque churches tended to follow a clearly defined form, and are recognizable throughout Europe. Only rarely did one see traces of Byzantine or Eastern influence, except along trade routes. A notable example is the domed St Mark's Basilica in Venice.

Despite its relative simplicity of style, Romanesque architecture did reinstigate two important forms of fine art: sculpture (which had largely disappeared since the fall of Rome) and stained glass. But given the size of windows in Romanesque style buildings, the latter remained a relatively minor element in Medieval art until the advent of Gothic designs. See also: Romanesque Sculpture.

Romanesque Revival architecture was a 19th century style championed by architects like the Louisiana-born Henry Hobson Richardson (1838-86), who was responsible for "Richardsonian Romanesque", as exemplified by the Marshall Field Wholesale Store (1885-87), in Chicago.

NOTE: For a comparison with Eastern designs of the same period, see: the 11th century Kandariya Mahadeva Hindu Temple (1017-29) in India and the 12th century Angkor Wat Khmer Temple (1115-45) in Cambodia.

The term 'Gothic' denotes a style of architecture and art that superceded Romanesque, from the mid-12th century to the mid-15th century. Coined originally as a term of abuse by Italian Renaissance artists and others like Christopher Wren, to describe the type of Medieval architecture they considered barbaric, as if to suggest it was created by Gothic tribes who had destroyed classical art of Antiquity, the Gothic art style is characterized by the use of pointed arches, thinner walls, ribbed vaults, flying buttresses, huge stained glass windows and elaborate tracery. Think of it as a sort of finer, more vertical, more detailed, brighter, more exciting and more inspirational form of Romanesque. The Gothic style as applied to cathedrals is usually divided into two variations: Rayonnant Gothic Architecture (c.1200-1350) and Flamboyant Gothic Architecture (1375-1500). Modern critics like John Ruskin had a high opinion of the Gothic style. For more, see: Gothic Architecture. See also: Gothic Sculpture.

The 12th century was a period of growth in trade and urban development throughout Europe. This inceasing prosperity, together with advances in science and geometry, plus new ideas about how cathedrals could be built in order to inspire religious devotion among the masses, were all important factors in the development of gothic architecture. Although the new style was closely associated with the promotion of religion, and although much of the gothic building program was financed by monastic orders and local bishops, it was not a religious architectural movement. In a way, Christianity was a product brand used by secular authorities, to compete for prestige and influence. As a result, Kings and lesser administrators saw cathedrals as major civic and commercial assets, and supported their construction accordingly.

Key Feature of Gothic Architecture

The principal feature of the Gothic style is the pointed arch, believed by many experts to originate in Assyrian, and later, Islamic architecture. This feature, which channeled the weight of the ceiling onto weight-bearing piers or columns at a much steeper angle than was previously possible with the Romanesque 'rounded' arches, permitted architects to raise vaults much higher and thus create the impression of 'reaching towards heaven'. It also led to the adoption of numerous other features. Instead of massively thick walls, small windows and dim interiors, the new Gothic buildings had thin walls, often supported by flying buttresses, and huge stained glass windows, as exemplified by Sainte Chapelle (1241-48) in Paris. The soaring ceilings and brighter light revolutionized ecclesistical design by tranforming the interior of many cathedrals into inspirational sanctuaries. (See also: Stained Glass Art: Materials and Methods.)

The Gothic Cathedral - A Mini-Universe

In keeping with the new and more confident philosophy of the age, the Gothic cathedral was seen by architects and churchmen as representing the universe in miniature. Each element of the building's design was intended to convey a theological message: the awesome glory of God. Thus the logical and ordered nature of the structure reflected the clarity and rationality of God's universe, while the sculptures, stained glass windows and murals illustrated the moral messages of the Bible.

The Church of Saint-Denis (c.1137-41)

The building which marks the real beginning of the Gothic era was the Abbey Church of Saint-Denis, near Paris. Begun under the direction of Abbot Suger, friend of the French Kings, Louis VI and Louis VII, the church was the first structure to use and unify all of the elements that define Gothic as an architectural style. Although pointed arches, column clusters and cross-rib vaulting had all been used before, it wasn't until Saint-Denis that these features came together in a coherent whole, and the building became a sort of prototype for more churches and cathedrals in the region known as the Ile de France. In due course, the style spread throughout France, England, the Low Countries, Germany, Spain and Italy. (See also: English Gothic Sculpture and German Gothic Sculpture.)

Examples of Ecclesiastical Gothic Architecture

Although used in the design and construction of palaces, castles, municipal town halls, guild halls, abbeys and universities, the Gothic style is best exemplified by the Gothic cathedrals of Northern France. The greatest examples include: Notre-Dame Cathedral Paris (1163-1345) Reims Cathedral (1211-1275) Chartres Cathedral (1194-1250) and Amiens Cathedral (1220-1270) (in Germany) Cologne Cathedral (1248-1880) (in Austria) St Stephen's Cathedral Vienna (in Spain) the cathedrals of Burgos, Toledo and Leon (in Italy) Florence, Milan and Siena while English Gothic architecture is best represented by Westminster Abbey, York Minster and the cathedrals of Salisbury, Exeter, Winchester, Canterbury and Lincoln.

Renaissance-Style Architecture (1400-1620)

Financed by commercial prosperity and competition between city-states, such as Florence, Rome and Venice, as well as rich families like the Medici banking dynasty in Florence and the Fuggers banking family in Germany, the Renaissance was neverthess a triumph of will over world events. Not long before, there had been a run of disastrous European harvests (1315-19) the Black Death plague (1346) which wiped out one third of the European population the 100 Years War between England and France (1339-1439), and the Christian Church was polarized by schism. Hardly ideal conditions for the rebirth or rinacimento което последва. As it was, the 16th century Popes in Rome almost bankrupted the Church in the early 16th century due to their profligate financing of fine buildings and the visual arts.

Renaissance architecture was catalyzed by the rediscovery of architectural styles and theories of Ancient Rome. The first depictions of this Classical architecture emerged in Italy during the early 15th century when a copy of De Architectura ("Ten Books Conerning Architecture") by the 1st century Roman architect Vitruvius, was sudddenly unearthed in Rome. At the same time, the Florentine architect and artist Filippo Brunellesci (1377-1446) had begun studying ancient Roman designs, and was convinced that ideal building proportions could be ascertained from mathematical and geometrical principles. It was Brunellesci's magnificent 1418 design for the dome of the Florence Cathedral (1420-36) - now regarded as the first example of Renaissance architecture - which ushered in a new style based on the long-neglected placement and proportion rules of Classical Antiquity.

Famous Renaissance Architects

Another important Renaissance architect was Leon Battista Alberti (1404-72), who is still revered as one of the founders of modern architectural theory. Believing that ideal architectural design was based on the harmony of structure, function and decoration, he was greatly inspired by the theory and practice of ancient Roman architects and engineers.

Other famous Italian architects included: (1) Donato Bramante (1444-1514), the leading designer of the High Renaissance (2) Guiliano da Sangallo (1443-1516), an important intermediary architect between the Early and High Renaissance periods (3) Микеланджело Буонароти (1475-1564), a leading architect, as well as one of the greatest sculptors and painters of the age (4) Baldassare Peruzzi (1481-1536), an important architect and interior designer (5) Raffaello Santi (Raphael) (1483-1520), a visionary designer as well as painter (6) Michele Sanmicheli (1484-1559), the most famous pupil of Bramante (7 & 8) Jacopo Sansovino (1486-1570) and Andrea Palladio (1508-1580), the two top figures in Venetian Renaissance architecture (9) Giulio Romano (1499-1546), the main exponent of Italian Mannerist-style architecture (10) Джорджо Вазари (1511-1574) who designed the loggia for the Uffizi gallery and the connecting Vasari Corridor and (11) Vincenzo Scamozzi (1548-1616) one of the great theorists of the late Renaissance.

Features of Renaissance Architecture

Put simply, Renaissance buildings were modelled on the classical architecture of the Greeks and Romans, but retained modern features of Byzantine and Gothic invention, such as complex domes and towers. In addition, while replicating and improving on Classical scupture, they also incorporated modern mosaics and stained glass, along with outstanding fresco murals. Renaissance architecture can be seen in countless examples of churches, cathedrals and municipal buildings across Europe, (eg. in many French Chateaux, such as Fontainebleau Chateau, home of the Fontainebleau School: 1528-1610) and its style has been reapplied in later ages to famous structures as diverse as the US Capitol and the UK National Gallery. (In England, the style is sometimes known as Elizabethan architecture.)

Supreme Examples of Renaissance Architecture

The two greatest Renaissance-style structures are undoubtedly the redesigned St Peter's Basilica in Rome and the cathedral in Florence, both of which were highlights of the Grand Tour (1650-1850).

Inspired by civic rivalry between the Ducal States, Brunellesci's dome made the Florentine cathedral the tallest building in Tuscany. In its architectural design, it combined the Gothic tradition of stone vaulting and the principles of Roman engineering. Its herring-bone bonding of brickwork and concentric rings of masonry blocks dispensed with the need for centring, which was unmanagable at the height involved.

Commissioned by Pope Julius II (1443-1513), the rebuilding of the 1,100 year old church of St Peter's in Rome (1506-1626) was the work of numerous architects, including Bramante, Raphael, Sangallo, Maderno, Michelangelo and Bernini, and extended beyond the High Renaissance into the Mannerist and Baroque eras. Its features include a 87-feet high lantern on top of a huge ovoid dome (altered from Michelangelo's hemispherical design due to fears of instability), and a frontal facade incorporating a gigantic Order of pilastered Corinthian columns, each 90 feet high. At 452 feet, St Peter's is taller than any other Renaissance church.

Baroque Architecture (1550-1790)

As the 16th century unfolded, the religious, political and philosophical certainties which had prevailed during the Early (c.1400-85) and High (1486-1520) Renaissance periods, began to unravel. In 1517, Martin Luther sparked the Protestant Reformation, casting European-wide doubt on the integrity and theology of the Roman Church. This was the catalyst for several wars involving France, Italy, Spain and England, and led directly to the Counter-Reformation movement, launched by Rome, to attract the masses away from Protestantism. Renewed patronage of the visual arts and architecture was a key instrument in this propaganda campaign, and resulted in a grander, more dramatic style in both areas. For the rest of the century, this more dynamic style was known as Mannerism (style-ishness), and thereafter, Baroque - a term derived from the Portugese word barocco, meaning 'an irregular pearl'.

Key Features of the Baroque Style

Baroque architecture can be seen as a more complex, more detailed, more elaborate, more ornamented form of Renaissance architecture. More swirls, more complex manipulation of light, colour, texture and perspective. On the outside of its churches, it featured more ostentatious facades, domes, columns, sculpture and other embellishments. On the inside, its floor-plans were more varied. Long, narrow naves were displaced by wider, sometimes circular shapes separate chapels and other areas were created, along with trompe l'oeil effects ceilings were covered in fresco paintings. The whole thing was designed to interest, if not dazzle, the spectator.

Baroque was an emotional style of architecture, and took full advantage of the theatrical potential of the urban landscape. This is exemplified above all by Saint Peter's Square (1656-67) in Rome, in front of the domed St Peter's Basilica. Its architect, Giovanni/Gianlorenzo Bernini rings the square with colonnades, which widen slightly as they approach the cathedral, conveying the impression to visitors that they are being embraced by the arms of the Catholic Church. The entire approach is constructed on a gigantic scale, to induce feelings of awe.

In general, Baroque architecture constituted part of the struggle for religious superiority and for the hearts and minds of worshippers across Europe. On a more political level, secular Baroque architecture was employed to buttress the absolutism of reigning monarchs, like King Louis XIV of France, among others. From Italy, it spread to the rest of Europe - especially Catholic Europe - where each country typically developed its own interpretation. See also: German Baroque Art.

Celebrated Baroque Architects

Famous Baroque architects included: Giacomo Barozzi da Vignola (1507-73), papal architect to Pope Julius III and the Farnese family Gianlorenzo Bernini (1598-1680), a designer who perfectly expressed the ideals of the Counter Reformation Francesco Borromini (1599-1667), a lifelong rival of Bernini Pietro Berrettini da Cortona (1596-1669), a protege of Pope Urban VIII (see also quadratura) Francois Mansart (1598-1666), designer of French townhouses and chateaux like the Château de Maisons, whose name was given to the mansard roof (sic) his great-nephew Jules Hardouin Mansart (1646-1708), designer of the great dome of Les Invalides in Paris and Louis Le Vau (1612-70), another famous French Baroque architect, responsible for the church of Saint-Sulpice in Paris and the Wings of the Louvre. Jules Hardouin Mansart and Louis Le Vau were the main architects of the Palace of Versailles (begun 1623), creating such extravagancies as the Hall of Mirrors and the Marble Court. In Germany, an iconic Baroque structure is the Wurzburg Residenz (1720-44), designed by Balthasar Neumann (1687-1753).

In England, the leader of the Baroque style was Sir John Vanbrugh (1664-1726), designer of Blenheim Palace while in Russia, Bartolomeo Rastrelli (1700-1771) was chiefly responsible for the style known as Russian Baroque, but which incorporated elements of both early Neoclassical and Rococo architecture. Rastrelli designed the Winter Palace (1754-62), Smolny Cathedral (1748-57) in St Petersburg, and redesigned Catherine's Palace, outside the city.

Rococo Architecture (1715-89)

During the last phase of Baroque, the reign of King Louis XV of France witnessed a revolt against the earlier Baroque style of Louis XIV's court, and the emergence of a more decorative, playful style of architecture, known as Rococo. An amalgam of the words 'rocaille' (rock) and 'coquillage' (sells), reflecting its abundance of flowing curved forms, Rococo was championed by Nicolas Pineau, who partnered Jules Hardouin-Mansart in designing interiors for the royal Château de Marly.

Unlike other major architectural movements, like Romanesque, Gothic or Baroque, Rococo was really concerned with interior design. This was because it emerged and remained centred in France, where rich patrons were unwilling to rebuild houses and chateaux, preferring instead to remodel their interiors. And the style was far too whimsical and light-hearted for the exteriors of religious and civic buildings. As a result, Rococo architects - in effect, interior designers - confined themselves to creating elaborately decorated rooms, whose plasterwork, murals, tapestries, furniture, mirrors, porcelain, silks, chinoiserie and other embellishments presented the visitor with a complete aesthetic experience - a total work of art (but hardly architecture!)

Rococo perfectly reflected the decadent indolence and degeneracy of the French Royal Court and High Society. Perhaps because of this, although it spread from France to Germany, where it proved more popular with Catholics than Protestants, it was less well received in other European countries like England, The Low Countries, Spain and even Italy. It was swept away by the French Revolution and by the sterner Neoclassicism which heralded a return to Classical values and styles, more in keeping with the Age of Enlightenment and Reason.

Neoclassical Architecture (1640-1850)

Early Neoclassical Forms

Neoclassicism did not appear overnight. In its early forms (1640-1750), it co-existed with Baroque, and functioned as a corrective style to the latter's more flamboyant excesses. Thus in England, Sir Christopher Wren (1632-1723) designed St Paul's Cathedral, the Royal Observatory in Greenwich, the Royal Chelsea Hospital and the Sheldonian Theatre in Oxford, in a style which is much more classicist than Baroque, even though he is still classified as a Baroque architect. Other early English Neoclassicist designers included Inigo Jones (1573-1652) and William Kent (1685-1748).

Features of Neoclassicism Proper (1750-1850)

A timely support for ancien regimes throughout Europe, from St Petersburg to Vienna, and a model for youthful empires-to-come like the United States of America, Neoclassical art was yet another return to the Classical Orders of Greek and Roman Antiquity. Although, as in the Renaissance, the style retained all the engineering advances and new materials of the modern era. It was characterized by monumental structures, supported or decorated by columns of Doric, Ionic or Corinthian pillars, and topped with classical Renaissance domes. Technical innovations of late 18th century architecture like layered cupolas and inner cores added strength to domes, and their dimensions increased, lending increased grandeur to civic buildings, churches, educational facilities and large private homes.

Neoclassical architecture originated in Paris, largely due to the presence of French designers trained at the French Academy in Rome. Famous French architects included: Jacques Germain Soufflot (1713-80), who designed the Pantheon (1756-97) in Paris Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), designer of the Royal Saltworks at Arc-et-Senans (1773-93) and the Cathedral of Saint-Germaine (1762-64) and Jean Chalgrin, who designed the Arc de Triomphe (1806). In England the tradition was maintained by Paris-trained Sir William Chambers, Robert Adam (1728-92), Джон Наш (1752-1835), Sir John Sloane (1753-1837), William Wilkins (1778-1839) and Sir Robert Smirke (1780-1867). It was quickly adopted by progressive circles in Sweden as well. In Germany, Neoclassical architects included: Carl Gotthard Langhans (1732-1808), designer of the Brandenburg Gate (1789-91) in Berlin Karl Friedrich Schinkel (1781-1841), responsible for the Konzerthaus on Gendarmenmarkt (1818-21), the Tegel Palace (1821-4), and the Altes Museum (1823-30), all in Berlin. These two architects transformed the Prussian capital of Berlin to rival Paris or Rome in classical splendour.

Russian Neoclassicism

Rastrelli's Baroque style Russian buildings, like the Winter Palace (1754-62), did not find favour with Catherine the Great (1762-1850), who preferred Neoclassical designs. As a result, she summoned the Scottish architect Charles Cameron (c.1745�), who built the Pavlovsk Palace (1782-86) near St Petersburg, the Razumovsky Palace in the Ukraine (1802) and the Alexander Palace outside St Petersburg (1812). Other important neoclassical architects for the Russian Czars included: Vincenzo Brenna (Cameron's pupil), Giacomo Quarenghi и Matvey Fyodorovich Kazakov.

American Neoclassicism

The United States Capitol Building, with its neoclassical frontage and dome, is one of America's most recognizable and iconic structures. Begun in 1793, its basic design was the work of William Thornton (1759-1828), reworked by Benjamin Latrobe (1764-1820), Stephen Hallet и Charles Bulfinch (1763-1844). The dome and rotunda were initially built from wood, but later replaced with stone and iron. The overall design was inspired by both the eastern facade of the Louvre Museum in Paris, and by the Pantheon in Rome. Latrobe himself went on to design numerous other buildings in America, in the Neoclassical style including: the Bank of Pennsylvania (1789), Richmond Capitol (1796), the Fairmount Waterworks, Philadelphia (1799), and the Baltimore Exchange (1816), to name but a few. Bulfinch completed the Capitol in the 1820s, setting the template for other state capitols in the process, and then returned to his architectural practice in Boston. A key figure in the development of American architecture during the early 19th century, was the third US President Томас Джеферсън (1743-1826), whose strong preference for neoclassicism, in the design of public buildings, had a strong influence on his contemporaries.

19th Century Architecture

19th-Century architecture in Europe and America witnessed no new important design movements or schools of thought. Instead, there emerged a number of revivals of old styles. These included: The Greek Revival (American followers included Jefferson and Latrobe) the Gothic Revival - led by Viollet-le-Duc in France American followers included Richard Upjohn (1802-78) and James Renwick (1818-95) a Neo-Romanesque Revival (1849-1880), led by Henry Hobson Richardson Beaux-Arts architecture - a fusion of neo-Renaissance and neo-Baroque forms, practiced by Richard Morris Hunt (1827-95) - best known for designing the plinth of the Статуя на свободата (1870-86) - and by the Ohio-born Cass Gilbert (1859-1934) and the Втора империя style (1850-80) in France, which was characterized by a revival of the Mansard Roof. The only monumental architectural masterpiece was the Eiffel Tower (1885-89), built by the French architect Stephen Sauvestre and the French engineer Gustave Eiffel (1832-1923). Wrought iron frameworks were also a feature of Victorian architecture in Britain (1840-1900) - thanks to Robert Stephenson (1803-59) and Isambard Kingdom Brunel (1806-59) - as were other new materials, like glass - as used in the construction of Crystal Palace, designed by Joseph Paxton (1801-65). Popular Victorian styles included Neo-Gothic and Jacobethan. A giant replica of a viaduct pylon, the tower is built entirely from iron girders. The only significant exception to the above Revivalist movements was the fin de siecle appearance of Art Nouveau architecture, pioneered by Antoni Gaudi (1852-1926), Victor Horta (1861-1947) and Hector Guimard (1867-1942), and by Secessionists like the Viennese architect Joseph Maria Olbrich (1867-1908).

The greatest ever American architect, Frank Lloyd Wright (1867-1959) revolutionized spatial concepts with his Prairie house style of domestic architecture, introducing open-plan layouts and the widespread use of unfinished natural materials. Prairie School architecture is exemplified by Robie House (1910), Fallingwater (1936-37), Unity Temple (1936-39), Imperial Hotel Tokyo, Textile Block Houses, Johnson Wax Building (1936-39), Usonian House (mid-1930s), Price Tower (1955), Guggenheim Museum NY (1956-9). Influenced by American colonial architecture, 19th century Shingle style designs and Japanese architecture, as well as the Arts and Crafts movement, he also paid the closest attention to the detail of interior fixtures and fittings and the use of natural, local materials. Wright's work showed that European traditionalism (and modernism) was not the only answer to architectural issues in the United States.

However, an immense amount of development in both building design and engineering took place in American architecture, at this time, due to the Chicago School and the growth of skyscraper architecture, from 1849 onwards. These supertall buildings came to dominate later building design across the United States. The Chicago School of architecture, founded by the skyscraper architect and engineer William Le Baron Jenney (1832-1907), was the pioneer group. Other important contributors to supertall tower design included the ex-Bauhaus designers Walter Gropius (1883-1969) and Mies van der Rohe (1886-1969) Philip Johnson (1906-2005), Skidmore Owings and Merrill, their leading structural engineer Fazlur Khan (1929-82), I.M.Pei (b.1917).

For details of the greatest architectural designers in the United States, see: American Architects (1700-2000).

20th Century Architecture

Twentieth century architecture has been dominated by the use of new technologies, building techniques and construction materials. Here is a brief outline of the century's main architectural schools and movements. For details, see: 20th Century Architecture (1900-2000).

• 1900-20 Art Nouveau
• 1900-25 Early Modernism (See:Le Corbusier and Peter Behrens)
• 1900-25 Continental Avant-Garde (De Stijl, Neue Sachlichkeit)
• 1900-2000 Steel-frame Skyscraper Architecture
• 1907-33 Deutscher Werkbund
• 1919-33 Bauhaus Design (see the biography of Walter Gropius) this evolves into the International Style of Modern Architecture (1940-70).
• 1925-40 Art Deco
• 1928-40 Totalitarian Architecture (Germany/USSR) - see Nazi art (1933-45)
• 1945-70 Late Modernism: Second Chicago School of Architecture
• 1945-2000 High Tech Corporate Design Architecture
• 1960-2000 Postmodernist Art
• 1980-2000 Deconstructivism - see Frank O. Gehry (b.1929).
• 1990-2000 Blobitecture

• For more details of types and history of architecture, see: Visual Arts Encyclopedia.


Ancient Georgian Column Capital - History

Temples were built in ancient Greece using three orders of columns. Wanting to emulate this style, Thomas Jefferson was the architect of neo-classical buildings in the United States.

Most Greek temples are fine examples of the Doric or Ionic orders.
The Doric order was the earliest and simplest of all three columns. It is thicker than the others and top of the column (capital) is plain, without a column base.

The Ionic order began in the Greek cities of Ionia (on the western coast of modern Turkey). It has thinner columns, a decorated capital (volute). The decoration may have been inspired by the curve of a ram’s horn.

Lastly, the Corinthian column, originally designed by Callimachus, was the most elaborate. Acanthus leaves were carved around the capital, possibly smaller leaves on the bottom rising to larger leaves on top. A smaller version of the volutes (helix) may have been incorporated. The Corinthian style was particularly popular with the Romans.

In the second half of the 18th century, expeditions to Greece would help foster the first volume of "The Antiquities of Athens," published in 1762.
In the 19th century archeological digs were organized by Greece, France, and Germany. Interest in the classical period brought about excavations in the cities of Delphi and Olympia.

Wanting to emulate the Greek style in architecture, what is known as "Greek Revival" was prevalent from 1818-1850 in the U.S. and abroad. Colonial and Georgian style houses were changed so as to resemble the Parthenon of Greece.

In the U.S., Thomas Jefferson, minister to France in 1784, studied architecture while in Europe. He owned a copy of "The Antiquities of Athens" and was also impressed with drawings by Renaissance architect Andrea Palladio, who was influenced by ancient Rome.

Thomas Jefferson, as architect, introduced neo-classical architecture to the U.S. with the Virginia state capitol at Richmond, his home at Monticello (1767-1770), and the University of Virginia (1825).

Other fine examples of Greek Revival architecture are: William Strickland’s "Second Bank of the U.S." (Philadelphia 1824) and Alexander Parris’ "Faneuil Hall" (Boston 1825-1826).

You can own a print of Thomas Jefferson's Monticello home.

For a nice photographic print of Boston's Faneuil Hall (with Greek Revival pillars on left building).

Content copyright © 2021 by Camille Gizzarelli. Всички права запазени.
This content was written by Camille Gizzarelli. Ако искате да използвате това съдържание по някакъв начин, имате нужда от писмено разрешение. Contact Camille Gizzarelli for details.


Italian Renaissance Interiors

Interior unity became important during the Renaissance. Most interior rooms were rectangular. Domestic interiors were sparsely furnished and lavishly decorated. Grotesque were the Renaissance interpretations of ancient Roman ornament. They were usually underground. They were made of paint or stucco, and had colorful depictions of animal flowers animals, flowers, mythological creatures, and architecture.

Interior color comes from construction materials and fresco paintings. Textiles and wallpaper give color in residences. Colors used include scarlet, cobalt blue, gold, deep green, and cream.


First Lieutenant Ira Dutton’s Final Bivouac

Forward Air Controller Took Death-Defying Risks To Aid Special Forces

Air Force Capt. John P. Calamos received the Distinguished Flying Cross for his heroic actions calling in air strikes to save Special Forces in Vietnam

A Place of Their Own: Veterans of the Civil War

As Civil War veterans struggled to reenter society, some formed their own unique communities


Гледай видеото: Ложь об Александрийской колонне или как нас обманывают официальные историки (Август 2022).