Историята

Гръцка скулптура - нашият сайт


>

Гръцката скулптура от 800 до 300 г. пр. Н. Е. Е вдъхновена от египетското и близкоизточното монументално изкуство и през вековете се превърна в уникална гръцка визия за формата на изкуството. Гръцките художници щяха да достигнат върха на художественото съвършенство, което улавя човешката форма по начин, който никога досега не е виждал и който е много копиран.

Нашият сайт
www.ancient.eu


Топ 15 известни древногръцки скулптури

Великолепната Старогръцки скулптури са един от многобройните приноси, които тази велика раса е подарила на човечеството. Освен че са велики воини, философи, учени и поети, древните гърци са били и майстори художници и художници. Гръцките скулптури представляват велики произведения на изкуството и карат всички да се надуят от учудване как древните художници могат да си представят да създадат такива прекрасни шедьоври, които уловиха всеки аспект на човешкото тяло толкова красиво? От камък, бронз до теракота, гръцките скулптори са произвели шедьоври, за които ще обсъдим подробно по -долу.

1. Скулптурите на Лакон и неговите синове

Древногръцкото изкуство не може да бъде разбрано, освен ако не споменем за известната скулптура на Лакон и неговите синове. Тази скулптура е една от най -популярните гръцки статуи, известна като Lacoon Group. Изработен е от мрамор и показва свещеник от троянски произход заедно със синовете си. Имената на синовете са съответно Тимбрей и Антифант. Скулптурата показва Лакон и синовете му, които се борят срещу морските змии. Направен е от велики и талантливи скулптори, принадлежащи на остров Родос.

2. Скулптурата на Диадуменос

Създадена великолепно от известен гръцки скулптор от Аргос, Поликлейтос, тази статуя на Диадуменос е едно от най -великите произведения, датиращи от древността. Скулптурата показва победоносен млад мъж, завързан около главата му, филе, което обикновено се носи от победителя в атлетическо състезание. Тази скулптура е намерена от остров Делос и датира още през първи век след Христа. Фигурата поглъща всеки, който има силно чувство за човешка форма. Пропорционалното голо тяло на този мъж заедно с уникална стойка кара зрителите да се влюбят в чувството за артистичност на гърците.

3. Скулптурата на Колос Родоски

Тази скулптура без съмнение свидетелства, че древните гърци наистина са били майстори занаятчии и художници. Колос от Родос се смята за едно от седемте чудеса на древния свят, което би могло да се превърне в огромен шедьовър в днешно време, ако беше оцелял при масивно земетресение, унищожило Родос през 226 г. пр.н.е. Статуята показва древногръцкия Титан Хелиос, който държи пламък и стои с раздалечени крака по две укрепени стени. Тази скулптура на Хелиос се счита за най -високата в Гърция и е построена от Чарес от Линдос. Той е създаден в чест на победата на краля на Кипър-Антигон I Монофталм през 2 век.

4. Скулптурата на Зевс и Ганимед

Старогръцки скулптури изобразен главно богове и воини в голи форми, тъй като това беше традицията по онова време. Тази скулптура от теракота, за разлика от други древногръцки статуи, изглежда е с много по -малки размери и датира от 470 г. пр.н.е. Смята се, че е направен в периода на голям преход от архаичната епоха към класическата епоха. Скулптурата изобразява Зевс, който държи здраво момче на име Ганимед. Долната част на рамото на Ганимед е счупена. Богът е показан да държи тояга в лявата си ръка, докато дясната му ръка стиска момчето.

5. Скулптурата на Хермес

Създадена от майстора художник Pyosippos, скулптурата на Хермес датира от 200 г. пр.н.е. Статуята е дарена с образцово изражение на лицето и безупречно изобразява човешкото тяло. Изработена от зърнен мрамор, статуята изобразява мъжка статуетка в гол, облечена в нищо освен хламида, хвърлена небрежно през рамото и увита около предмишницата му вляво. Минутните детайли, които бяха използвани за изработката на тази фигурка, ви карат да въздъхнете с недоверие. Сега се помещава в Националния археологически музей на Атина.


Основни идеи и постижения

  • Идеализираната човешка форма скоро се превърна в най -благородния предмет на изкуството в Гърция и беше в основата на еталон на красота, който доминираше много векове на западното изкуство. Гръцкият идеал за красота се основава на канон на пропорциите, основан на златното съотношение и съотношението на дължините на частите на тялото един към друг, което управлява изобразяването на мъжки и женски фигури.
  • Докато идеалните пропорции са от първостепенно значение, класическото изкуство се стреми към все по -голям реализъм в анатомичните изображения. Този реализъм обхваща и емоционален и психологически реализъм, който създава драматично напрежение и привлича зрителя.
  • Проектите на гръцките храмове започват просто и се развиват в по -сложни и богато украсени структури, но по -късно архитектите превеждат симетричния дизайн и колонирания екстериор в множество правителствени, образователни и религиозни сгради през вековете, за да предадат усещане за ред и стабилност.
  • Може би съвпадение, но точно както засилените археологически разкопки откриха множество примери за гръцко и римско изкуство, полето на историята на изкуството се развиваше като научен курс на изучаване от Йохан Винкелман. Винкелман, често считан за баща на историята на изкуството, основава своите теории за прогреса на изкуството върху развитието на гръцкото изкуство, което до голяма степен познаваше само от римски копия. От средата на 18 век историческата и класическата традиция на изкуството са тясно преплетени.
  • Докато гръцката и римската скулптура и руините са свързани с чистотата на белия мрамор в западния ум, повечето от произведенията първоначално са били полихромни, боядисани в множество реалистични цветове. Разкопките от 18 -ти век откриха редица скулптури със следи от цвят, но отбелязани историци на изкуството отхвърлиха находките като аномалии. Едва в края на 20-ти век учените приеха, че статуите в цял ръст и цели храмови фризове всъщност са ярко боядисани с множество цветове и декорации, повдигайки много нови въпроси относно допусканията на западната история на изкуството и разкривайки, че вековете на класическите имитации всъщност не са имитации, а по -скоро се основават на носталгични идеали от миналото.

Гръцки скулптурни методи

За релефи е естествено да се скицира темата върху подготвената повърхност и да се работи от тази скица, но чак до елинистическия период гръцките мраморни скулптори не са използвали подробни модели при издълбаването на статуи или така може разумно да се направи извод от завършени и недовършени върши работа. Първо, едва през миналия век преди новата ера има следи от каквато и да е система на посочване - методът, чрез който позициите, определени по модел, се прехвърлят точно в блока, от който трябва да се издълбае крайната статуя - и дори тогава точките са били достатъчно далеч един от друг, за да могат големи площи да бъдат оставени за резба на ръка. Второ, в фронтоновата скулптура, където поне връзката на фигурите трябваше да бъде планирана точно предварително, различните скулптори от екипа биха могли да развият драперията на своите фигури, тъй като те избраха това, е много ясно в западния фронтон на храма на Зевс в Олимпия, където на някои фигури третирането на гънките е старомодно, а на други несъвършено прогресивно.

От идентичността на стила с този на мраморните статуи, бронзовите статуи също обикновено трябва да зависят от дърворезбата, вероятно тук от предварителната фигура, и едва през втория век има някакво предположение в завършената работа на този течен вид моделиране което се насърчава от мека глина или восък. По -изненадващо е, че такова пластично моделиране няма и в теракотите. Очевидно гръцката скулптурна традиция е основана и фиксирана чрез дърворезба.

Оцелелите оригинали, изоставени на различни етапи от напредъка, показват, че нормалната процедура за издълбаване на мраморна статуя не е да завършва една част наведнъж (както обикновено се случва с посочване от мащабен модел), а да се работи около фигурата стъпка по стъпка . Това означаваше, че скулпторът не може много да делегира безопасно на асистент и че той непрекъснато му напомня за ефекта на цялото, докато се занимава с детайла. Предполага се, че той е начертал очертанията на фигурата си от четирите страни на блока. Това би било достатъчно осъществимо с неусложнените четири квадратни пози, които бяха редовни за статуи до четвърти век.

След това той премахна излишния камък с точност до около сантиметър от планираната крайна повърхност, като използваше първо чук и бормашина, а след това все повече пробиване. Следваше грубото оформяне на фигурата с върха, фин удар, който може да се разпознае по костилките, които оставя, и неудобните кухини (като пространството между ръката и тялото или дълбоките гънки на драперията) бяха частично издълбани от тренировката. Свредлото, което имаше кръгъл длето за своето бит, беше използвано по два начина, или за пробиване на единични отвори или за редица отвори, или (като „работеща“ бормашина), движещо се наклонено напред, за да изреже бразда. Методът на тренировъчната машина изглежда е изобретен малко, ако изобщо, по -рано от 370 -те години преди новата ера и тъй като спестява труд, скоро става много популярен.

Следващият и най -решителен етап от дърворезбата беше подробното моделиране на повърхността с длета от различни видове - длетото с нокти (което изглежда е измислено около 560 г. пр. Н. Е.), Плоското длето и кръглото длето. Тези длета са използвани както наклонено, така и вертикално, както е било и обикновено, и обикновено с къси, нежни удари.

След моделирането повърхността беше изгладена с рапиди с подходящи форми и габарити, а след това дойде по -фино изглаждане с абразиви, вероятно наждаци и прах, последвано от прахообразна пемза. Това изглаждане не създаде високия блясък на много римски и скорошни скулптури. За гланц повърхността трябва да се полира с по -фини абразиви, като шпакловка или руж. Накрая статуята е боядисана - от 500 г. пр.н.е. нататък, в техниката енкаустика - и са прикрепени всякакви метални аксесоари.

За облекчения процедурата беше почти същата. Първо обектът трябва да е скициран върху подготвения блок. След това очертанията бяха изрязани, на по -дълбоки релефи, често чрез бормашина, и след това точката, длетото, рашпилът и абразивите бяха използвани последователно. По принцип гръцките скулптори на релефи не са издълбали никаква част много по -назад от предната равнина, отколкото се изискваше от ефективното моделиране на тази част. Така че фонът не е на ниво и дълбочината, на която са зададени фигури и части от фигури, се управлява повече от оптични, отколкото от естествени взаимоотношения.

За фронтонирани фигури практиката е разнообразна. Понякога процедурата се използваше за свободно стоящи статуи, макар че често гърбът беше недовършен, но понякога - както при телата на кентаврите в Олимпия - те бяха третирани подобно на релеф. Стандартът на завършване беше много висок и всички видими следи от инструменти от един етап се очакваха да бъдат изчистени в следващия, въпреки че имаше неудобни места, където абразивите или расплата не можеха да се използват правилно и много рядко инструмент, изкопан твърде дълбоко върху отворена повърхност. Вкусът при завършването беше различен, но с течение на времето беше по -малко взискателен. На релефи, фон и големи неутрални зони като седалките често се грабеха, но не се изглаждаха допълнително с абразиви. През четвърти век някои скулптори избират да оставят драпериите само забързани, за контраст на текстурата с напълно изгладената плът и на по -малки парчета има нарастваща тенденция към небрежност. Въпреки това разликата между дори посредствената гръцка резба и средното римско копие е очевидна, преписвачите само от време на време се затрудняваха с работата с длето. Между другото, на гръцки скулптор обикновено са били необходими от шест до девет месеца, за да издълбае мраморна статуя в пълен размер.

Бронзовите статуи са рядкост, така че е много по -трудно да се изведат методите, по които са направени, в сравнение с мраморните статуи. Следователно обобщената сметка, която следва, може да е грешна на части. През VII и началото на VI век някои значителни статуи са конструирани в техниката на „сфирелатон“ - тоест тънки бронзови листове, забити във форма и закрепени с пирони към дървена рамка или сърцевина - но резултатите не са задоволителни и макар и малки фигурките бяха изляти плътно във форми, плътното леене беше твърде скъпо (дори ако беше възможно) за големи фигури. Тогава, вероятно около средата на шести век, процес на кухо леене, който се използва от известно време за малки предмети, е заимстван и разработен за статуи в пълен размер. Гърците не са били достатъчно напреднали в своята металургия, за да конструират големи рамки, толкова твърди, колкото е необходимо за леене в пясъчници и затова те трябва да зависят от процеса на „изгубен восък“.

Редовната последователност на работа изглежда е била нещо подобно. Първо скулпторът подготви своята предварителна фигура с пълни и точни детайли, материалът вероятно е бил восък, или може би глина или дърво, но така или иначе ефектът предполага издълбаване, а не моделиране на повърхността. След това тази фигура беше покрита с глина (или евентуално гипс), за да се направи форма. След това матрицата и предварителната фигура трябваше да бъдат разделени и тук нахлува повече несигурност. Следващият етап изискваше формата да бъде отворена, а също така беше обичайно да се излят големи статуи на няколко части. Ако тогава материалът на предварителната фигура е бил мек - това е восък или глина - той би могъл да бъде ценен или изкопан или може би изтичан или измит, или пък фигурата е отстранена непокътната и тъй като подрязването е често, особено в гънки на драперия, това означава, че фигурата вече е била разчленена на много отделни парчета, или че сега върху матрицата е била извършена също толкова сложна дисекция, макар че ако матрицата е била така разчленена, повечето от по -малките парчета трябва да са били сглобени преди следващия етап. При това отворената форма беше облицована с восък до каквато дебелина се искаше за бронзовата стена на готовата статуя. На свой ред восъчната облицовка беше облицована с глина, за да образува сърцевина, която беше свързана с матрицата чрез метални колчета (тапицерии), така че мухълът и сърцевината да запазят относителните си позиции, когато восъкът се разтопи. Това глинено ядро ​​може да е било плеснато на влажно или да е излято в течност и в зависимост от използвания процес матрицата е била сглобена отново в цялостните си части след или преди направата на сърцевината. Ако матрицата беше от гипс, беше необходима допълнителна операция, тъй като мазилката трябваше да се отстрани внимателно от покритата с восък сърцевина и да се замени с дебело покритие от глина. (Забележка: Процедурата, описана досега, е тази за непряко леене на „изгубен восък“, но гръцките скулптори понякога използват по -малко икономичната директна процедура: тук предварителната фигура, която е от глина и също служи като сърцевина, сама е покрита с слой восък и този слой, който е завършен с пълни детайли, е затворен в обвивка от глина.)

Сега всичко беше готово за стрелба. Формите със сърцевините им бяха затоплени, така че восъкът да се стопи и разтопеният бронз да влезе в кухините, оставени от восъка, но тъй като сушената на въздух глина няма да поеме разтопен метал, без поне да се изкриви, се предполага, че след като восъкът се е разтопил калъпи и сърцевини се изпичаха до температурата, необходима за теракота или дори по -висока, и металът се вкарва, докато те все още са на тази топлина. След това, когато всичко се охлади, бронзовата отливка се освобождава чрез отчупване на външната форма или покритие. Разбира се, не беше необходимо да се избере цялото ядро ​​и всъщност бяха открити бучки от сърцевина, които все още са оцелели в бронзовите статуи.

Имаше още много работа за вършене. На този етап отливката има гранулирана обвивка, която се нуждае от изстъргване, пукнатините са запушени и дефектите са отстранени чрез изрязване и запълване с ленти от метална плоча (правоъгълните вдлъбнатини, видими на някои оцелели статуи, са такива изрезки, от които са изпаднали пломбите ). Отделно формованите парчета се съединяват заедно, чрез език и жлеб, ако са големи, или чрез заваряване или запояване, ако са малки. Детайлите бяха гравирани, очите бяха вмъкнати и фиксирани, често устните и зърната бяха инкрустирани в мед или друг метал, а цялата повърхност беше изпипана старателно, за да скрие ръбовете на съединенията и пластирите и да създаде подходящ блясък. Блясъкът се поддържа, както показват записите, чрез нанасяне на масло или смола и може би битум. Като цяло изработката на бронзова статуя беше сложна работа и рисковете от провал при изпичане на матрицата и леене на метала трябва да са били сериозни, поради по -високата цена на материалите бронзовите статуи бяха по -скъпи от мраморните статуи.

Някои статуи, особено малки, бяха поставени на високи пиедестали или дори колони или кейове, но най -нормалният тип гръцка основа беше сравнително ниска, правоъгълна и направена от мрамор. През пети век, за статуя в пълен размер, основата обикновено е по-скоро по-малка от един метър и повърхността й може да бъде завършена само с върха, макар че по-късно имаше тенденция да се произвежда нещо по-високо и по-украсено. Стоящите мраморни статуи бяха издълбани с малък цокъл около краката и това беше пуснато в основата и фиксирано с олово, често нередовно. Бронзови статуи бяха закачени. Вижте също: Гръцка метална конструкция.

Обстановката обикновено е била на открито и тъй като от пети век гръцките скулптори са били достатъчно изтънчени, за да направят оптични корекции за ъгъла на видимост, се предполага, че те са взели предвид и естеството на осветлението. Тези много важни фактори често се пренебрегват при излагането на гръцка скулптура както в стари, така и в нови музеи, където статуите са поставени предимно твърде високо над земята и тяхното осветление има тенденция да бъде едностранно и косо. Освен това подредбата не е напълно правилна, в дълги редове или проучени групи гръцкият навик е да разглежда всяка статуя като независима единица и да я поставя на някое удобно свободно място, без да се тревожи за естетическата й връзка със съседните статуи или сгради.

Има още едно предупреждение. Повечето древни статуи са осакатени с течение на времето. От шестнадесети до деветнадесети век беше обичайно да се възстановяват поне по -очевидните недостатъци и въпреки че сегашната мода се отвращава от всяка реставрация, все още са изложени много произведения, които са реставрирани, понякога подвеждащо. Съществува доста надеждно правило за разграничаване кое е оригинално в мраморна статуя и кое не. Когато две парчета камък се съединят, е много трудно да се прикрие линията на съединението.Сега естественото разкъсване оставя неправилен ръб и ако линията на свързване е неправилна, двете части могат да се приемат като принадлежащи една на друга. Но тъй като човек се нуждае от обикновена повърхност, за да постави ново парче върху друго, права съединителна линия показва, че едно от тези парчета е ново и може да се подозира, че назъбената повърхност на стар счупване е изсечена и изгладена, за да се получи чисто за подмяна. Понякога такива замени са правени в древни времена, но като цяло прякото свързване е доказателство за модерна реставрация в съвременността. Националният музей в Неапол, който наследи великолепната възрожденска колекция на семейство Фарнезе, е възхитително място за практикуване на този тест за автентичност.

ЗАБЕЛЕЖКА: За по -късни скулптори, вдъхновени от скулптурните резби на Древна Гърция, моля, вижте: Класицизъм в изкуството (800 нататък).

Използва се за древногръцка скулптура

Гърците са използвали статуи за така наречените култови фигури на божества, посвещения, паметници върху гробове и архитектурна украса, но едва през елинистическия период те са придобили или поръчали повече от статуетки за лично удоволствие. Използването на релефи беше сходно, с изключение на това, че не служеха за култови фигури.

Култовите статуи, понякога колосални, бяха сравнително редки. Обикновено една такава статуя, на бог -покровител или богиня, стоеше във вътрешността на храма, но терминът „култова статуя“ е подвеждащ. Тези скулптури се считат за произведения на човешкото майсторство, илюстриращи, но не въплъщаващи божеството. Така, макар и възхитени, те не бяха почитани.

Посвещения бяха създадени в светилища и на други обществени места, от частни лица или от общности, за да отпразнуват победата в атлетически състезания или война, да платят обет или глоба, да изразят благодарност за успеха или безопасността и да рекламират дарител. Други, от четвърти век нататък, включват статуи в памет на изявени граждани. Някои популярни обекти станаха претъпкани с тези посветителни статуи, както е много очевидно от оцелелите бази в светилището на Аполон в Делфи. Релефите обикновено бяха по -малко внушителни и по -евтини, те се различават значително по размер и качество и бяха особено популярни като оброчни предложения, като боядисаните дървени или теракотени плочи, предлагани от бедните. Най -многобройният клас статуи бяха посвещения.

Гробни паметници са друг важен клас скулптура. Повечето от тях бяха облекчени. Но тези, които можеха да си го позволят, понякога предпочитаха статуя, особено в архаичния период. Въпреки че гърците уважаваха гробовете на своите мъртви, паметниците над тях задоволяваха семейното чувство и показността, а не религиозните нужди, и така при извънредно извънредно положение гробни скулптури можеха да бъдат разрушени, за да осигурят камък за укрепления, а в Атина на два пъти разходите за погребения бяха ограничени успешно от гражданското законодателство. Отново при разположението и избора на паметници не се обърна особено внимание на тези на съседни парцели. Основните гробища минаваха по пътищата извън градските порти, като мъртвите се състезаваха (понякога изрично) за забележка на всеки минувач.

В гръцката архитектура, особено за храмовете, скулптурата в кръга може да се използва за акротерии и антификси, а чучурите често приемат формата на лъвски глави. Освен това, фигурите на фронтонна скулптура скоро излязоха далеч от техния произход, въпреки че по композиция и пози те все още бяха близо до релефи. Други приложения за архитектурна скулптура се намират сред чужди народи, които се възхищавали и следвали по -специално гръцкото изкуство, статуи понякога били поставяни от етруски по билото на покрива на храма и от ликийци в интервалите на издигнатата колонада, украсяваща аристократична гробница.

Повечето от тези употреби на скулптура са свързани със светилища и гробове, но дори и религията да прониква в гръцкия живот, гръцкото изкуство в никакъв смисъл не е религиозно. Представянето на богове и богини, които са били замислени като твърде изцяло човешки, им е дало подходящата зрялост и атрибути - така че Зевс редовно е бил брадясан, а Атина обикновено е носила шлем и егида. Но гръцките художници, за разлика от египетските, не бяха затруднени от йератични разпоредби относно начина на изобразяване на богове и хора. Стандартът, по който се оценява произведението на художника, е неговата естетическа стойност в рамките, разбира се, на границите, позволени от общественото мнение. Това ограничение се отнася особено за скулптурата - и за статуите повече от релефи - тъй като скулптурата с каквито и да било последствия е била поставена само на обществени места. Това вероятно е причината първата статуя на гола жена да се появи едва в средата на четвърти век, макар че във вазопис и за фигурки (и наистина в релефна скулптура) голите са били приемани много преди това. Но рисуваните вази и фигурки са правени за частни клиенти и дори да са посветени в светилище, те не са били изложени на видно място. Скулпторите се освободиха от тази сдържаност едва през елинистическия период, когато общественото мнение се бе променило и накрая им беше позволено да експлоатират, без да прикриват собствения си вкус или вкуса на своите клиенти за не-героичното, еротичното и сантименталното.

Същото е и със скулптурните видове и теми. През целия архаичен период двата основни типа бяха „курос'(стоящ гол мъж) и'корейски“(стояща драпирана жена) и те могат да служат като култови статуи, посвещения или надгробни паметници. Също така в по -малка степен класическите наследници на куросите и корейците. Някои богове и герои имаха характерен атрибут, който да ги идентифицира - змията на Асклепий, или неговият клуб на Херакъл - но като цяло до елинистическия период темите на статуите бяха неспециализирани типове и удобни средства за художествено изразяване. Например куросът е обикновен тип статуя на архаични гробове, но няма основателна причина да се смята, че тези скъпи надгробни паметници са били поставени само за много млади мъже, които не са живели достатъчно дълго, за да отпуснат брада. Отново, в по -късния шести век стандартното посвещение на Акропола в Атина е коре, но поради роклята си тази фигура не представлява Атина, на която е посветена, нито поради пола си дарител. Интересно е, че „агалма“, една от двете често срещани гръцки думи за статуя, има първоначално значение на „нещо, от което да се наслаждаваш“.

Релефите, разбира се, когато са включени няколко фигури, изискват някаква съгласувана тема, за да се избегне тъпотата, но в плочите и фризовете на храмовете темата, обикновено митологична, често не беше особено подходяща за божеството -покровител. Битката при лапите и кентаврите, която заема западния фронтон на храма на Зевс в Олимпия и южния набор от метопни плочи на Партенона в Атина, се е състояла далеч в Тесалия и е незначителен инцидент в гръцкия мит, но той даде на художниците удобно извинение да упражняват уменията си в човешката анатомия, мъжка и женска, и да променят ефекта с коне. Гробните релефи разработиха свои собствени конвенции за битови сцени на удоволствие или скръб, а оброчните релефи често изобразяваха съответните божества с приближаващи се към тях поклонници, но фигурите на мъртвите или на дарителите останаха стандартни типове. Дори в портретите или това, което преминава като портрети, едва през елинистическия период скулпторите се опитаха сериозно за говорене на подобие на техния седящ. Трудно е да се избегне заключението, че при избора и още повече при третирането на видове и теми доминиращите мотиви са били естетически и затова човек може с чиста съвест да се наслаждава на гръцката скулптура като изкуство, без да се притеснява за някакъв езотеричен смисъл.

Произход на гръцката скулптура

През осми век преди новата ера, поне на Крит, някои прости релефи от мек варовик показват ориенталски и особено сирийски маниер, но това е фалшиво начало и тук се игнорира. Гръцката скулптура, каквато я познаваме, започва с така наречения дедалически стил, който се появява към средата на седми век.

Проблемът за произхода е най -добре разделен на две - как гърците са получили идеята за големи каменни статуи и как са получили стила? На първия въпрос има готов отговор: по това време гърците със сигурност са посещавали Сирия, която е имала някаква каменна скулптура, и може би Египет, който е имал повече. Относно източника на стила има различни теории.

Най-широко разпространеното е, че ранната гръцка скулптура се основава на египетска скулптура- поради позата (особено на мъжката фигура), прическата, подобна на перука, и може би техниката на издълбаване на твърд камък. И все пак гръцката мъжка поза се различава от египетската по наклон и стойка, докато прическата беше позната и в сирийското изкуство. Освен това гръцките зидари може би вече са били използвани за мрамор, а египетските форми са пълни и заоблени и до известна степен индивидуализирани, докато дедалическите фигури имат резервна и неестествено опростена структура.

Друго схващане, че дедалическият стил на каменна скулптура продължава по -ранния гръцки стил на дърворезба, има малко поддръжници, тъй като гръцките фигурки от началото на VII и края на VIII век са коренно различни от стила на дедалика и също са много редки каменни резби, които може да са на една и съща дата.

Ако тези възражения са добри, тогава стилът на гръцката скулптура не може да бъде извлечен от този на която и да е скулптурна школа. И по произход това може да е просто разширяване на стила на съвременните дедалови фигурки от глина, които се появяват внезапно в началото на седми век, чийто стил и техника изглежда са произлезли от клас евтини сирийски плочи и фигурки. И все пак не всеки може да издържи толкова скромно потекло за толкова високо изкуство.

Ако все пак египетското изкуство нямаше пряка роля в създаването на гръцка скулптура, то може би все пак имаше известно влияние по -късно. Куросите в Ню Йорк, които са изваяни около 600 г. пр.н.е., в някои точки съответстват на стандартната решетка, използвана от египтяните за изчертаване на статуя и това може да не е съвпадение. Въпреки това, скулпторът на нюйоркския курос беше ексцентрик и по -ортодоксалните курои от онова време не показват такова съответствие. Към 600 г. пр. Н. Е. Скулптурата - подобно на другите изящни изкуства в европейска Гърция - е утвърдена и заемките, които тя взема отвън, са само случайни.

Може би е било различно в Източногръцкия регион, по западното крайбрежие на Турция, където в началото на шести век се появява нов и различен стил, може би вдъхновен от статуетки от слонова кост от сирийския регион. Но с откриването на по -ранна скулптура проблемите или произходът и влиянието без съмнение ще се усложнят.

• За повече информация за еволюцията и хронологията на визуалните изкуства вижте: История на изкуството.
• За повече информация за релефи, фризове и статуи в Древна Гърция вижте: Енциклопедия за визуални изкуства.


  • Геометрична сцена: Произхождащ между X и VIII век пр.н.е. Името му идва от типа на керамика които бяха направени. Човешката фигура изглежда много схематизирана и вазите са използвани в погребални ритуали Основната тема на този период беше смъртта и това се случи главно в Атина. През този период са създадени пикси, стомни, триглифи и скулптури.
  • Архаична сцена: Намира се между 8 и 6 век пр.н.е. и се характеризира с разширяването на Гръцки полис използвайки тиранията като пропаганда. В рамките на своя търговска дейност, настъпват важни промени и се появяват първите градове и храмове, които променят скулптурата и керамиката. Отдава се значение на религиозно поклонение и са построени важни каменни религиозни сгради и светилища.
  • Класическа сцена: От V до IV век пр.н.е. когато Гърция достигна пълнота във всички области, главно в скулптура. Това беше повлияно от Египетски и Вавилонската култура от която възникна културна смес. Стилът на изкуството на този етап се нарича тежък стил, а бронзът и мраморът са най -често използваните материали.
  • Елинистичен етап: Между 3 -ти век пр.н.е. и I век пр.н.е. Гръцката култура се е разпространила по целия свят Средиземноморие. Това е най -много барокова сцена на изкуството и имаше голямо търсене на архитектурни произведения, скулптура и живопис.

Гръцкото изкуство е основа на Европейски и Западна култура създавайки прецедент, който остава и днес, неговите класически модели и скулптури са създадени навсякъде история. В допълнение, това беше основата на неокласицизъм, които виждаме представени в различни обществени и тържествени сгради.


Сухи и мокри стенописи

Техниката „сухо фресковане“ (fresco secco) включва нанасяне на боя, по-специално за детайли, върху суха мазилка. „Истинският“ или „мокър“ метод на боядисване (фреска с буон), от друга страна, включва боядисване върху мокра мазилка, така че пигментите да се абсорбират и да се свържат добре със стената. Това фиксира картината и я спира да избледнява.

Египетските художници са рисували стените си в техниката fresco secco, но минойците са използвали метода на фреска buon. Трудността с метода на фреска с буон е, че изисква точно и бързо изпълнение, но има предимството, че позволява висока степен на импровизация и спонтанност. Тъй като художниците трябваше да работят в строги срокове, те трябваше да бъдат умели. Техните движения с четка трябваше да бъдат плавни и грациозни, но въпреки това шансът в изкуството предизвика вълнение. Вероятно това е, което характеризира минойската живопис и прави мокрия метод на рисуване най -подходящ, виж Фигура 6.

Фигура 6: Фрагменти от минойски стенописи от 1450–1375 г. пр. Н. Е. (LM II)

© Попечителите на Британския музей

В мазилката е използван нисък релеф, за да се даде плитък триизмерен ефект. В минойските фрески не са открити оцелели примери за ефект на засенчване, въпреки че цветът на фона се променя, докато обектите на преден план остават непроменени. Някои от египетските цветови конвенции бяха приети от минойците: мъжката кожа обикновено е червена, женската кожа бяла, а металното злато е жълто, среброто е синьо, а бронзът е червен. Фреската е била използвана и по стените, за да имитира архитектурни особености, като алабастрови венирани плочи, рисувани върху долните части на стените.

Пигментите, използвани за цветовете, бяха:

  • черно - въглеродни шисти
  • червен - хематит (железен оксид Fe2О3)
  • бял - хидрат на вар (калциев оксид Ca (OH)2)
  • жълта охра - гетит (железен оксихидроксид FeO (OH))
  • синьо - египетско синьо (меден силикат CaCuSi4О10)
  • и зелено - смесени синьо и жълто.

Стенописите по своята същност са крехки и често са рисувани от анонимни художници. Зъбите на времето често ги оставят непълни и археологията може да ги остави отстранени от първоначалната им среда. Това може да затрудни интерпретацията и запознанствата и доведе до това, че някои възстановявания са по -скоро въображаеми, отколкото точни.


Смешна концепция

През 19 -ти век се появяват първите предположения за възможна рисувана скулптура, но едва след иновацията на ултравиолетовата светлина и специалните камери в края на 20 -ти век най -накрая се дават недвусмислени доказателства за боядисания мрамор. Всъщност само идеята, че скулптурите изобщо са рисувани, се смяташе за смешна до края на деветнадесетте стотици, когато археологът Винценц Бринкман доказа без съмнение, че статуите някога са били богато изрисувани. Дори тогава най -ранните представления на Бринкман за това как може да изглежда цветната статуя се считат за „нахални“, поради огромното богато цветово решение, което той изобразява. И все пак, с времето и постоянството, Бринкман в крайна сметка доказа, че всичките му противници грешат.

Троянски стрелец (т.нар. „Париж“), фигура W-XI на западния фронтон на храма на Афая, ок. 505–500 г. пр. Н. Е. Полихромна реконструкция от изложбата Bunte Götter. ( CC BY-SA 2.5 )

Докато древните бронзови статуи вероятно не са били боядисани поради широкото включване на инкрустирани бижута, скъпоценни камъни и други метали в техните форми, мраморните статуи както в древна Гърция, така и в Рим са показали следи от пигмент от различните им преоткрития през Ренесанса. Въпреки това, без да се знае за онези пред-археолози от XV и XVI век, тези слаби цветни следи са показателни за някога сложно декорирана скулптура-не само за остатъци от тези парчета, които отдавна са били неправилно поставени. Именно поради тази липса на знания ренесансовите скулптори, възнамеряващи да копират гръцки и римски форми, издълбават статуите си в небоядисан бял мрамор, доколкото им е известно, небоядисаният бял мрамор е точно начинът, по който са изваяли техните древни предшественици.

Вляво: „Peplos Kore“, около 530 г. пр. Н. Е. ( CC BY-SA 2.5 ) Вдясно: Реконструирано в полихромна като Атина от екипа на Brinkmann ( CC BY-SA 2.5 )


18 известни скулптури, станали емблематични парчета от историята:

Вилендорфска Венера (около 30 000-20 000 г. пр. н. е.)

The Вилендорфска Венера е 4,4-инчова статуетка, изработена от варовик, открита във Вилендорф, Австрия. Смята се, че е създаден между 30 000 и 25 000 години преди новата ера, което го прави едно от най -старите известни произведения на изкуството в света. Поради изпъкналите гърди на фигурата, заоблен корем и оформени бедра, много изследователи с течение на времето стигат до извода, че резбата е била предназначена да бъде статуя на плодородие или фигурка на Венера. ”

Бюст на Нефертити от Тутмос (1345 г. пр.н.е.)

Този рисуван бюст от варовик, сега в музея Neues в Берлин, е красив портрет на Нефертити, великата кралска съпруга на египетския фараон Ехнатон. Открит в работилницата на художник на име Тутмос, неговото емблематично изобразяване направи Нефертити символ на идеалната женска красота за векове напред.

Теракотни воини (края на 3 век пр.н.е.)

The воини от теракота са колекция от статуи в Сиан, Китай, изобразяваща армията на Цин Ши Хуан, първият император на Китай. Сред фигурите са 8000 войници, 130 колесници и 670 коня. Фигурите са невероятен пример за погребално изкуство, създадено да пази Императора в отвъдното. Те са открити едва през 1974 г., когато фермери, копаещи кладенец, се сблъскват с тях на място, почти на 1 миля от гробницата на императора. Части от колекцията често са част от пътуващи изложби по целия свят, а мавзолеят в Сиан е обект на световното наследство от 1987 г. Творбите вдъхновяват всичко - от 3D тротоарни изкуства до скулптури от тесто за пица.

Laoco & oumln и неговите синове (около 323 г. пр. н. е. и ndash 31 г. сл. н. е.)

“Laocoon и неговите синове ” показани в Museo Pio Clementino на Ватиканските музеи в Рим, Италия (Снимка: IR Stone през Shutterstock)

От разкопките си през 16 -ти век, Laoco & oumln и неговите синовепривлича археолози и любители на изкуството. Тази елинистична скулптура изобразява три мраморни фигури в екшън сцена, базирана на древногръцки мит. Според легендата Лаоко & oumln е бил свещеник от Троя, който & mdashalong с двамата си синове, Антифант и Тимбрей & mdash е нападнат от морски змии, изпратени от бог. Въпреки че оригиналният скулптор остава загадка, произведението е похвалено заради техническото майсторство и емоционалното въздействие.

Нике от Самотракия (около 190 г. пр.н.е.)

Намира се в Лувъра, Крилата победа на Самотракия или Нике от Самотракияе емблематичен пример за елинистична гръцка скулптура. Изобразявайки Nike, гръцката богиня на победата, тя е една от малкото останали елинистични скулптури, която е гръцки оригинал, а не по -късно римско копие. С дрехите си, прилепнали към тялото, богинята триумфално се придвижва напред сякаш на носа на кораб, водещ войски към победата. Една от най -известните скулптури в историята, по -късно тя ще повлияе на тази на Умберто Бочиони Уникални форми на приемственост в космоса.

Венера от Милос (около 130 г. пр. н. е.)

Намира се и в Лувъра Венера от Милос е известен също като Афродита от Милос и се смята, че изобразява Афродита, гръцката богиня на любовта. Мраморната скулптура е висока 6 фута 8 инча и е известна с липсващите си ръце. Тъй като всички крайници са били в опасност да се откъснат с течение на времето, не е необичайно древната скулптура да им липсва. Световноизвестната скулптура е намерена на гръцкия остров Милос през 1820 г. от селянин, който я открива счупена на две части. Творбата отдавна е повлияла на художници, включително Dal & iacute, които са създали Венера Милоска с чекмеджета през 1936 г.

Дейвид от Донатело (1430-1440)

Почти 100 години преди това на Микеланджело Дейвид, Италианският ренесансов скулптор Донатело създаде емблематична версия на библейската приказка. Отлита в бронз, на Донатело Дейвид е по -млад и по -съзерцателен, току -що уби Голиат. Всъщност Донатело умело използва главата на Голиат и меча на Дейвид като опори за конструкцията. Скулптурата предизвика скандал по това време, тъй като Дейвид е гол, с изключение на ботушите си, и беше смятан за толкова натуралистичен, че беше обезпокоителен. Скулптурата от ранния Ренесанс има отличието, че е първата неподдържана бронзова отливка, както и първата свободно стояща мъжка гола от древността.

Дейвид от Микеланджело (1501-1504)

Първоначално поръчан за покрива на катедралата във Флоренция, Микеланджело беше само на 26 години, когато спечели работата. Една от най -емблематичните скулптури в историята, Микеланджело е извънгабаритна Дейвид е спокоен и събран, с прашката си, преместена през рамо, и уверено чака да поеме Голиат. Умението на Микеланджело се демонстрира в вниманието му към детайлите, от изпъкналите вени в ръката на Дейвид до овладяването на contrapposto в неговата поза.

Изнасилването на Просерпина от Джан Лоренцо Бернини (1621-1622)

Снимка: Снимки от irisphoto1/Shutterstock

Бароковият художник Бернини е само на 23 години, когато започва тази мраморна скулптура, но тя все още е призната за едно от най -забележителните му произведения. Въз основа на древногръцки мит, Изнасилването на Просперина изобразява бог Хадес, пленяващ дъщерята на Зевс, Просерпина. Бернини издълбава двете фигури от мрамор от Карара, превръщайки камъка в приличащ на еластична кожа. Неговата сложна композиция и театрален усет за драма го правят архетип на бароковото изкуство.

Статуя на свободата, проектиран от Fr & eacuted & eacuteric Auguste Bartholdi и построен от Gustave Eiffel (1876-1886)

Известно, че символизира свободата в Съединените щати Статуя на свободата е медна статуя, която е подарък от френското правителство и показва ограбена фигура, представляваща римската богиня Либертас. В ръцете си тя държи таблет с датата на Декларацията за независимост на САЩ. Идеята за подаръка е мечтана от & Eacutedouard Ren & eacute de Laboulaye, президент на Френското дружество за борба с робството, за да отпразнува и почете победата на Съюза в Гражданската война и премахването на робството. Зелената патина, сега свързана с прочутата скулптура, се появява едва след 1900 г., когато медта се окислява.

Мислителят от Роден (1880, отлита през 1904)

Този шедьовър на френския скулптор Огюст Роден първоначално е озаглавен Поетът и всъщност е трябвало да бъде част от по -голяма композиция, наречена Портите на ада. Мислителят всъщност беше презаглавена от леярни, които откриха прилики със скулптурата на Микеланджело Il Penseroso (Мислителят) и се превърна в самостоятелно произведение на изкуството. Известната скулптура е излята многократно, с 28 пълни фигури, макар че много от тях не са направени по време на живота на Роден. Музикалният Роден има честта да покаже първия пълнометражен състав на тази фигура, често използван за представяне на философия.

Уникални форми на приемственост в космоса от Умберто Бочиони (1913, излязъл през 1931)

Чешма от Дюшан (1917)

Мемориал на Линкълн, проектиран от Даниел Честър френски и издълбан от братята Пицирили (1920)

Първоначално проектирана да бъде висока 10 фута, тази мраморна скулптура на 16 -ия президент на Съединените щати е увеличена до 19 фута от главата до петите. Той изобразява Линкълн в съзерцание, седнал във величествената храмова структура, която формира останалата част от Мемориала на Линкълн. От 30 -те години на миналия век пространството придобива значение като символ на расовите отношения в Съединените щати.

Птица в космоса от Константин Бранкузи (1923)

Птица в космосае поредица от скулптури на румънски художник Константин Бранкузи, като първият е излят през 1923 г. Седем са изработени от мрамор, а девет са отлят в бронз. Вместо да се фокусира върху физическо изображение на птица, Бранкузи искаше да изобрази усещане за движение. Събличайки животното от крилата и перата и удължавайки клюна и средната част, се появява лъскавата форма. Майсторски клас по симетрия и хармония, скулптурата постави рекорд през 2005 г., когато беше продадена на търг за 23,5 милиона долара. По това време това беше рекордно високо за парче скулптура. Понастоящем оригиналната мраморна версия се намира в Метрополитен музей на изкуствата в Ню Йорк.

Балонно куче от Джеф Кунс (1994-2000)

Обичай го или го мрази, Джеф Кунс е отговорен за някои от най -запомнящите се изкуства на 20 -ти век. През 2013 г. неговият Балонно куче (Оранжево), изработена от неръждаема стомана с прозрачно покритие, постави рекорд за жив художник, когато се продаде в Christie's за 58,4 милиона долара през 2013 г. Част от поредицата, която превръща игривата детска партия в монументална скулптура, Кунс създава и други версии в синьо, магента, червено и жълто.

Маман от Луиз Буржоа (1999, актьорски състав 2001)

Стоейки над 30 фута височина, Луиз БуржоаМаман в Гугенхайм в Билбао е шедьовър, който се жени за физическа и психологическа сила. Впечатляваща с размерите си, голямата паякова скулптура е свързана със собствената майка на художника, която работила по ремонт на гоблени. Виждаме, че паякът, който защитава яростно торбичката й с 26 мраморни яйца, предизвиква страх чрез нейния размер, но уязвимост чрез краката, подобни на кокили, които привидно биха могли да се преобърнат всеки момент. Паякът е повтаряща се тема в творчеството на Буржоа, за първи път участва в рисунки през 1947 г. и продължава през цялата си кариера, включително скулптурата от 1996 г. Паяк.

Облачна порта от Аниш Капур (2004)

Когато той не предизвиква противоречия, като лицензира изключително най -черната черна боя на планетата, Аниш Капур е известен със своята скулптура, създаваща заглавия. Едно от най-известните му парчета, Облачна портав чикагския парк Millenium Park, е вдъхновен от течен живак. Капур спечели комисионната, след като се представи на конкурс за дизайн, и въпреки че дизайнът беше противоречив & mdashmany вярваше, че безпроблемният дизайн е невъзможно да се изгради и поддържането & mdashit сега се превърна в любима част от града.


Тайната история на красотата: Как гърците са измислили най -голямата идея на западната цивилизация

От Дейвид Констан
Публикувано на 3 януари 2015 г. 22:00 ч. (EST)

Акции

Английската дума красота е семантично богат, тоест има широк спектър от значения и конотации. В ежедневната реч това не е проблем: можем да приложим съществителното или съответното прилагателно красиво към голямо разнообразие от предмети, които изглежда нямат много или дори нещо общо, и въпреки това знаем отлично какво се има предвид. Например, можем да говорим за красива жена, красиво дете, красива картина, красиво математическо доказателство и красив улов в бейзбола. Изразът „това е красота“ може да се каже за почти всичко. В някои от предходните примери бихме могли да имаме предвид „привлекателна“ или дори „секси“, тъй като когато използваме термина, за да опишем модел или актриса в други, можем да имаме предвид нещо повече като „добре изпълнено“, както в случая добра игра в атлетически състезания. Когато се приписва на произведение на изкуството, терминът може да означава баланс или пропорция или някакво друго качество, което смятаме за естетично в случая с математиката, може би имаме предвид, че доказателството е елегантно, защото е свежо и компактно или иновативно в метод. Много общо, красив е термин на одобрение и неговият точен смисъл зависи от контекста. Изглежда обаче, че запазва в повечето си употреби известна връзка с привлекателността и конотациите му не се припокриват изцяло или точно с други изрази на одобрение, като напр. добре или глоба. При размисъл човек естествено се кара да се запита дали всички различни приложения на красотата или красивото наистина имат общо качество, въпреки някои отдалечени или пределни употреби, или дали терминът по -скоро обхваща набор от омоними, в които връзката между различните сетива са тънки или липсват, например басейн когато носи усещането за малко водно тяло и след това отново, когато се отнася до игра, подобна на билярда.

Природата на красотата се превръща в централен интелектуален въпрос с появата на дисциплината, известна като естетика в средата на осемнадесети век, когато думата е въведена за първи път. Естетиката приема красотата като своя специална област, преди всичко в областта на изкуството. Защо този интерес е трябвало да възникне точно тогава, и в частност в Германия (или в днешна Германия), е интригуващ въпрос от историята на философията, към който ще се върнем. От този момент нататък, във всеки случай, сериозното мислене за красотата трябваше да вземе предвид добре развитите теоретични позиции и да се изправи срещу парадоксите или трудностите, възникнали в резултат на чадърния характер на концепцията, който обхващаше толкова голямо разнообразие от понятия .

Настоящото разследване е историческо и търси да разбере как са възникнали нашите съвременни представи за красота във връзка с преобладаващите идеи и разкази за красотата в класическата античност, започвайки от гърците. От тази гледна точка може би най -непосредственият проблем, свързан с природата на красотата, е очевидното разнообразие от форми, които тя приема през различни времена и места. Това е очевидно по отношение на човешката форма, идеалите за която могат да варират дори за сравнително кратък период от време: в продължение на няколко последните десетилетия блясъкът се свързваше с толкова тънки модели, че изглежда анорексичен. Те биха предизвикали известно отвращение в периоди, свикнали с по -силни фигури. Настоящата практика на пиърсинг и татуиране на тялото е друга вариация в критериите за красота, както и дългата коса или напълно обръснатите глави за мъже в сравнение с подстриганите прически отпреди петдесет или шестдесет години (не съм сигурен, че по -младите хора дори знаят какво „част“ е, по отношение на прическа). Древните гърци също имаха своите предпочитания, които несъмнено варираха във времето и на различни места. Същото би било вярно за римляните и огромната империя, която в крайна сметка управляваха. Въпреки че споменавам, когато е уместно, чертите (например височината), които се считат за допринасящи за красотата, независимо дали са мъжки или женски, в древността, те не са основната тема на настоящата книга.

Признавали ли са древните гърци изкуството?

Предлагам по -скоро да проуча видовете неща, които бяха описани като красив (Дали терминът обхващаше същата широка гама от обекти, която използва в съвременната английска употреба?) И каква беше типичната реакция на красотата (Какво чувстваха или мислеха хората за себе си, когато видяха нещо, което наричат ​​красиво ?). Както споменах, една от характерните сфери, в които се прилага съвременната представа за красота, е естетическата, тоест като отговор или отношение към изкуството. И все пак някои твърдят-с каква валидност ще разгледаме след време-че древните гърци не са имали чувство за изкуство като самостоятелна сфера на опит, също както са имали дума за „литература“ по начина, по който я разбираме днес. Всъщност това е доминиращото мнение днес. Както Елизабет Претежон отбелязва в книгата си за рецепцията на древногръцкото изкуство, „древното общество, според преобладаващото схващане, няма„ концепция за изкуство, сравнима с нашата. “В резултат на това, виждайки античната скулптура, например, като част от „верига от приемания не е просто без значение за съвременния им контекст, а е положителна фалшификация“. Както казва Prettejohn, за учените днес „това звучи като здрав разум“ (Prettejohn 2012, 98). Гледката е получила най-влиятелния си израз в добре позната статия от видния историк от Възраждането Пол Оскар

Кристелер, който потвърди, че „древните писатели и мислители, макар и изправени пред отлични произведения на изкуството и доста податливи на техния чар, нито са били способни, нито са нетърпеливи да отделят естетическото качество на тези произведения на изкуството от техните интелектуални, морални, религиозни и практически функции или съдържание, или да използва такова естетическо качество като стандарт за групиране на изобразителното изкуство заедно или за превръщането им в предмет на цялостна философска интерпретация ”(Kristeller 1951, 506). Според Кристелер разбирането за изкуството като автономна сфера възниква едва през осемнадесети век, съвпадащо с възхода на новата дисциплина на естетиката.

Разбира се, има и противоположни гласове. Може би най -проницателният критик на възгледа, свързан с Кристелер, е Джеймс Портър, който обърна таблицата върху картината на Кристелер за древната концепция, като попита: „Вярно ли е дори като описание на състоянието на изкуствата и тяхната класификация през осемнадесети век? ” Но това все още оставя статута на древното изкуство във въздуха. Портър цитира отбелязано есе, в което Саймън Голдхил и Робин Осбърн сигнализират за „опасност при използването на общата дума„ изкуство “във връзка с рисувани изображения върху класическа керамика или фризове върху храмове, доколкото„ значимите нюанси на контекстуализацията могат бъде изтрит. " Основната им теза е, както казва Портър, че „терминът изкуство рискува да ни подведе в невярно идентифициране на естеството на древното естетическо производство като цяло“. Ако „наистина е така, че древните не са имали представа за изкуство, сравнимо с нашето“, тогава въпросът е, както казва Портър: „Можем ли някога да се надяваме да подходим към тяхното изкуство според неговите условия? Или още по -лошото, за да получим достъп до древната култура, трябва ли да изоставим всяка надежда да я приближим чрез това, което наричахме нейното изкуство? ” Въпросът има непосредствено отношение към древното схващане за красота. Защото ако древните гърци нямаха представа за „изкуство“, както го разбираме, може би ще се запитаме дали изобщо има смисъл да питаме дали са смятали красотата за характеристика на самото изкуство, за разлика от обектите - човешки или по друг начин - представен в произведение на изкуството.

Въпросът дали сферите на живота, които считаме за автономни, също са били разглеждани по този начин в други култури и по -конкретно в класическата античност, не се ограничава до въпроси на изкуството или културата. Някои учени поставят под въпрос например дали е правилно да се говори за древногръцка или римска „икономика“ в смисъл на независима и саморегулираща се социална област със собствени закони и история. Те по -скоро твърдят, че търговията и други икономически транзакции са били заложени в обществените отношения като цяло и едва с възхода на съвременния капитализъм икономиката като такава се е появила, отделна и отделена от по -широкия социален контекст, който включва семейство, религиозни практики, политически формации, и така нататък. Тази гледна точка също е оспорена и други учени виждат в древните банкови и застрахователни практики достатъчно доказателства за строго икономическа дейност, в която хората правят инвестиции с оглед на печалба и изчисляват печалби и загуби във връзка с пазарните стойности. През последните години бяха положени усилия да се премине от полярността на вградените спрямо автономните икономики, като се обърне по -голямо внимание на местното поведение, което може да варира от едно място на друго или дори в рамките на различни професии в една общност. Въпросът продължава да се оспорва, но самият дебат е спасително напомняне за необходимостта от избягване на анахронизма, когато се стремим да разберем древните нагласи, ценности и социални категории.

Признавали ли са древните гърци красотата?

Тази книга не се занимава с художествената красота като такава, а с красотата в по -общ план, която, разбира се, надхвърля сферата на изкуството. Дори в сравнително тесния смисъл, в който се прилага към визуално атрактивни предмети, красотата се възприема не само в картини и скулптури, но и в ръчно изработени предмети като автомобили и мебели, които не е задължително да класифицираме като произведения на изкуството. Все пак е трудно да се каже точно къде трябва да се направи граница между „изкуство“ и „дизайн“. Но преди всичко - и в някои отношения най -фундаментално - красотата е атрибут на човешката форма и на определени обекти в естествения свят. Обикновено не класифицираме това под рубриката на изкуството, въпреки че тук отново представите ни за това как изглежда красива жена или красив пейзаж може да се повлияе от изкуството, чрез козметичната и модната индустрия или изображенията на култивирани градини и селски сцени.Така Лесинг пише в класическия си трактат за поезия и живопис: „Ако красивите мъже създадоха красиви статуи, тези статуи от своя страна засегнаха мъжете и по този начин държавата дължи и благодарение на красивите статуи за красиви мъже. Нашият въпрос тогава е дали древните гърци са имали добре дефинирана представа за красотата като цяло, дори ако не са „използвали такова естетическо качество като стандарт за групиране на изобразителното изкуство заедно“, по думите на Кристелер. Може да изглежда още по -малко вероятно, че на гърците липсва идеята за красота, отколкото че те по някакъв начин не успяха да отделят по -абстрактните представи за изкуство или икономика, които в крайна сметка зависят от развитието на определени социални практики, които може да не са общи за всички култури . Можем да разберем например, че ритуалните маски, които гледаме в музеите, може да не са произведени с естетическа цел, а са предназначени да изпълняват религиозна функция, и е възможно изображенията в класически храм или върху олтара в една църква се е представяла като вдъхновяваща нещо различно от естетически отговор - поне на първо място. Също така, макар да можем да мислим за размяната на стоки като строго финансов, можем да разпознаем други контексти, в които такива сделки са били предназначени предимно за насърчаване на солидарността и може би са били доминиращата форма на обмен.

Но изглежда, че красотата е фундаментален опит на хората във всяко общество, древно или съвременно. Може ли да има култура, която няма такова понятие, или няма термин, който да го изрази? Това би изглеждало още по -малко вероятно в случая на Древна Гърция, с нейното блестящо изкуство, което и до днес е поставило стандарта за това, което си представяме като идеалното представяне на човешката форма. Както Майкъл Скуайър отбелязва: „Харесва ли ви или не - и имаше много причини да не ви харесва - древността е осигурила формата за всички последващи опити да се разбере и разбере човешкото тяло“ (Squire 2011, xi). Той добавя: „Тъй като гръко-римското изкуство ни дари с нашите западни концепции за„ натуралистично “представяне. . . древните образи приличат не само на нашите съвременни образи, но и на „реалния“ свят около нас “(xiii). Може ли на гърците наистина да им е липсвала самата идея за красота?

Колкото и изненадващо да звучи, водещи учени всъщност се съмняват дали някоя дума в класическия гръцки отговаря на съвременната представа за красота. Отсъствието на конкретен термин, разбира се, не означава непременно, че самата концепция е липсвала: езиците, включително нашият, все пак прибягват до перифраза и ние можем да разпознаваме и да отговаряме на класове неща, за които нямаме специални име. Така наречената хипотеза на Whorf-Sapir, според която речникът и структурата на даден език не само влияят, но всъщност строго определят начина, по който неговите говорители възприемат света, едва ли е устойчив в най-строгата си форма, което би отрекло, че хората дори могат представят клас неща, които нямат име на собствения си език. Едуард Т. Джеремия наскоро предложи това, което той нарича „по -лека версия“ на тезата, която трябва да бъде „безспорна“. Той пише: „Това, за което една култура няма дума, не е важно за тях като обект на изследване или социокултурен значител“ (Йеремия 2012, 12). И все пак би било не по-малко шокиращо да открием, че красотата е незначителна за древните гърци като „социокултурен означител“, тоест термин, натоварен със специфичен смисъл и стойност в техния възглед за света.

С течение на времето ще се заемем с въпроса дали в класическия гръцки и латински е имало дума за „красота“ или „красива“. Засега нека да успокоя читателя и да разкрия, че въпреки резервите, изразени от сериозните учени по този въпрос, ще твърдя, че наистина е имало термин за „красота“ на гръцки и, нещо повече, че правилната оценка значението и употребата му има какво да ни разкаже за собствените ни представи за красивото. Въпросът изисква аргументи, защото ако беше очевиден, тогава нямаше да бъде и наистина беше спорен. Но преди да се заемем директно с този дебат, неизбежно чрез изследване на древногръцкия речник, си струва да разгледаме някои от проблемите, които поставят идеята за красота в съвременните й приложения. Защото идеята за красота, както я използваме, не е толкова проста или невинна представа, колкото изглежда. Ако красотата се окаже проблематично понятие за нас, може да е по -малко изненадващо да открием, че някои култури могат да се справят отлично без нея или - ако имат такова понятие (както вярвам, че древните гърци са имали) - може да определи и да го разберем по начини, достатъчно различни от нашите, за да хвърлим малко светлина върху нашите собствени трудности и евентуално за начини за тяхното разрешаване или заобикаляне. По -специално по отношение на гърците, може би ще можем да видим как съвременното схващане за красота, с какъвто и да е багаж от противоречия и напрежения, което носи, се е появило на първо място, тъй като гръцките произведения на изкуството и гръцките представи за изкуството са имали огромно влияние върху западната традиция, дори и понякога да са били разбрани погрешно (не че това непременно е ужасно нещо: неразбирането е един от големите източници на творчество).

Извадка от „Красотата: Състоянията на една древногръцка идея“ от Дейвид Констан. Авторско право © 2014 от Дейвид Констан. Препечатано по споразумение с Oxford University Press, подразделение на Oxford University. Всички права запазени.


Художествена енциклопедия Изобразително изкуство на живописта | Скулптура | Архитектура Фотография | Керамика и други занаяти

Какво е изкуство?
Как се определя и класифицира изкуството? Каква е разликата между изобразителното, декоративното и приложното изкуство? Каква е разликата между изкуството и занаятите? Каква е разликата между представителния и абстрактно изкуство? Какво представляват естетиката? Какво представляват готовите изделия? Какво е боклучно изкуство? За отговори на тези и други въпроси вижте: Определение и значение на чл. За християнски диптихи, триптихи и полиптих олтари, източноправославни икони и светещи евангелски ръкописи вижте: Християнско изкуство. За всички произведения на изкуството, получени от Стария или Новия завет на Библията, вижте: Библейско изкуство. За ръководство за свещените произведения на изкуството като цяло вижте: Религиозно изкуство. За повече информация относно техники за печат, като дърворезби, релефни или дълбоки процеси, акватинта, мецотинта, офорт, суха игла, гравиране или литография, шаблони, сериграфия и коприна, вижте Графика.

Други обхванати форми на изкуство включват различни видове живопис и рисуване, както и анимация, архитектура, сглобяване, калиграфия, карикатура, керамика, колаж, концептуализъм, дигитално компютърно изкуство, графити, графично изкуство, илюстрация, инсталации, изпълнение, метални изделия, мозайки, фотография, керамика, скулптура, скици, витражи, гоблен, текстилен дизайн, видео, множество видове художествен дизайн и др.

• За повече информация вижте Видове чл.
• За отговори на популярни въпроси вижте: Арт въпроси.

Най-големите художници в света (около 1300-1800)
Прочетете биографии на ВСИЧКИ велики европейски стари майстори, като например: готически илюминатори като Жан Пусел и водещите художници на икони като братя Лимбург, като Теофан Гръцки и Андрей Рубльов Сиенски художници като Дучио ди Буонензеня, фламандски майстори като Ян Ван Ейк, Роджър Ван дер Weyden, Hans Memling Холандски художници като Hieronymus Bosch, както и ранни немски художници като Albrecht Altdorfer, Durer и Holbein. Ние анализираме Най -големите картини на Ренесанса от Джото, Масачо, Ботичели, Леонардо да Винчи, Кореджо, Рафаел и Тинторето. Ние представяме профили на маниери като Паоло Веронезе, миниатюристи като Никълъс Хилиард, Болонската школа на Анибале Карачи и великите майстори на бароковата живопис като Рубенс, Караваджо, Веласкес, както и неаполитанската школа на Рибера и илюзионисти фрески като Пиетро да Кортона и Андреа Поцо. Ние описваме холандски реалисти като Рембранд и Ян Вермеер, както и художници от 18-ти век като Каналето, художници от рококо като Буше и неокласици от Фрагонар като Жак-Луи Давид и романтици като Гоя.

• За хронологичен списък на художници по движение вижте: СТАРИ МАЙСТРИ.
• За комбиниран списък на художници и скулптори вижте: Визуални художници: Най -големият.

ТЪРСИТЕ ПОДРОБНОСТИ НА ОСОБЕН АРТИСТ?
ИЗПОЛЗВАЙТЕ НАШИЯ ЛЕСЕН ОСНОВЕН А-Я ИНДЕКС

КОИ СА
НАЙ -ДОБРОТО СЪВРЕМЕННО
ХУДОЖНИЦИ?

За биографиите на
най-великия
Прерафаелити,
Импресионисти,
и символистите,
Моля виж:
Известни художници

КОЙТО ПЕЧЕЛИ
ОБРАТНА НАГРАДА?

За да разберете кой
държи света
най -висока награда за
съвременно изкуство,
Моля виж:
Носителите на наградите Търнър

Най-добрите съвременни художници (около 1700 г.-до момента)
Ние описваме ВСИЧКИ велики майстори на 18 век Английска фигуративна живопис, като Уилям Хогарт и Джошуа Рейнолдс, както и ВСИЧКИ основни членове на училището на Английска пейзажна живопис включително JMW Turner, Constable и Richard Parkes Bonington. Ние също така обхващаме Американското училище от 18 -ти век, илюстрирано от портретистите Бенджамин Уест, Джон Сингълтън Копли и Гилбърт Стюарт и японски Ukiyo-e художници, като Хокусай и Хирошиге.

Ние предоставяме биографии на ВСИЧКИ основни Художници от 19 век включително: майстори от френската школа за ландшафт „Барбизон“, като Корот, Теодор Русо, Миле и Добиньи, както и американски художници от училището на река Хъдсън (Томас Коул, Фредерик Църква) и представители на луминизма. Реалисти като Домие и Курбе и символисти като Гюстав Моро също са обхванати. Ние профилираме ВСИЧКИ страхотни Художници -импресионисти и ВСИЧКИ пост-импресионистични художници като Жорж Сера, Ван Гог, Гоген, Сезан и Мунк. Представяме профил на Жул Чере, изобретател на хромолитография с 3 камъка, както и на ВСИЧКИ велики руски художници до 1917 г., включително златарката Петер Карл Фаберже, създател на изящните великденски яйца Фаберже.

• За повествователни, исторически или митологични произведения вижте: Най -добрите художници на историята.
• За индивидуални, групови или автопортрети вижте: Най -добрите портретисти.
• За ежедневни сцени вижте: Най -добрите жанрови художници.
• За изгледи и гледки вижте: Най -добрите пейзажни художници.

Ние профилираме ВСИЧКИ основни Художници от 20 век, включително фовисти като Матис и Андре Дерен Експресионисти като Модерсън-Бекер, Кандински, Емил Нолде, Август Маке и Клее Шагал и Модиляни от кубистите на Парижката школа като Пикасо и Браке Дадаисти като Марсел Дюшан Сюрреалисти като Дали и Магрит, и абстрактни художници като Мондриан , Малевич и Мохоли-Наги. Ние обхващаме ВСИЧКИ важни американски художници като Хопър, Ротко, Де Кунинг, Полок, Уорхол, Джаспър Джонс и нео-поп скулптора Джеф Кунс, както и мексикански стенописи като Диего Ривера и южноамериканци като Фернандо Ботеро и 20 век Европейски майстори като Лусиан Фройд, Антони Тапиес, Ив Клайн и Деймиън Хърст.

История на изкуството
Нашето покритие на Праисторическо изкуство представя най -старото изкуство от цял ​​свят. Датиращ от епохата на долния палеолит на каменната ера между 290 000 и 700 000 г. пр. Н. Е., Той включва странното явление купули, Венесите на Берехат Рам и Тан-Тан, и петроглифите от пещерата Blombos. В допълнение, ние представяме Фигурки на Венера (Венера на Холе Фелс, Вилендорфска Венера), обширна поредица от статии за пещерно изкуство - включително пещерни рисунки в Шове, Ласко и Алтамира, резби от слонова кост като Човекът лъв от Холенщайн Стадел, както и древна керамика, Австралийски аборигенски рентгенови картини и картини на Брадшоу. Вижте: Хронология на праисторическото изкуство.

ИСКАТЕ ДА ЗНАЕТЕ ЗА КАМЕННАТА ВЪЗРАСТ НА ИЗКУСТВОТО?
ИЗПОЛЗВАЙТЕ НАШИЯ ЛЕСЕН А-Я ИНДЕКС на ПРАИСТОРИЧНО ИЗКУСТВО

Ние изследваме редица Антично изкуство от различни цивилизации. Започвайки с месопотамско изкуство (около 4500 г. пр. Н. Е.), Той включва скулптурата и фреските на Класическа античност, по -специално тези на Гръцко изкуство и Римско изкуство. За историята на Азиатско изкуство и култура, виж Времева линия на китайското изкуство (около 18 000 г. пр. н. е. - сега). От 450 г. н. Е. Ние обхващаме мозайките и религиозните икони от византийската епоха, последвани от съдебното възраждане на династиите Каролинг и Отония. Разглеждаме и отблизо Предколумбово изкуство (около 1200 г. пр.н.е. - 1535 г.). От 1000 г. н. Е. Проследяваме развитието на средновековната архитектура и скулптура през романския и готическия период, докато живописта се изследва през Сиенско училище и Международна готика стилове. Обясняваме разликата между треченто, quattrocento и cinquecento картини. В същото време италиански Ренесансово изкуство получава задълбочено покритие, както и 17-ти век Бароково изкуство, и 18 век Неокласическо изкуство. Освен това разглеждаме и историята на занаятите, като бижута и изящни мебели.

Нашето ръководство за Модерно изкуство изброява всички тенденции и училища на съвременния период. Важни изследвани стилове включват: импресионизъм (1874-84), Постимпресионизъм (1880-1900), фовизъм (1905-7), Експресионизъм (1905-14), Кубизъм (1908-14), Сюрреализъм (1923-до момента) и Поп изкуство (1960 -те). Обясняваме значението на стилове като „реализъм“ и „натурализъм“ в живописта. В допълнение, ние описваме важни групи от 20-ти век като Die Brucke и Der Blaue Reiter, и разгледайте приноса на стилове като японизъм и биоморфна абстракция, както и съвременни движения като Art Informel, Цветно-полева живопис, Op Art и Fluxus, и най -новите съвременни форми на изкуство като ангелско и фентъзи изкуство.

ИСКАТЕ ДА ЗНАЕТЕ ДАТАТА НА ОСОБЕНО ДВИЖЕНИЕ?
ВИЖ: ГРАФИК НА ИЗКУСТВОТО

ОТГОВОРИ НА
ВАШИТЕ ВЪПРОСИ

В тази секция
ние предлагаме новини и
факти или отговори на
популярни въпроси
за рисуването,
скулптура, или
архитектура.

Новини, статии за художници и движения

PHILIPS WOUWERMANS (1619-68): ГОЛЯНДСКИ РЕАЛИСТ
Синът и ученик на художник, Паулус Йостен Вуверманс, Филипс получава уроци от големия холандски реалист портретист Франс Халс (1582-1666), както и от художника конник Питер Вербек (1610-54), който трябва да има трайно влияние върху него. Най-ранните му датирани произведения датират от 1646 г. Сред тях са „Кавалерия, която прави сорти“ (Национална галерия, Лондон), нарисувана с красива, безплатна обработка „преди рококо“, в стила на Николаес Питерсун Берхем (1620-83). Такива картини разкриват вече узряло и перфектно оформено изкуство. Освен влиянието на Питер Вербек, Wouwermans също е попаднал под това на Pieter van Laer (1599-1642), създател на популярния италиански жанр на бамбоччианте (жанрови картини на нисшите класове)-макар че всъщност сега известно, че Ван Лаер е работил толкова много върху пейзажи и животински картини и е изненадващо напреднал за времето си. През 1630-те Ван Лаер въвежда цяла концепция за италиански селски пейзажи, с големи умело анимирани фигури и с гъвкави модулации на светлината, които са взети между 1640 и 1650 г. от редица холандски художници, включително Wouwermans, Berchem и Jan Baptist Weenix (1621- 60). Самият Wouwermans почина на 48 -годишна възраст, но остави над 1000 картини, които бяха възхитени, копирани и гравирани, особено във Франция през 18 век. Заобиколен от ученици и с множество имитатори, той се смяташе за едно от най -големите имена в холандската живопис на своето време. Като пейзажист той се проявява като един от най -надарените художници в кръга на Харлем. Подобно на Яков ван Руисдаел (1629-82), той обичаше гледките на пясъчни дюни, улавящи светлината и изпъкващи живописно на фона на облачното небе. Популярното устройство на дюната, поставено диагонално през платното, много използвано в пейзажите на Ян Янс Уайнц (1632-84), Адриан ван де Велде (1636-72) и Руисдаел, изглежда произхожда от Вуверманс, а не от Уинанс, както често се твърди. Wouwermans е нарисувал много повече пейзажи, отколкото се е смятало някога, общо около 200, сред които няколко зимни сцени с лед и кънки, като най -добрият пример е брилянтен гризал с подпис в Музея на Лион, който дълго време се приписва на ван Adriaen Pietersz де Вен (1589-1662). Освен пейзажи и няколко религиозни картини, Wouwermans рисува военни сцени: схватки и кавалерия, спирки, военни лагери, гостилници или конюшни (друг шанс да се постигнат изящни ефекти на светлоцветното), речни брегове или брегове с ездачи или проходилки, заминавания и лов сцени. Развитието на стила на Wouwermans е трудно да се проследи, тъй като толкова малко произведения са датирани, но изглежда, че се движи към все по-блестяща картина, ясна, детайлна и сложна, топлата кафява палитра от ранната му творба отстъпва на по-светлите хармоници на сребристо-сивото . Анимацията се увеличава, докато вечерното небе, пълно с въртеливи облаци, капризна, леко италианска конструкция и фини сини разстояния разкриват все по -рококо изкуство, богато и деликатно, което го свързва с Уеникс и Берхем. Влиянието му е значително, тъй като той включва сред учениците си като Хендрик Беркманс, Еманюел Мюрант, Ян ван дер Бент, Коорт Витхолт, Якоб Уорнарс, Антоний де Хаен, Николас Фике гравьорът, Хендрик де Фромантиу, Баренд Гаал, Вилем Шелинкс и може би Адриан ван де Велде, както и германците Яков Вайер и Матиас Шейтс. За повече информация за холандската живопис от 17-ти век, както и широка гама от задълбочени статии за холандския реализъм, както и нашия лесен ОСНОВЕН A-Z INDEX.

ГОСПОДАРСТВА
АНАЛИЗИРАН

Проверете нашия индекс
за смисъла
на ключови картини
като Мона Лиза
и много други,
от световния връх
маслени художници и
акварелисти.

Живопис
Нашето покритие на живописна живопис се фокусира върху средата на маслената живопис, но ние също отговаряме на въпроси за по -ранното енкаустичен и темпера методи. Деветнадесети век акварели / гваш, и ХХ век акрилни бои също са обхванати, както и рисуването с рисунки и рисунките от живота. Нашият раздел за цвят в живописта проследява точно как са се развили основните цветни пигменти и очертава теория на цвета, както и основната цветни палитри от Античността нататък.

Разглеждаме история и развитие на маслена боя, когато се разширява от амортисьорите в Северна Европа до Италия и Испания, и също така изследва методи като буон фреска и мецо-фреска стенописи и линейна перспектива. Художествени методи като светодиод, тенебризъм, и импасто също се изследват, както и автоматичните техники за боядисване фротаж и декалкомания.

Ние описваме петте живописни жанра, които съставляват Йерархия на жанровете както се преподава в основните академии за изящни изкуства в Европа. Те са (по важност): (1) Историческа живопис (2) Портрет (3) Жанрова живопис (4) Пейзажи (5) Натюрморт.

БРОНЗОВ
КАСТИНГ

За мини-водач
Моля виж:
Бронзова скулптура.

Скулптура
Ние обхващаме произхода, историята и развитието на скулптурата в бронз, камък, мрамор, бронз, глина и дърво. Прочетете нашето въведение Опростена гръцка скулптура обхващащи архаичната (600-500), класическата (500-323) и елинистичната (около 323-27 г. пр. н. е.) ера, прочетена за големите римски разказвателни релефи като Колоната на Траян. Ние също така профилираме най -добрите гръцки скулптори, като Фидий, Поликлейтос, Мирон, Лизип и Праксител, както и известни антични скулптури като Олтарът на Зевс в Пергамон, Венера от Милос, Лакон и неговите синове, и Ara Pacis Augustae, в Рим. За хронологичен план на пластичните изкуства вижте: История на скулптурата.

В допълнение, ние обхващаме статуи на колони и други архитектурни каменни изделия от големите каменоделци и бронзови работници, свързани с Италианска ренесансова скулптура, както и средновековна, романска и готическа скулптура. Разглеждаме конни статуи, барелеф и релеф скулптури от художници като Лоренцо Гиберти, Донатело и Андреа дел Верокио, заедно с мрамори и бронзи от резбари като Микеланджело, Бернини, Антонио Канова и Роден. Ние също така описваме велики майстори на 20 -ти век като Бранкузи, Осип Задкин, Александър Колдер и Луиз Буржоа, кубистите Архипенко и Липчиц, изразители на биоморфната абстракция като Жан Арп и Хенри Мур експресионисти като абстрактните скулптори на Яков Епщайн като Наум Габо и минималистите на Дейвид Смит като Доналд Джъд нежелани художници като Арман и Сезар Балдачини кинетични художници като Жан Тингели, сюрреалистът Джакомети, поп изпълнителят Клаес Олденбург и съвременните скулптори Джоузеф Бойс, Антони Гормли, Ричард Сера и Аниш Капур.

• За статия за теорията, материалите и типовете 3-D обекти вижте: Скулптурно изкуство.
• За списък на най -добрите произведения вижте: Най -големите скулптури досега (33 000 г. пр. Н. Е. - сега).
• За биографии на най-добрите 3-D художници вижте: Най -големите скулптори. (500 г. пр. Н. Е. - досега).

Архитектура и дизайн
Ние покриваме история на архитектурата от най -ранните човешки цивилизации. Това включва преглед на Древна египетска архитектура (3000 г. пр. Н. Е. - 200 г. сл. Н. Е.), Както и Гръцка архитектура илюстриран от Партенона (447-422) и римската архитектура, характеризираща се със сводовете, сводовете и използването на бетон, извисяващите се арки и изкуството от витражи на Готическа архитектура, илюстрирана от бароковата архитектура на катедралата в Шартр (17-ти век), илюстрирана от базиликата Свети Петър (1506-1626) и двореца Версай (построен около 1624-98) Неокласическа архитектура (18-ти век), както в Капитолия на САЩ, Вашингтон, американската архитектура (1600 г.-днес) и архитектурата на небостъргача (1850 г.-до днес), която ни отвежда до сградата Burj Khalifa Dubai в Обединените арабски емирства (2010 г.), 2010 г., и 1776-футовата кула на свободата, Ню Йорк, и двете проектирани от Skidmore, Owings и Merrill.

Очаквайте скоро е нашата чисто нова серия от биографии на най -големите архитекти от цял ​​свят, включително: Филипо Брунелески, Донато Браманте, Бернини, Томас Джеферсън, Бенджамин Латроб, Джеймс Ренуик, Юджийн Виолет-ле-Дюк, Уилям Льо Барон Джени, Даниел Хъдсън Бърнъм, Данкмар Адлер, Луис Съливан, Антони Гауди, Уолтър Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier, Robert Venturi, IMPei, Sir Norman Foster, Eero Saarinen, Frank Gehry, Fazlur Rahman Khan и др.

Художествена фотография
Освен това ние правим профил на света най -големите фотографи (От 1880 г. до момента), участващи в портрета, модата, пейзажа, уличната фотография и фотожурналистиката, включително Ансел Адамс, Ричард Аведон, Анри Картие-Брессън, Андреас Гурски, Ървинг Пен, Ман Рей, Едуард Щайхен, Алфред Щиглиц, Джеф Уол и много други други.

ВСИЧКО, КОЕТО ТРЯБВА ДА
ЗНАМ ЗА
ИРСКИ ИЗКУСТВО

Разглеждаме аспектите
на келтското изкуство
Мечове, бижута,
Монети, дизайни
(Преплитане, възли
Спирали, кръстове)
Келтски метални изделия
като cloisonne и
емайлиране, видяно
в произведения като
Деринафлан Чаша.
Разглеждаме Евангелието
илюминации като
катаха на Св.
Колумба и Книга
на Дуроу.

Ирландско изкуство - история и развитие
Проследяваме 10 -те етапа в история на ирландското изкуство. Те включват гравюрите от каменната ера в келтската металоконструкция Newgrange като Ardagh Chalice, Broighter Gold Torc, Petrie Crown и Tara Brooch, както и християнски светещи ръкописи като Книгата на Келс. В допълнение, ние правим профил на културните институции, които са насърчили развитието на ирландската живопис, като например Кралската хибернска академия (RHA).

Ние също така изследваме настоящото състояние на визуалните изкуства в Ирландия, разглеждаме архитектурното наследство и културното наследство на Leinster, Connacht, Munster и Ulster и профилни организации, участващи в Ирландско изкуство, като Съвет по изкуствата, Култура Ирландия, аукционисти включително Адамс, Уайтс, и deVeres, плюс училища като Дъблинския NCAD и Коркския колеж по изкуство и дизайн на Кроуфорд.

Най -големите ирландски художници и скулптори
Нашият списък с над 300 биографични профила на най -големите ирландски художници започва с Гарет Морфи и Сузана Друри от 17 -ти век и продължава до 21 -ви век. Разглеждаме редица Известни ирландски художници включително Джон Лейвъри, Родерик О'Конър, Джак Б Йейтс, Уилям Орпен, Пол Хенри, Франсис Бейкън, Уилям Скот, Луи льо Броки и др. Преглеждаме и групи изпълнители като Аосдана, както и най-вълнуващите съвременни ирландски художници, и разгледайте най-добрите ирландски скулптори, включително сюрреалиста F.E.McWilliam, фигуративната Rowan Gillespie, полуабстрактния Едуард Делани и други. За подробности вижте: Ирландска скулптура.

СВЕТОВНИ ИЗКУСТВА
Ние също изследваме
Викинг изкуство
(по -специално
Джелинге, маме,
Ringerike & amp Urnes
стилове), както и
Еврейски произведения на изкуството
и Ислямско изкуство.

Изкуство от цял ​​свят
Ние изследваме широк спектър от различни художествени носители, методи и стилове от различни култури по целия свят. Те включват исторически, както и съвременни форми на творческо изразяване, от почти всички континенти.

Например: вижте Африканско изкуство, за ръководство за скални картини, класическа африканска скулптура, религиозни и племенни произведения на изкуството. Вижте Келтско изкуство, за метални конструкции на Халщат и Ла Тене култура, плюс абстрактно геометрично проектиране. Вижте Китайска керамика, за порцелан, теракотни работи, включително керамика с черно стъкло и различни видове Celadon за общо ръководство, вижте: Китайско изкуство (около 1700 г. пр. н. е. до 2000 г. н. е.). Вижте Египетско изкуство, за гробни произведения на изкуството - включително, панелни картини, стенописи, скулптура и монументален пирамиден дизайн. Вижте Гръцка керамика, за керамични дизайни, включително Геометричен стил, Ориенталски стил, Чернофигурален стил и Червенофигурален стил. Вижте Японско изкуство за пътеводител за изкуството на будисткия храм, живопис с дзен мастило, Yamato-e и Ukiyo-e живопис. Вижте Руско изкуство, за праисторическа скулптура, средновековна иконопис и прекрасни произведения от 19-ти век от Дружеството за пътуващи художествени изложби. В допълнение, ние обхващаме колониално изкуство от Австралия и Америка, както и мейнстрийм Американско изкуство (c.1750-досега). Ние също така обхващаме примитивното родно изкуство на племенните общества в Аляска, Америка, Африка, Индия, както и океански артефакти от Меланезия, Полинезия, Микронезия и Австралазия.

Най -добрите музеи на изкуството
Ние изследваме колекциите, придобиванията и историята на големите световни музеи.

Ние правим профил на най -добрите музеи на изкуството в Америка, включително Музея за изящни изкуства в Бостън, Музея на Изабела Стюарт Гарднър, Художествения институт в Чикаго, Детройтския институт по изкуствата, Колекция Фрик, Музея на Метрополитън / МоМА / Самюъл Р Гугенхайм / Музея Уитни (всички в Ню Йорк), Гети център Лос Анджелис , Музей на изкуствата във Филаделфия, Национална галерия Вашингтон, колекцията на Филипс и много други. Ние също така представяме най -добрите музеи на изкуството в Европа, като Лувъра, Музея д'Орсе и Центъра Помпиду в Париж, галерията Уфици във Флоренция, музеите на Ватикана в Рим, музея Прадо в Мадрид, колекцията Тейт / Националната галерия / музея Виктория и Алберт / галерия Саачи (всички в Лондон), Ермитажа в Санкт Петербург, Музея на Пушкин и Третяковската галерия в Москва и много други. За общо ръководство вижте: Най -добрите музеи на изкуството.

Художествено образование и усилвателна оценка
Като уводно ръководство за ученици и учители, ние предоставяме редица статии за оценяване на изкуството, като например: Оценка на изкуството: Как да оценим изкуството и Как да оценим скулптурата, между другото. Ние обхващаме въпроси като & quotКак да оценим темата, композицията, линията и формата, цвета, текстурата и четката на картината? & Quot & quothow да преценим фона/контекста на произведението? & Quot & quothow да оценим абстрактното изкуство? & Quot и много други. Вижте и новата ни поредица Анализ на съвременните картини (1800-2000).

Анализирани известни картини
Освен това предоставяме обширна поредица от ревюта на известни картини на най -големите стари майстори. Те включват шедьоври от епохата на Възраждането и барока, като: Битката при Сан Романо (Паоло Учело) Портрет на Арнолфини (Ян Ван Ейк) Плач за мъртвия Христос (Андреа Мантеня) Олтарът на Портинари (Хуго Ван Дер отива) Тайната вечеря и Мона Лиза (Леонардо) Атинското училище и Сикстинска Мадона (Рафаел) Олтарът на Изенхайм (Матиас Грюневалд) Стенописи на Сикстинската капела (Микеланджело) Успение Богородично (Тициан) Ловци в снега (Питър Бройгел) Вечеря в Емаус (Караваджо) Нощна стража и Урок по анатомия на д -р Николаес Тюлп (Рембранд) Момиче с перлена обица (Ян Вермер), Поклонение към Китера (Жан-Антоан Вато) и много други. За подробности вижте: Известни картини: анализ и интерпретация.

Внимавайте за нашите нови статии за техники на рисуване като, ракурс, trompe l'oeil, линейна перспектива, квадратура, сфумато, и грисай. Очаквайте и предстоящата ни поредица изобразително изкуство фотография, както и дизайн от 20 -ти век, включващ декоративни стилове като Арт Нуво, Арт Деко и Баухаус, както и фентъзи графики на 21 век.

ТЪРСИТЕ ИНФОРМАЦИЯ ПО ОТДЕЛНА ТЕМА?
ИЗПОЛЗВАЙТЕ НАШИЯ ОСНОВЕН А-Я ИНДЕКС


Гледай видеото: Пленер по скулптура с. Раювци, септември 2021 (Ноември 2021).